L'Arianna (SV291,Ariadna) es lasegundaóperaperdidadel compositor italianoClaudio Monteverdi. Una de las óperas más antiguas en general, fue compuesta en 1607-1608 y se estrenó el 28 de mayo de 1608, como parte de las festividades musicales de una boda real en la corte delduque Vincenzo GonzagaenMantua. Toda la música se ha perdido, excepto el recitativo extenso conocido como " Lamento d'Arianna " ("Lamento de Ariadna"). El libreto, que sobrevive completo, fue escrito en ocho escenas porOttavio Rinuccini, quien utilizólas HeroidesdeOvidioy otras fuentes clásicas para relatar la historia delabandono de Ariadna por parte de Teseoen la isla deNaxosy su posterior elevación como novia del diosBaco.
La ópera fue compuesta bajo una gran presión de tiempo; el compositor dijo más tarde que el esfuerzo de crearla casi lo mató. La representación inicial, realizada con efectos especiales fastuosos e innovadores, fue muy elogiada, y la obra fue igualmente bien recibida en Venecia cuando fue reestrenada bajo la dirección del compositor en 1640 como obra inaugural del Teatro San Moisè .
El libreto de Rinuccini está disponible en varias ediciones. La música del "Lamento" sobrevive porque fue publicada por Monteverdi, en varias versiones diferentes, independientemente de la ópera. Este fragmento se convirtió en una obra musical muy influyente y fue ampliamente imitado; el "lamento expresivo" se convirtió en una característica integral de la ópera italiana durante gran parte del siglo XVII. En los últimos años, el "Lamento" se ha vuelto popular como pieza de concierto y recital y se ha grabado con frecuencia.
Hacia 1590, Claudio Monteverdi, nacido en Cremona en 1567, consiguió un puesto como violista en la corte mantuana del duque Vincenzo Gonzaga . [1] Durante los diez años siguientes avanzó hasta convertirse en el maestro della musica del duque . [2] [3] Durante ese tiempo, se estaban produciendo avances significativos en el mundo del teatro musical; en 1598, la obra generalmente reconocida como la primera en el nuevo género de "ópera" -Dafne de Jacopo Peri- se representó en Florencia . [4] El duque reconoció rápidamente el potencial de esta nueva forma musical y su potencial para brindar prestigio a quienes estuvieran dispuestos a patrocinarla. [5]
Como parte de sus deberes en la corte de los Gonzaga, Monteverdi tuvo que componer o arreglar música para representaciones teatrales. Estas obras incluían una ópera completa, L'Orfeo , escrita sobre un libreto de Alessandro Striggio el Joven y presentada ante la corte el 24 de febrero de 1607. Esta representación agradó al duque, quien ordenó una repetición para el 1 de marzo. [6] Un relato contemporáneo registra que la pieza "no podría haberse hecho mejor... La música, observando la debida propiedad, sirve tan bien a la poesía que no se puede escuchar nada más hermoso en ningún lado". [7] Monteverdi recibió entonces el encargo de escribir varias piezas para su representación en la boda del hijo y heredero del duque, Francesco, con Margarita de Saboya , prevista para principios de mayo de 1608. [8] Entre ellas se incluían un prólogo musical para la obra de Battista Guarini L'idropica y una ambientación del ballet dramático Il ballo delle ingrate ("La danza de las damas ingratas"), con texto de Ottavio Rinuccini . También iba a haber una ópera, aunque inicialmente no estaba seguro de que Monteverdi la proporcionara. Otras obras que se estaban considerando eran Le nozze di Peleo e Tetide ("Las bodas de Peleo y Tetis") de Peri, con libreto de Francesco Cini, y una nueva ambientación de Dafne de Marco da Gagliano . Al final, la primera fue rechazada y la segunda designada para su representación en el Carnaval de 1607-08. El duque decretó que la ópera nupcial se basaría en el mito de Arianna (Ariadna) y que Rinuccini escribiría el texto. Monteverdi recibió el encargo de componer la música. [9]
En el momento de su encargo para L'Arianna , Rinuccini era probablemente el más experimentado y distinguido de todos los libretistas. Su carrera como escritor se remontaba a 1579, cuando había escrito versos para el espectáculo de la corte florentina Maschere d'Amazzoni . [10] Se había hecho ampliamente conocido a través de sus contribuciones en verso para el célebre intermedio de la obra de Girolamo Bargagli La Pellegrina ( La peregrina ), interpretada en mayo de 1589 en la boda de Fernando I de Médici y Cristina de Lorena . [11] Según Gagliano, Rinuccini fue una influencia primaria en el surgimiento de la ópera como género; adaptó las convenciones de sus poetas líricos contemporáneos para producir los libretos de dos de las primeras óperas, Dafne y Eurídice , esta última con música de Peri y Giulio Caccini . [12]
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Para el libreto de Arianna , Rinuccini se basó en una variedad de fuentes clásicas, en particular el décimo libro de las Heroides de Ovidio , partes del Carmina de Catulo y la sección de la Eneida épica de Virgilio que trata del abandono de Dido por parte de Eneas . También utilizó aspectos de obras literarias más recientes: Orlando Furioso de Ludovico Ariosto , Gerusalemme liberata de Torquato Tasso y la traducción de Giovanni Andrea dell' Anguillara de 1561 de las Metamorfosis de Ovidio . [13] El libreto se amplió durante los ensayos cuando Carlo de' Rossi, un miembro de la corte del duque, informó de la queja de la duquesa Eleonora de que la pieza era "muy seca" y necesitaba ser enriquecida con más acción. [14] El libreto publicado en Venecia en 1622 adopta la forma de un prólogo y ocho escenas, [15] aunque se han sugerido otras disposiciones del texto. Por ejemplo, el musicólogo Bojan Bujić ha propuesto una alternativa de un prólogo y cinco escenas. [16]
Monteverdi probablemente comenzó a componer a finales de octubre o principios de noviembre de 1607, ya que la llegada de Rinuccini a Mantua puede fecharse el 23 de octubre. Como los ensayos debían comenzar el año nuevo, Monteverdi compuso la obra a toda prisa y bajo una presión considerable; [n 1] casi 20 años después todavía se quejaba, en una carta a Striggio, de las dificultades que había tenido que soportar: "Fue la falta de tiempo lo que me llevó casi a las puertas de la muerte al escribir L'Arianna ". [17]
Monteverdi aparentemente había completado la partitura a principios de enero y comenzaron los ensayos. Sin embargo, su trabajo no había terminado ya que se le pidió que escribiera más música cuando la obra se amplió después de la intervención de Rossi. Entre el material añadido o ampliado se encontraba la escena inicial entre Venus y Cupido y la bendición de Júpiter desde el cielo al final de la ópera. [14] [15] En marzo de 1608, bien entrado el período de ensayos, la representación programada de la ópera se vio comprometida por la muerte, por viruela, de la soprano principal Caterina Martinelli . [14] Afortunadamente, había una sustituta a mano, una reconocida actriz y cantante, Virginia Ramponi-Andreini , conocida profesionalmente como "La Florinda", que estaba actuando en Mantua. Un cortesano, Antonio Costantini, informó más tarde que aprendió el papel de Arianna en seis días. [18] El musicólogo Tim Carter sugiere que el lamento de Arianna puede haber sido añadido a la ópera en esta etapa tardía, para explotar las conocidas capacidades vocales de La Florinda. [19]
El reparto de los actores que actuaron en el estreno de la ópera es incierto. Aunque se puede establecer la participación de cantantes como La Florinda y Francesco Rasi , algunas fuentes han especulado sobre la participación de otros cantantes. [20] Existen varias versiones del libreto publicado; la lista de papeles está extraída de la publicación de Gherardo & Iseppo Imberti, Venecia 1622. [21]
La acción está precedida por un breve prólogo, pronunciado por Apolo. Venus y Cupido son descubiertos, entonces, conversando, en una playa desolada. Venus informa a Cupido que el duque Teseo de Atenas, junto con Ariadna, pronto llegarán a la isla de Naxos en su camino a Atenas. Están huyendo de Creta, donde la pareja ha sido cómplice del asesinato del medio hermano monstruo de Ariadna, el Minotauro, en el laberinto debajo del palacio de su padre, el rey Minos. Venus es consciente de que Teseo tiene la intención de abandonar a Ariadna en Naxos y proceder a Atenas solo. Cupido ofrece reavivar la pasión de Teseo por Ariadna, pero Venus ha decidido unirla con el dios Baco y le pide a Cupido que lo organice.
Cupido se esconde, mientras Teseo y Ariadna llegan a la isla que se encuentra a poca distancia. Ariadna reflexiona sobre su deslealtad hacia su padre, pero declara su amor por Teseo. Se va a buscar refugio para pasar la noche, después de lo cual un coro de pescadores compara sus ojos con las estrellas del cielo. Teseo, a solas con su consejero, habla de su abandono de Ariadna, y éste le advierte que esta decisión está justificada, ya que ella no será aceptada por el pueblo de Atenas como consorte de su gobernante.
Un coro saluda al amanecer cuando Ariadna, tras una noche de sueño agitado, regresa a la orilla con su compañera, Dorilla, y descubre que Teseo se ha ido. Dorilla le ofrece consuelo. Desesperada ante la idea de que Teseo no volverá, Ariadna decide ir a la zona de desembarco a esperarlo. En un interludio pastoral , un coro canta las alegrías de la vida rural y expresa la esperanza de que Teseo no olvide a Ariadna. Un enviado les informa de que Ariadna está sola y afligida, y el coro vuelve a cantar en solidaridad con ella. En la playa, Ariadna canta su lamento por su amor perdido y se prepara para suicidarse. En ese momento se oyen fanfarrias que anuncian la llegada, lo que hace que Ariadna tenga la esperanza de que sea Teseo el que regresa. En otro interludio, el coro se solidariza, pero un segundo enviado anuncia que es Baco el que ha llegado, después de haberse compadecido de Ariadna. Un baile cantado celebra el esperado compromiso de Baco y Ariadna. En la escena final, Cupido reaparece y Venus surge del mar antes de que Júpiter pronuncie su bendición desde los cielos. La unión se sella cuando Baco le promete a Ariadna la inmortalidad en el cielo y una corona de estrellas.
La fecha de la boda de los Gonzaga se pospuso repetidamente debido a problemas diplomáticos que retrasaron la llegada de la novia a Mantua hasta el 24 de mayo. [20] Las festividades de la boda comenzaron cuatro días después; [25] L'Arianna se representó el 28 de mayo de 1608, el primero de varios espectáculos espectaculares. Se había construido un gran teatro temporal para la ocasión; según el cronista de la corte Federico Follino, tenía capacidad para 6.000 personas, una cifra que Carter considera poco probable. [26] Cualquiera que fuera su tamaño, la arena no podía albergar a todos los que deseaban estar presentes. El relato de Follino registra que, aunque el duque había limitado estrictamente el número de miembros de su casa que tenían derecho a estar allí, muchos visitantes extranjeros distinguidos no pudieron sentarse y se vieron obligados a amontonarse alrededor de las puertas. [25]
Aunque se desarrolló en un único escenario, [26] la producción fue suntuosa, con 300 hombres empleados para manipular la maquinaria escénica . [27] El informe de Follino describió el escenario como "un lugar rocoso y salvaje en medio de las olas, que en la parte más alejada de la perspectiva se podía ver siempre en movimiento". Cuando comenzó la acción, Apolo se reveló "sentado en una nube muy hermosa... que, bajando poco a poco... alcanzó en un corto espacio de tiempo el escenario y... desapareció en un momento". A partir de entonces, todos los intérpretes demostraron ser excelentes en el arte del canto; "cada parte tuvo un éxito más que maravilloso". [25] El entusiasmo de Follino se hizo eco en otros informes hechos por dignatarios a sus propias cortes. El embajador de la Casa de Este , que se refirió a la obra como "una comedia en música", mencionó en particular la actuación de Andreini que, en su lamento, "hizo llorar a muchos", y la de Francesco Rasi, quien como Baco "cantó divinamente". [28] Marco da Gagliano, compositor y compañero de Monteverdi, escribió que la música de Monteverdi había "conmovido hasta las lágrimas a todo el público". [29] En total, la ópera duró dos horas y media. [25]
A pesar de la recepción positiva que tuvo L'Arianna en su estreno, el duque no solicitó una segunda presentación, como había hecho con L'Orfeo el año anterior". [30] El siguiente indicio de una representación de L'Arianna es de 1614, cuando la corte de los Medici en Florencia solicitó una copia de la partitura, presumiblemente con la intención de ponerla en escena. Sin embargo, no hay registro de ninguna representación allí. [31] A principios de 1620, Striggio le pidió a Monteverdi que le enviara la música para una representación proyectada en Mantua como parte de la celebración del cumpleaños de la duquesa Caterina . Monteverdi se tomó la molestia y el gasto de preparar un nuevo manuscrito con revisiones; si hubiera tenido más tiempo, informó a Striggio, habría revisado la obra más a fondo. [32] Al no tener noticias de la corte de Mantua, Monteverdi le escribió a Striggio el 18 de abril de 1620, ofreciéndose a ayudar con la puesta en escena. Sin embargo, aproximadamente un mes después, se enteró de que la Las celebraciones de la duquesa se habían reducido y no se había representado L'Arianna . [33]
Hay algunas evidencias que sugieren una posible representación en Dubrovnik , en o algún tiempo después de 1620; una traducción croata del libreto fue publicada en Ancona en 1633. [16] Sin embargo, la única reposición conocida de la obra se produjo en Venecia, en 1640. La ópera de teatro público había llegado a la ciudad en marzo de 1637, cuando el nuevo Teatro San Cassiano abrió con una representación de L'Andromeda de Francesco Manelli . [34] La popularidad de esta y otras obras llevó a más teatros a convertir sus instalaciones para la ópera; L'Arianna fue elegida para inaugurar el Teatro San Moisè como casa de ópera durante el Carnaval de 1639-1640 (no se registra la fecha precisa de esta representación). Una versión revisada del libreto se había publicado en 1639, con cortes y revisiones sustanciales de la versión de 1608 para eliminar pasajes demasiado específicamente vinculados a la boda de Mantua. [35] El compositor, que por entonces tenía 73 años, había adquirido un prestigio considerable en Venecia, habiendo sido director musical de la Basílica de San Marcos desde 1613. La dedicatoria en el libreto revisado y republicado lo describe como "[el] Apolo más célebre del siglo y la más alta inteligencia de los cielos de la humanidad". [36] La ópera fue recibida con gran entusiasmo por un público veneciano ya familiarizado con el lamento, que había sido publicado en la ciudad en 1623. [37] En pocas semanas, el teatro reemplazó L'Arianna con la nueva ópera de Monteverdi Il ritorno d'Ulisse in patria , que resultó un éxito aún mayor. [38]
Después de la renovación de Venecia de 1639-40 no hay más registros de representaciones de L'Arianna . El libreto de Rinuccini, que se publicó en varias ocasiones durante la vida de Monteverdi, ha sobrevivido intacto, pero la música de la ópera desapareció algún tiempo después de 1640, con la excepción del lamento de Ariadna de la escena 6, conocido como "Lamento d'Arianna". En cuanto a la pérdida de su música, la ópera comparte el destino de la mayoría de las obras teatrales de Monteverdi, incluidas seis de sus otras nueve óperas. La explicación de Carter para la alta tasa de desgaste es que "los recuerdos eran breves y las obras musicales a gran escala a menudo tenían una difusión limitada más allá de sus circunstancias inmediatas"; dicha música rara vez se publicaba y se descartaba rápidamente. [39] [40]
El lamento fue salvado del olvido por la decisión de Monteverdi de publicarlo independientemente de la ópera: primero en 1614 como un madrigal a cinco voces, [41] luego en 1623 como una monodia , [42] y finalmente en 1641 como un himno sagrado, "Lamento della Madonna". [43] La adaptación a cinco voces fue incluida en el Sexto Libro de Madrigales del compositor ; hay evidencia de que este arreglo fue hecho por sugerencia de un caballero veneciano anónimo que pensó que la melodía se beneficiaría del contrapunto . [44] En 1868, François-Auguste Gevaert publicó el lamento en París, y en 1910 el compositor italiano Ottorino Respighi publicó una transcripción orquestal editada, P 088. [45]
En su análisis del lamento, la musicóloga Suzanne Cusick afirma que "[e]n gran medida, la fama y el estatus histórico de Monteverdi se basaron durante siglos en la apreciación universal de su logro en el célebre lamento [que] estaba entre las obras más emuladas y, por lo tanto, influyentes, de principios del siglo XVII". [46] En opinión de Cusick, Monteverdi "creó el lamento como un género reconocible de música de cámara vocal y como una escena estándar en la ópera... que se volvería crucial, casi definitoria del género, para las óperas públicas a gran escala de la Venecia del siglo XVII" [46] y concluye señalando que las mujeres de Mantua habrían reconocido las transformaciones representadas en el lamento como representativas de sus propias historias de vida. Monteverdi, cree ella, trató de representar en la música el triunfo final de la piedad femenina sobre la promiscuidad: "La pérdida gradual de Arianna de su yo apasionado en el lamento constituye un castigo musical público de esta mujer incauta que se atrevió a elegir a su propio compañero". [46] En su estudio The Recitative Soliloquy , Margaret Murata registra que los lamentos de este tipo se convirtieron en una característica básica de las óperas hasta aproximadamente 1650, "después de eso con menor frecuencia hasta el triunfo total del aria alrededor de 1670". [47] Mark Ringer, en su análisis del drama musical de Monteverdi, sugiere que el lamento define la creatividad innovadora de Monteverdi de una manera similar a la en la que, dos siglos y medio después, el "Preludio" y el " Liebestod " en Tristan und Isolde anunciaron el descubrimiento de Wagner de nuevas fronteras expresivas. [48]
En su contexto operístico, el lamento adopta la forma de un recitativo extenso de más de 70 líneas vocales, pronunciadas en cinco secciones divididas por comentarios corales. Algunas de las palabras están prefiguradas en la escena inmediatamente anterior en la que el Primer Enviado describe la difícil situación de Arianna a un coro comprensivo de pescadores. El lamento describe las diversas reacciones emocionales de Arianna ante su abandono: tristeza, ira, miedo, autocompasión, desolación y una sensación de inutilidad. Cusick llama la atención sobre la manera en que Monteverdi es capaz de igualar en música los "gestos retóricos y sintácticos" del texto de Rinuccini. [46] Las palabras repetidas iniciales "Lasciatemi morire" (Déjame morir) están acompañadas por un acorde de séptima dominante que Ringer describe como "una inolvidable punzada cromática de dolor"; Monteverdi fue uno de los primeros usuarios de este recurso musical. Lo que sigue, dice Ringer, tiene un alcance y una profundidad "comparables a los soliloquios más inquisitivos de Shakespeare". Las palabras «Lasciatemi morire» van seguidas de «O Teseo, O Teseo mio» («Oh Teseo, mi Teseo»); las dos frases representan las emociones contrastantes de Arianna, la desesperación y el anhelo. A lo largo del lamento, la indignación y la ira están marcadas por la ternura, hasta la iteración final de «O Teseo», tras la cual una línea descendente lleva el lamento a una conclusión tranquila. [48]
Entre otros compositores que adoptaron el formato y estilo del lamento de Arianna se encuentran Francesco Cavalli , cuya ópera Le nozze di Teti e di Peleo contiene tres piezas de este tipo; Francesco Costa, que incluyó una versión del texto de Rinuccini en su colección de madrigales Pianta d'Arianna ; [49] y Sigismondo d'India , que escribió varios lamentos en la década de 1620 después de que se publicara la versión monódica del lamento de Arianna en 1623. [50] El propio Monteverdi utilizó el formato de lamento expresivo en cada una de sus dos óperas tardías, Il ritorno d'Ulisse in patria y L'incoronazione di Poppea , para los respectivos personajes de Penélope y Ottavia. En 1641 Monteverdi adaptó el lamento de Arianna en un canto sacro con texto en latín "Pianto della Madonna" (incipit: "Iam moriar, mi fili"), que incluyó en Selva morale e spirituale , la última de sus obras publicada durante su vida. [51]
Existen numerosas grabaciones tanto del madrigal a cinco voces como de la versión para voz solista del "Lamento". Las grabaciones para voz solista incluyen varias versiones que utilizan una voz de tenor o barítono. Entre los cantantes principales que han publicado grabaciones se encuentran las sopranos Emma Kirkby y Véronique Gens , y las mezzosopranos Janet Baker y Anne Sofie von Otter . [52] [53]
Entre 1608 y 1640 se publicaron al menos ocho versiones del libreto. A continuación se muestra una lista de las ediciones conocidas:
