John Wilde (12 de diciembre de 1919 - 9 de marzo de 2006, pronunciado "WILL-dee") fue un pintor, dibujante y grabador de imágenes fantásticas. Nacido cerca de Milwaukee, Wilde vivió la mayor parte de su vida en Wisconsin, a excepción del servicio en el ejército de los EE. UU. durante la Segunda Guerra Mundial. Recibió la licenciatura y la maestría en arte de la Universidad de Wisconsin-Madison, donde enseñó durante unos 35 años. Wilde estuvo asociado con el movimiento del realismo mágico y el surrealismo en los Estados Unidos. Su imaginería figurativa de humor negro a menudo incluía autorretratos a través de los cuales interactuaba con las personas, los animales y los objetos surrealistas que pueblan su mundo de fantasía. [1]
John Henry Wilde, el más joven de los tres hijos de Emil y Mathilda Wilde, nació cerca de Milwaukee, Wisconsin, el 12 de diciembre de 1919. De joven conoció a Karl Priebe (1914-1976), quien más tarde se convirtió en colega de Wilde en el arte y amigo de toda la vida. Mientras estaba en la escuela secundaria, Wilde visitó los estudios de Milwaukee de Santos Zingale (1908-1999) [2] y Alfred Sessler (1901-1963) [3] y se dio cuenta de que su propio talento para el dibujo podría conducirlo a una carrera viable. Poco después de esto, comenzó a estudiar informalmente con el pintor de Milwaukee Paul Clemens (1911-1992). [4] Como estudiante de arte en la Universidad de Wisconsin-Madison, Wilde conoció al artista Marshall Glasier (1902-1989). [5] A finales de la década de 1930, Glasier estudió en la Art Students League, pero le resultó difícil abrirse camino como artista en la Nueva York de la época de la Depresión. Regresó a la casa de su juventud en Madison, donde vivió con sus padres durante los siguientes veinte años, estableciendo su estudio de arte en el ático de su casa. [6] Según Wilde, Glasier se convirtió en "el centro -el catalizador- del evento artístico más emocionante que Madison había experimentado..." [7] Aunque Glasier no estaba relacionado con la universidad, los salones informales que organizaba regularmente en la casa de sus padres eran un lugar de reunión para estudiantes, profesores y "otras personalidades de Madison" [7] que querían hablar sobre literatura, arte y música contemporáneos. Glazier y los jóvenes artistas de su círculo rechazaron la pintura regionalista estadounidense de la época, ejemplificada por el trabajo de John Steuart Curry , quien fue artista residente en la Universidad de Wisconsin de 1936 a 1946. [8] Los disidentes se unieron en un grupo poco organizado que incluía a Glasier, Wilde, Sylvia Fein (n. 1919) y Dudley Huppler (1917-1988) en Madison, Wisconsin; Karl Priebe (1914-1976) en Milwaukee y Gertrude Abercrombie (1909-1977) en Chicago. [8] Wilde también conoció y se casó con su compañera de estudios de arte Helen Ashman (1919-1966) en 1942. [9] El grupo de amigos a menudo se reunía en el estudio de Karl Priebe en Milwaukee y frecuentaba la casa de Gertrude Abercrombie en Chicago, cuyas reuniones de artistas y músicos de jazz eran legendarias. [8]
Otra influencia en la carrera temprana de Wilde fue un profesor de arte en la Universidad de Wisconsin, James S. Watrous (1908-1999). Dibujante, muralista, mosaiquista e historiador del arte, Watrous enseñó métodos de dibujo y pintura de "viejos maestros" utilizando los materiales y técnicas de la pintura y el dibujo europeos desde la Edad Media hasta el siglo XIX. Enseñó a sus estudiantes cómo hacer sus propias tintas, tizas y crayones a partir de materiales encontrados en la naturaleza, cómo fabricar plumas de caña y de ave y cómo preparar bases para dibujar con punta de metal, [10] incluida la punta de plata , el medio en el que Wilde se convirtió en un maestro moderno. [11] Wilde tomó en serio las lecciones de Watrous, estudió detenidamente recetas de medios de aceite y finalmente formuló una mezcla secreta para usar en su propio trabajo. [9]
Wilde recibió su licenciatura en ciencias en 1942 y fue reclutado en el ejército de los EE. UU. poco después. Sirvió en la Fuerza Aérea de Infantería y en la Oficina de Servicios Estratégicos (OSS). Como artista, se le asignó la tarea de producir dibujos para el programa de enfermedades venéreas del ejército y mapas y modelos de terreno para inteligencia. [12] Durante este tiempo mantuvo un diario privado que llenó de autorretratos, escenas fantásticas y macabras y reflexiones escritas sobre el ejército, una institución que despreciaba por su regimentación y burocracia. En las imágenes y palabras del diario, Wilde también documentó su creciente sentimiento de desesperanza a medida que su período de servicio se extendía por años. A pesar de su depresión cada vez más profunda, Wilde vio posibilidades artísticas más amplias en algunos de los bocetos de su diario, y los convirtió en dibujos más grandes que envió por correo a Dudley Huppler en Wisconsin. [13] Según el historiador de arte Robert Cozzolino, en su carrera posterior Wilde volvió "docenas de veces" a los temas y situaciones inquietantes que exploró por primera vez en su diario de guerra. [9] Tras licenciarse del ejército en 1946, Wilde regresó a la Universidad de Wisconsin-Madison, donde estudió historia del arte y se graduó con una maestría en ciencias de la Escuela de Educación. Su tesis era aparentemente sobre el artista surrealista Max Ernst , pero Wilde admitió más tarde que la tesis también era una declaración de protesta contra el expresionismo abstracto . [9]
El dibujo fue el medio de expresión visual de Wilde durante su infancia y siguió siendo la base sobre la que se construyeron las obras de su carrera profesional de sesenta años. El “profundo e instintivo amor por el dibujo”, como él mismo lo describía, fue una fuente de desconcierto para él; cuando era niño no se le animó a hacerlo, ni podía ver nada en su entorno social o cultural que lo llevara a hacerlo. [9] Sin embargo, tenía un profundo interés y empatía por la naturaleza y su ciclo de generación, crecimiento, decadencia y muerte. Vegetales, plantas y flores, tanto silvestres como cultivadas, y animales, especialmente pájaros, son los temas de muchas de sus pinturas y dibujos. Y, sobre todo, siempre volvió a la forma humana, ya sea invocando el capricho de situaciones surrealistas o deleitándose con la compleja y elegante disciplina del fino dibujo anatómico, en el que Wilde es prácticamente inigualable en su siglo. A menudo se incluyen notas crípticas en los dibujos, desde las inscripciones pseudolatinas de los primeros años hasta los diez "dibujos parlantes" intencionalmente didácticos de principios de los años setenta, en los que extensos monólogos dominan la página, delineando representaciones solitarias de él mismo realizando tareas cotidianas como rastrillar (Madison Art Center). Los seres humanos que aparecen en sus cuadros suelen estar desnudos y, a menudo, son del sexo femenino. La escritora Donna Gold describió la tendencia de Wilde a casar la naturaleza con la figura humana de maneras improbables en su cuadro "Para hacer mermelada de fresa":
“Wilde… pinta una odalisca envuelta en zarcillos de una planta de fresa, que recuerda a El nacimiento de Venus de Botticelli , velada por su cabello dorado. Una fresa es lo que cubre a la mujer de Wilde, pero la fresa que abraza contra su pecho es enorme, la mitad del tamaño de su torso”.
La referencia al pintor renacentista Botticelli es acertada. Las técnicas de pintura y dibujo de historia del arte que Wilde aprendió en los seminarios de James Watrous dan a su obra el aspecto de algo del siglo XV italiano, y se refleja aún más en su admiración de toda la vida por la disciplina del dibujo detrás de las obras de los artistas renacentistas del norte de Europa. Los temas de "La muerte y la doncella" derivados de este último se repiten con frecuencia a lo largo de las siete décadas de su producción, al igual que las representaciones reverentes y muy elaboradas de objetos naturales. Pero, según la curadora Sara Krajewski,
“ El surrealismo es la mejor manera de representar la actividad mental y las fuerzas omnipresentes del sexo y la muerte. Los huesos, los animales muertos y las escenas de descomposición sirven como memento mori, recordatorios simbólicos de la propia mortalidad. Mujeres desnudas o criaturas-mujeres extrañamente mutadas pueblan paisajes profundos y oníricos. Wilde se pinta a sí mismo en una escena con frecuencia, como para reconocer que este es un mundo en el que se enfrenta a sus propios miedos y deseos”. [8]
Un ejemplo particularmente notable de esta puesta en escena personal es "El gran dibujo autobiográfico en punta de plata", de 2,9 metros de largo, de 1983-84, que se encuentra en el Chicago Art Institute. Representa al habitual representante de Wilde, ahora desnudo y con tres ojos, mirando al espectador frente a filas de figuras familiares, con los restos de una vida largamente vivida a un lado y un inmenso roble al otro. Aunque Wilde se destaca en pinturas pequeñas e íntimas y en punta de plata, esta obra, dibujada meticulosamente en el implacable medio de punta de plata, es posiblemente la punta de plata más grande jamás realizada.
Otro gran dibujo con punta de plata en el que Wilde aparece en medio de un paisaje memeto mori fue su " Muss Es Sein " (1979-81, palabra clave "was"). Aunque es bastante grande en sí mismo, es sólo un tercio del tamaño del leviatán de la AIC. La obra muestra al representante de Wilde semidesnudo con sus habituales mallas de arlequín y a una mujer desnuda sentada en medio del escenario, casi perdida en medio de un campo entero de cráneos de animales. Están mirando hacia una luna doble en dirección opuesta al espectador. También extremadamente meticulosamente dibujada con punta de plata, la obra fue fotografiada y luego pintada encima con las típicas aguadas de aceite transparente y fría de Wilde. El final gris verdoso se encuentra en la Colección McClain del Museo Chazen en el campus de la UW, obsequio de Bill McClain.
Un ejemplo anterior de Wilde poniéndose a sí mismo en su pintura es “Wisconsin Wildeworld”, subtitulado “ Provincia, Naturlica and Classicum ” en la colección del Museo de Arte de Milwaukee (MAM). [14] La pintura de 52 pulgadas de ancho (1.300 mm) muestra al artista, de espaldas al espectador, mirando a lo lejos a su derecha un paisaje fantástico de inspiración renacentista. El brazo derecho del artista está extendido para medir las montañas de cimas puntiagudas que tiene frente a él; en su brazo izquierdo sostiene una mesa de dibujo. Las ruinas clásicas sobresalen de la escena desde el borde derecho del cuadro. Parece perfectamente normal ver las pequeñas figuras de mujeres desnudas retozando entre ellas. La figura del artista forma una especie de frontera mágica entre este mundo y una realidad más mundana. A la izquierda de su representante, Wilde trazó las líneas sobrias de una avenida residencial de una pequeña ciudad, completa con antiguas casas de madera y un paseo bordeado de árboles por el que pasean habitantes del Medio Oeste completamente vestidos.
De hecho, su "Wildeworld Revisited" de 1995, otro de los ejemplos más importantes de autoinclusión, es una pieza de comparación con la "Wisconsin Wildeworld" del MAM descrita anteriormente. Manteniendo las mismas dimensiones, el escenario es incluso más avanzado en su estado de destrucción, con colores más cálidos en una escena más estéril, un Wilde de tonos más fríos, grisáceo, semidesnudo, envejecido, que no mide el escenario del mundo con confianza como antes, sino que señala tentativamente un vórtice marrón anaranjado, oscuro, nublado y asfixiante en el cielo. Ahora no tiene mesa de dibujo ni herramienta de observación, sino que simplemente mira y señala con la espalda vuelta hacia nosotros. Por pura casualidad, esta obra también ha sido adquirida recientemente por el MAM, para unirse a su precursora.
Este tipo de representaciones de "mundo salvaje" o "vista salvaje" se repiten con frecuencia en su obra. Otros temas recurrentes incluyen festividades nocturnas complejas pobladas de mujeres (véase el análisis de Sanseverini más abajo), naturalezas muertas estacionales, "mariquitas" polimorfas y curiosos enredos de formas botánicas naturales con desnudos femeninos, como el que Gold ejemplifica arriba. Su interés por la muerte y la decadencia continuó a mediados de los años ochenta con una serie de animales muertos dibujados de manera delicada y naturalista que encontró en su retiro rural, titulada "ROAED" (Restos de una muerte temprana).
Más recientemente, principalmente de los años ochenta y noventa, sus ocasionales "Reconsidereds" y composiciones retrospectivas relacionadas son pinturas que revisan obras específicas de sus décadas anteriores, especialmente cuadernos de bocetos y dibujos de los años cuarenta. Y hay muchos ejemplos tomados de originales de sus cuadernos de bocetos de los años cuarenta, muchos de los cuales se reproducen en la publicación de Hamady de 1984 que se menciona a continuación ("44 Wilde 1944"). Varias grandes puntas de plata que reúnen múltiples cabezas de los cuadernos de bocetos de la época de la guerra y múltiples desnudos de toda su carrera también fueron ejecutadas alrededor del cambio de siglo. Y su gran pintura de 2004 (60 pulgadas de ancho), "Myself in 1944 contemplating the Following 60 Years", reúne muchas de estas imágenes de la época de la guerra sobre una mesa bajo la mirada de un Wilde de cabeza grande apoyado en el borde de la mesa, bajo un cielo azul brillante y cubierto de cirros. Otro ejemplo retrospectivo es el óleo de 1999 "Sugerencias para entretenimiento en climas cálidos III", una nueva versión del dibujo con acuarela de 1947 "Más sugerencias para entretenimiento en climas cálidos: o el alivio del aburrimiento nacional o un argumento concluyente contra el cabello largo".
Uno de los temas más impactantes que Wilde revisó se relaciona vagamente con Gina, duquesa de Sanseverina, en la Cartuja de Parma de Stendhal. Sus Sanseverinis (sic) comenzaron con obras maestras tempranas como Más festividades en casa de la condesa Sanseverini (1950-51) y Más festividades en el Palazzo Sanaeverini (1951-52). Ubicadas en escenarios clásicos y renacentistas, estas celebraciones de mujeres juguetonas están meticulosamente representadas, son brillantes, sensuales y surrealistamente optimistas. Pero la revisión de 1966, Festividades nocturnas en casa de la condesa Sanseverini, no solo incluye desnudos femeninos más densos, de tonos cenicientos y menos móviles, sino también perros depredadores entre ellos y cadáveres eviscerados de víctimas, todo ante un entorno inquietantemente nocturno y selvático. En los años noventa, vuelve a visitar a Sanseverini. "Still Further Festivities at the Contessa Sanseverini's" (1991) es ahora más etéreo, con aún más figuras que ahora están atmosféricamente iluminadas desde atrás, girando suavemente o bailando, en una llanura llena de pelotas de playa en lugar de perros feroces, todo mientras ocho elegantes damas retozan o flotan en el cielo del amanecer. Finalmente, "A Grand Finale at the Contessa Severini's" (1996-97) presenta una vista aérea universal de aún más figuras y animales, en su mayoría femeninas, en un extenso paisaje de llanura, mar y montañas, que se extiende desde la cálida y soleada izquierda hasta la fresca y iluminada por la luna derecha, en un lienzo de ocho pies de ancho. En la parte inferior derecha, iluminada por la noche, dos figuras violáceas de Wilde con revólveres, relacionadas con obras de los años cuarenta, deliberan entre la confusión y el suicidio. Miríadas de animales, figuras bimorfas, juguetes y muebles, muchos de ellos también reminiscentes de creaciones anteriores de Wilde, se entremezclan entre los desnudos femeninos. De esta revisión de finales de su carrera proceden una gran cantidad de bocetos y dibujos sobre papel carboncillo relacionados con las pinturas de Sansavorini de los años noventa, algunos de los cuales aparecen de vez en cuando en el mercado.
En consonancia con su orientación histórica en la enseñanza (véase más abajo), Wilde también pintó homenajes a artistas favoritos del pasado en sus últimas dos décadas, especialmente a mediados de los ochenta; artistas como Piero di Cosimo, en particular su "Perseo rescatando a Andrómeda", y obras del inglés Richard Dadd, Alfred Rethal, nacido en Aquisgrán, y otros alemanes como Otto Runge, Otto Dix y Max Ernst , el suizo Arnold Böcklin y sus amigos Julia Thecla y Gertrude Abercrombie (1985-87). Su obra de cuatro piezas "Un homenaje a Lorenzo Lotto" (I-IV), 1985, se basa en la inescrutable "Alegoría de la virtud y el vicio" (1505) de Lotto en la Colección Kress de la National Gallery de Washington DC. Otro grupo de admiradores fueron los Hermanos Prerrafaelitas, a los que Wilde hace referencia por su nombre ("PRB") en dibujos de mitad de carrera. En un homenaje aún más específico, su pintura de 1998 "Mis objetivos artísticos" presenta firmas facsímiles de 38 artistas favoritos sobre un fondo verde claro, todas alrededor de un pequeño y tembloroso corazón rojo, blanco y azul. Las citas incluyen a Durero, Uccello, Urs Graf, Baldung Gruen, Altdorfer, Brueghel, Watteau, Ingres, Messonnier (sic), Eakins, Homero, Cézanne, Puvis, Dix, Di Chirico y Ernst, entre otros 22. Aunque el conjunto puede marcar la expresión de respeto tanto como el reconocimiento de la influencia, muchos de los referentes obviamente tienen un efecto doble.
Wilde enseñó dibujo en la Universidad de Wisconsin-Madison desde 1948 hasta su jubilación en 1982 como Profesor Distinguido de Arte Alfred Sessler. [15] Fue uno de los numerosos artistas influyentes que comenzaron a enseñar en la Universidad después de la guerra, incluidos los grabadores Alfred Sessler (1909-1963) y Warrington Colescott (nacido en 1921), el pintor Gibson Byrd (1923-2002) y el artista del vidrio Harvey Littleton (nacido en 1922). [16] Aaron Bohrod (1907-1992) asumió el puesto de John Steuart Curry (1897-1946) como artista residente en la universidad en 1948, cargo que ocupó hasta 1978. Aunque comenzó su carrera como regionalista urbano , en 1954 Bohrod ya estaba firmemente asociado con el realismo mágico por sus naturalezas muertas en trampantojo . [17] Sin embargo, no impartió docencia, salvo algunas visitas de clase a su estudio, y Wilde sentía un silencioso desdén tanto por Bohrod como por Curry, pues creía que la intensidad de su mundo surrealista era más vital (y arriesgada) que su simplicidad más directa, y que el oficio de su disciplina de dibujo era más exigente que el de ellos. (Por supuesto, ambos vendieron más que él y le superaron en atención popular durante la mayor parte de mediados de siglo).
De hecho, a pesar de sus temas atrevidos, Wilde, como profesor de dibujo del natural, impartía sus clases de forma muy tradicional, utilizando el modelo principalmente para poses largas y esperando que los alumnos lo observasen de cerca y tuviesen una gran disciplina. Con una actitud de tranquila dignidad y un respeto por la historia del arte que no siempre fue popular en el departamento a partir de los años sesenta, incorporó componentes intelectuales a sus clases de dibujo del natural al exigir a los alumnos críticas rigurosas de los dibujos clásicos. Una de las tareas que se le encomendó fue visitar el Departamento de Gráfica del Instituto de Arte de Chicago para examinar de primera mano un dibujo seleccionado de su inventario.
Y, sin embargo, a pesar de ir contra la corriente contemporánea (sabía que era una anomalía entre las tendencias modernas y posmodernas), Wilde influyó en muchos estudiantes durante sus 35 años de enseñanza; por ejemplo, tres de sus más notables son la ilustradora de libros Nancy Ekholm Burkert (n. 1933); el artista contemporáneo Bruce Nauman (n. 1941) [9] y Wynn Chamberlain (n. 1929), [9] un pintor realista mágico y productor y director de películas eróticas. [18]
En octubre-noviembre de 1989, en un espíritu de estudio retrospectivo, dirigió una exposición colectiva en la galería Fanny Garver de Madison con 17 de sus antiguos alumnos. También diseñó el cartel de la exposición basándose en una punta de plata (colección privada) en la que retrató a cada participante como una cabeza de manzana que emergía como un rebaño desde el horizonte con él mismo al fondo; las manzanas eran apropiadas, ya que las manzanas recurren constantemente como reafirmantes de la vida en la obra de Wilde a lo largo de los años. Al retratar a los muchos y valiosos antiguos alumnos ("todas buenas manzanas"), tanto el cartel como la exposición proporcionaron una prueba más de la extensión y la calidad del legado educativo de Wilde.
Aunque no le gustaba el grabado, pues sentía que le faltaba la sutileza íntima del dibujo, Wilde fue contratado por varios colegas para aventurarse en ese campo durante el último tercio de su carrera. Sus primeros grabados fueron aguafuertes y litografías creadas en colaboración con Stephen Weitz, un estudiante de posgrado de MFA en ese momento (1974-1977). Consiguió un importante colaborador artístico en 1966 cuando el artista de libros Walter Hamady se unió a la facultad del departamento de arte de la Universidad de Wisconsin-Madison. Bajo el sello de su propia Perishable Press (fundada en 1964), Hamady trabajó con varios escritores y artistas contemporáneos para crear ediciones que son "exploraciones literarias, visuales, tipográficas y estéticas del potencial del libro". [19] Entre los libros en los que Wilde trabajó con Hamady se incluyen "John's Apples" (1995, con poemas de Reeve Lindberg, edición de 125); "Mil novecientos ochenta y cinco: Los doce meses" (1992, edición de 130); "Lo que el hijo de su madre ha forjado: veinticuatro pinturas representativas con extractos de cuadernos llevados de vez en cuando entre los años 1940-1988" (1988, edición de 1.000); "44 Wilde 1944: Ser una selección de 44 imágenes de un cuaderno de bocetos llevado por John Wilde principalmente en 1944" (1984) y "La historia de Jane y Joan" con letras de Hamady y 12 aguafuertes impresos a mano por Stephen J. Weitz </ref> Stephen Weitz, coloreado a mano por Wilde (1977, edición de 25 encuadernados, cuatro sin encuadernar). Wilde también produjo alrededor de 20 óleos basados en los diarios personales de Hamady de mediados de los años ochenta, 12 de los cuales se reproducen en la publicación de 1992 "Mil novecientos ochenta y cinco: Los doce meses", mencionada anteriormente.
Warrington Colescott colaboró con Wilde en varias ocasiones. En 1985, Colescott imprimió dos grandes grabados en color de Wilde en la Mantegna Press de Colescott en Hollandale, Wisconsin, titulados "7 Kiefers" y "8 Russets" (ambas ediciones de 100). Los grabados representan grupos de peras regordetas y manzanas verdes. [20]
Wilde también colaboró con Harvey Littleton y Littleton Studios [21] para crear tres vitreografías . Las vitreografías de Wilde "El beso" (edición de 20) y "Retrato de Juana" (edición de 15) se crearon en 1996; su "Tres árboles" (edición de 16) se creó en 1998. [22]
La editorial Tandem Press de la Universidad de Wisconsin-Madison fue otro espacio de colaboración para Wilde. En 1985 aprovechó la oportunidad para producir allí una litografía en tinta negra sobre papel blanco. "Wildeview II" mide 23½ × 36 pulgadas y se publicó en una edición de 90 ejemplares. [23]
Wilde trabajó con Andrew Balkin Editions de Madison, Wisconsin, para producir "J. & J. Enter the Kingdom of Heaven", un grabado en color y aguatinta que formó parte de la carpeta de once artistas "AGB Encore". Más tarde colaboró con el taller en una impresión en aguatinta y punta seca con coloración selectiva a mano para la "Carpeta del Sesquicentenario de Wisconsin". [24]
También colaboró con Colescott en el diseño del cartel estatal para el Sesquicentenario de Wisconsin en 1998.
Wilde fue elegido miembro de la Academia de Ciencias y Letras de Wisconsin en 1982 y de la Academia Nacional de Diseño de la ciudad de Nueva York en 1993. [25] También fue honrado como Profesor Distinguido de Arte Alfred Sessler del Departamento de Arte de la Universidad de Wisconsin.
Las obras de arte de Wilde se encuentran en colecciones de museos de todo Estados Unidos, incluido el Instituto de Arte de Chicago , el Museo de Arte Carnegie en Pittsburgh, Pensilvania, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Filadelfia, el Museo de Arte de Santa Bárbara , el Museo Smithsonian de Arte Americano , el Walker Art Center en Minneapolis y el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York. [26] En su estado natal de Wisconsin, Wilde está representado por obras en muchas colecciones, incluido el Museo de Arte Contemporáneo de Madison , el Museo de Arte Chazen en la Universidad de Wisconsin-Madison, el Museo de Arte de Milwaukee , el Museo de Arte Racine y el Museo de Arte Leigh Yawkey Woodson en Wausau, Wisconsin.
John Wilde y su esposa Helen tuvieron dos hijos, Jonathan y Phoebe Wilde. Después de la muerte de Helen en 1966, Wilde se casó con Shirley Grilley. Sus hijastros son Robert, Dorian y Rinalda Grilley. [25] Vivió en Evansville y Cooksville, en el condado de Rock, Wisconsin, o cerca de allí, durante la mayor parte de su vida adulta. La Tory Folliard Gallery de Milwaukee representa a John Wilde desde 1993. Desde 2015, la Tory Folliard Gallery es la representante exclusiva de las obras de John Wilde del patrimonio de John y Shirley Wilde. [27]