Jean Siméon Chardin ( en francés: [ʒɑ̃ simeɔ̃ ʃaʁdɛ̃] ; 2 de noviembre de 1699 - 6 de diciembre de 1779 [1] ) fue un pintor francés del siglo XVIII . [2] Se le considera un maestro de la naturaleza muerta , [3] y también es conocido por sus pinturas de género que representan a criadas de cocina, niños y actividades domésticas. Una composición cuidadosamente equilibrada, una suave difusión de la luz y un empaste granulado caracterizan su obra.
Chardin nació en París , hijo de un ebanista, y rara vez salía de la ciudad. Vivió en la orilla izquierda, cerca de Saint-Sulpice, hasta 1757, cuando Luis XV le concedió un estudio y una vivienda en el Louvre . [4]
Chardin firmó un contrato de matrimonio con Marguerite Saintard en 1723, con quien no se casó hasta 1731. [5] Realizó aprendizajes con los pintores históricos Pierre-Jacques Cazes y Noël-Nicolas Coypel , y en 1724 se convirtió en maestro en la Académie de Saint-Luc .
Según un escritor del siglo XIX, en una época en la que era difícil que los pintores desconocidos llamaran la atención de la Royal Academy, Van Loo se hizo conocido por primera vez al exponer un cuadro en el «pequeño Corpus Christi» (que se celebraba ocho días después del habitual) en la Place Dauphine (junto al Pont Neuf ). Van Loo , que pasaba por allí en 1720, lo compró y más tarde ayudó al joven pintor. [6]
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Tras la presentación de El rayo y El bufé en 1728, fue admitido en la Académie Royale de Peinture et de Sculpture. [7] Al año siguiente cedió su puesto en la Académie de Saint-Luc. Se ganaba la vida modestamente «produciendo pinturas de los diversos géneros al precio que sus clientes decidieran pagarle», [8] y con trabajos como la restauración de los frescos de la Galerie François I en Fontainebleau en 1731. [9]
En noviembre de 1731 fue bautizado su hijo Jean-Pierre, y una hija, Marguerite-Agnès, fue bautizada en 1733. En 1735 murió su esposa Marguerite, y dos años después Marguerite-Agnès también había muerto. [5]
A partir de 1737, Chardin expuso regularmente en el Salón . Demostraría ser un "académico dedicado", [4] asistiendo regularmente a las reuniones durante cincuenta años y ejerciendo sucesivamente los cargos de consejero, tesorero y secretario, supervisando en 1761 la instalación de las exposiciones del Salón. [10]
La obra de Chardin ganó popularidad gracias a los grabados que reproducían sus pinturas de género (realizados por artistas como François-Bernard Lépicié y P.-L. Sugurue), que le reportaron ingresos en forma de "lo que ahora se llamaría regalías". [11] En 1744 se casó por segunda vez, esta vez con Françoise-Marguerite Pouget. La unión supuso una mejora sustancial en la situación financiera de Chardin. En 1745 nació una hija, Angélique-Françoise, que murió en 1746.
En 1752, Luis XV le concedió a Chardin una pensión de 500 libras . En 1756, Chardin volvió al tema de la naturaleza muerta. En el Salón de 1759 expuso nueve cuadros; fue el primer Salón que fue comentado por Denis Diderot , quien demostraría ser un gran admirador y defensor público de la obra de Chardin. [12] A partir de 1761, sus responsabilidades en nombre del Salón, organizando simultáneamente las exposiciones y actuando como tesorero, dieron como resultado una disminución de la productividad en la pintura y la exhibición de "réplicas" de obras anteriores. [13] En 1763, sus servicios a la Academia fueron reconocidos con una pensión extra de 200 libras. En 1765 fue elegido por unanimidad miembro asociado de la Academia de Ciencias, Bellas Letras y Artes de Ruán, pero no hay evidencia de que abandonara París para aceptar el honor. [13] En 1770 Chardin era el «Premier peintre du roi» y su pensión de 1.400 libras era la más alta de la academia. [14] En la década de 1770 su vista se debilitó y se dedicó a pintar al pastel , un medio en el que realizó retratos de su esposa y de él mismo (véase Autorretrato en la parte superior derecha). Sus obras al pastel son ahora muy valoradas. [15]
En 1772, el hijo de Chardin, también pintor, se ahogó en Venecia , un probable suicidio. [14] La última pintura al óleo conocida del artista data de 1776; su última participación en el Salón fue en 1779, e incluyó varios estudios al pastel. Gravemente enfermo en noviembre de ese año, murió en París el 6 de diciembre, a la edad de 80 años.
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Chardin trabajó muy lentamente y pintó sólo un poco más de 200 cuadros (unos cuatro al año) en total. [16]
La obra de Chardin tenía poco en común con la pintura rococó que dominó el arte francés en el siglo XVIII. En una época en la que la pintura histórica se consideraba la clasificación suprema del arte público, los temas de elección de Chardin se consideraban categorías menores. [4] Favorecía las naturalezas muertas simples pero de hermosa textura, y manejaba con sensibilidad los interiores domésticos y las pinturas de género . Sin embargo, las pinturas simples, incluso austeras, de elementos domésticos comunes ( Naturaleza muerta con caja de fumador ) y una extraña habilidad para retratar la inocencia de los niños de una manera nada sentimental ( Niño con peonza [derecha]) encontraron un público agradecido en su época y explican su atractivo atemporal.
Chardin, que en gran medida fue autodidacta, estuvo muy influenciado por el realismo y la temática de los maestros de los Países Bajos del siglo XVII. A pesar de su representación poco convencional de la burguesía ascendente , recibió el apoyo temprano de los mecenas de la aristocracia francesa , incluido Luis XV. Aunque su popularidad se basó inicialmente en pinturas de animales y frutas, en la década de 1730 introdujo utensilios de cocina en su obra ( La cisterna de cobre , c. 1735 , Louvre). Pronto las figuras también poblaron sus escenas, supuestamente en respuesta a un retratista que lo desafió a adoptar el género. [17] Mujer sellando una carta (ca. 1733), que puede haber sido su primer intento, [18] fue seguida por composiciones de medio cuerpo de niños diciendo las gracias, como en Le Bénédicité , y criadas de cocina en momentos de reflexión. Estas humildes escenas tratan de actividades sencillas y cotidianas, pero también han funcionado como fuente de información documental sobre un nivel de la sociedad francesa que hasta entonces no se consideraba un tema digno de ser pintado. [19] Los cuadros son notables por su estructura formal y su armonía pictórica. [4] Chardin dijo sobre la pintura: "¿Quién dijo que uno pinta con colores? Uno emplea colores, pero pinta con sentimiento ". [20]
Un niño jugando era uno de los temas favoritos de Chardin. Retrató a un adolescente construyendo un castillo de naipes en al menos cuatro ocasiones. La versión de Waddesdon Manor es la más elaborada. Escenas como estas derivaban de obras de vanitas neerlandesas del siglo XVII, que transmitían mensajes sobre la naturaleza transitoria de la vida humana y la inutilidad de las ambiciones materiales, pero Chardin también muestra un deleite en las fases efímeras de la infancia por sí mismas. [21]
Chardin pintó frecuentemente réplicas de sus composiciones, especialmente sus pinturas de género, casi todas las cuales existen en múltiples versiones que en muchos casos son virtualmente indistinguibles. [22] Comenzando con La institutriz (1739, en la Galería Nacional de Canadá , Ottawa ), Chardin cambió su atención de los temas de la clase trabajadora a escenas ligeramente más espaciosas de la vida burguesa. [23] Las pinturas existentes de Chardin, que suman alrededor de 200, [8] se encuentran en muchos museos importantes, incluido el Louvre .
La influencia de Chardin en el arte de la era moderna fue muy amplia y ha sido bien documentada. [24] El Niño haciendo pompas de jabón de Édouard Manet y las naturalezas muertas de Paul Cézanne están igualmente en deuda con su predecesor. [25] Fue uno de los pintores más admirados de Henri Matisse ; cuando era estudiante de arte, Matisse hizo copias de cuatro pinturas de Chardin en el Louvre . [26] Las naturalezas muertas de Chaïm Soutine buscaron inspiración en Chardin, al igual que las pinturas de Georges Braque y, más tarde, de Giorgio Morandi . [25] En 1999, Lucian Freud pintó y grabó varias copias de La joven maestra ( Galería Nacional, Londres ). [27]
Marcel Proust , en el capítulo "¿Cómo abrir los ojos?" de En busca del tiempo perdido ( À la recherche du temps perdu ), describe a un joven melancólico sentado a su sencilla mesa de desayuno. El único consuelo que encuentra está en las ideas imaginarias de belleza representadas en las grandes obras maestras del Louvre, materializadas en palacios de lujo, príncipes ricos y cosas por el estilo. El autor le dice al joven que lo siga a otra sección del Louvre donde están los cuadros de Chardin. Allí verá la belleza en las naturalezas muertas de su casa y en actividades cotidianas como pelar nabos.
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