El grabado en abanico con dos bailarinas bugaku es un grabado en madera ukiyo-e que data de algún momento entre mediados de la década de 1820 y 1844 realizado por el célebreartista del período Edo Utagawa Kunisada , también conocido como Toyokuni III . Este grabado es simultáneamente un ejemplo de los géneros uchiwa-e (grabado en abanico) y aizuri-e (grabado azul monocromático). Forma parte de la colección permanente del Museo Real de Ontario , Toronto, Canadá.
Los uchiwa (団扇) son abanicos ovalados, planos y que no se pliegan. Todavía se utilizan hoy en día para enfriar el arroz en la preparación de sushi , en espectáculos de danza y como herramienta para refrescarse. Históricamente, los uchiwa eran un accesorio predominantemente femenino; los hombres solían llevar abanicos plegables conocidos como ōgi (扇), suehiro (末広) o sensu (扇子). [1] [2] Se asocian con el verano, tradicionalmente se vendían solo durante los meses de verano y estaban decorados con imágenes de verano. [1] Al menos un crítico moderno sostiene que, debido a su uso por parte de las mujeres durante los períodos de calor, los uchiwa "pueden tener connotaciones sugerentes". [3]
Al igual que las impresiones en abanico plegable ōgi-e (扇絵), los uchiwa-e se hacían tradicionalmente con papel de arroz washi montado sobre un marco de madera. Las imágenes se imprimían en papel, luego se cortaban por los márgenes y se pegaban sobre un marco de bambú. [4] [5] Como resultado de su frecuente manipulación, quedan pocos ejemplos montados en perfecto estado. [6]
También conocido como aizome-e (藍染絵) y ai-e (藍絵), aizuri-e (藍摺絵) se traduce literalmente como "imagen impresa en azul" y describe impresiones que se producen total o predominantemente en tonos de azul. [4] [7] Un equivalente al benizuri-e (紅摺絵) aparentemente rojo y rosa, [4] los aizuri-e fueron un desarrollo de finales del período Edo. Quizás debido al hecho de que las impresiones de un solo color eran más baratas de producir, [8] la técnica aizuri fue particularmente popular para uchiwa-e . [6]
En el pasado, algunos historiadores del arte teorizaron que el aizuri-e surgió como resultado de una prohibición gubernamental de 1841 sobre el uso de colores suntuosos en los entonces dominantes nishiki-e (錦絵), grabados en madera multicolor. Sin embargo, la existencia de una serie de ejemplos destacados anteriores a la prohibición sugiere que el aizuri-e no surgió simplemente como una alternativa a las imágenes policromáticas. [8] Si bien el uso registrado más antiguo se encuentra en un grabado de 1829 de Eisen , [6] Utagawa Sadahide, Hokusai , [9] Hiroshige , [10] Toyokuni II [11] y Kunisada produjeron ejemplos notables.
La creciente popularidad del aizuri-e está directamente relacionada con la importación en 1829 del primer colorante sintético a Japón. [6] Conocido en Occidente como azul de Prusia , azul de Berlín o bero (ベロ), como llegó a conocerse, desafía al índigo natural como pilar del ukiyo-e debido a su menor precio y menor susceptibilidad a la decoloración por exposición a la luz. [6] Un crítico ha dicho que el aizuri ha "revolucionado los grabados de paisajes". [6]
Dada la falta de contraste de color en el aizuri-e monocromático , los artistas de finales del Edo comenzaron a experimentar con técnicas para aumentar la complejidad de la imagen. [5] Esto condujo al desarrollo del bokashi , una técnica de impresión que permitía la reproducción y mezcla de diferentes tonos de color dentro de una sola imagen. [6] Esto se logra mediante aplicaciones cuidadosamente graduadas de mezclas de agua y pigmentos al bloque de madera con un pincel de merluza . [12] El resultado es una impresión de un solo color caracterizada por el sombreado y la tonalidad. Se practicó con mayor eficacia en la representación de cielos y agua. [13] Si bien los aizuri-e en sí mismos eran económicos de imprimir, el bokashi era costoso. Por lo tanto, generalmente se ve en impresiones formales y no se ve regularmente en medios más baratos como el uchiwa-e . [14] Sin embargo, Kunisada ha utilizado la técnica en esta impresión en abanico, más notablemente en las regiones de nubes y suelo, donde el valor del pigmento azul se profundiza desde un azul muy pálido hasta una opacidad casi negra.
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Utagawa Kunisada (歌川国貞) nació en 1786 en el distrito Honjō de Edo (actual Tokio ) en el seno de una familia adinerada de propietarios de servicios de ferry. [15] Comenzó un aprendizaje con el director de la prestigiosa escuela de artistas de Utagawa, Toyokuni I , en 1807, y tomó el nombre de artista Kunisada para incluir el segundo carácter (国 – kuni) del nombre de su mentor. [16] En 1844, Kunisada sucedió a su maestro como Toyokuni III (三代歌川豊国). [17] [18]
Kunisada surgió como ilustrador de libros en 1807 con la serie "Las doce horas de las cortesanas" ( Keisei jūnitoki ). [15] Las ilustraciones de libros kuchi-e fueron esenciales para el éxito de los entonces populares libros sharebon y kibyōshi , y esto pronto se convirtió en un mercado lucrativo para Kunisada debido a su talento y ambición. [16] Su posición dentro del estudio Utagawa le brindó acceso a la formación de los mejores maestros y conexiones con editores, actores, teatros y asociaciones de poetas. Esto, a su vez, lo llevó a recibir muchos encargos. [16] A principios de la década de 1810, había abierto su propio estudio y la demanda de sus ilustraciones había superado a la de su maestro. [15] Su gran éxito también se relacionó supuestamente con su "comportamiento cordial y equilibrado, y [al hecho de que] entregaba sus encargos a tiempo". [16]
Kunisada fue "sin duda... el artista de grabados más prolífico y exitoso de todos los tiempos". [15] Fue increíblemente prodigioso, creando entre 35 y 40 mil diseños para grabados ukiyo-e individuales durante su vida. [17] Su estudio era más grande que el de cualquier otro artista de grabados, y tenía un gran grupo de varias docenas de estudiantes. [15] [19] Como otra indicación de su éxito sin precedentes, cuando murió en 1865 después de haber dirigido la escuela Utagawa durante unos 40 años, fue el tema de cuatro retratos conmemorativos shini-e separados . Está enterrado en los terrenos del Templo Banshōin Kōunji en el actual barrio de Nakano, Tokio, junto a Toyokuni I (1769-1825) y Kunisada II (1823-1880). [15]
Al igual que muchos artistas del período Edo, Kunisada estuvo asociado con varios nombres a lo largo de su vida. [15] [20]
Aunque Kunisada diseñó muchos cuadros en abanico y surimono , la mayoría de sus obras están en formato ōban . [22] También produjo más de sesenta pinturas. [15]
Dada su increíble producción, no es sorprendente que Kunisada fuera activo en varios géneros, incluyendo kabuki-e y yakusha-e ( películas de actores de kabuki ), bijin-ga (películas de bellezas), yūrei-zu (películas de fantasmas), sumō-e ( películas de luchadores de sumo ), shunga (erótica), musha-e (grabados de guerreros) y uchiwa-e . También se le atribuye la popularización de Genji-e , un género de grabado relacionado con la novela del siglo XI La historia de Genji , a través de su serie de libros de 1829-1842, Nise Murasaki inaka Genji ( Un Genji rural por un falso Murasaki ). [23] En 1808, comenzó a crear yakusha-e , y estos se convertirían en el pilar de su producción, representando entre el 60 y el 70% de sus obras totales. [15] Fue tan prolífico que llegó a ser conocido como "Kunisada, el retratista de actores ( yakusha-e no Kunisada )". [16]
Dos géneros populares que están poco representados en la obra de Kunisada son las imágenes de la naturaleza ( kachō-e / 花鳥絵) y los paisajes ( fūkei-e / 風景絵). Rara vez diseñó paisajes puros, pero comenzó en la década de 1820 o 1830 a incorporar elementos de paisajes en grabados que presentaban mujeres hermosas y actores. [24] "Impresión de abanico con dos bailarines bugaku", con su paisaje de fondo sobrio, es un ejemplo de este tipo de pieza.
A pesar de su éxito durante su propio período, Kunisada no fue muy apreciado en Occidente hasta hace muy poco. [25] Los críticos actuales consideran que Kunisada fue "un creador de tendencias... en sintonía con los gustos de la sociedad urbana", [17] y le atribuyen un estilo "más humanizado" que sus contemporáneos, [26] y el haber aportado un sentido de realismo al ukiyo-e , particularmente en su representación de la forma femenina. [27] Sin embargo, muchos argumentan que la calidad de las obras posteriores de Kunisada se degradó a un uso "llamativo y ostentoso" del color, [28] y "perdió... elegancia en la figura humana". [29] El especialista en ukiyo-e Rupert Faulkner es particularmente mordaz, afirmando que la obra de Kunisada "se volvió notablemente más burda y algo torpe, revelando una caricatura barata y llamativa de expresiones faciales grotescas y poses exageradas". [30] Se ha sugerido que su producción en general se vio afectada "debido a la sobreproducción y la reducción de los estándares artísticos", [31] así como a posibles problemas de salud mental o física, que llevaron a Kunisada a convertirse en un casi recluso en 1847. [29] Como señala el historiador de arte J. Hillier, "la carrera de Kunisada cuenta la tragedia de la caída del ukiyo-e. Con un talento evidente y un tremendo brío, sus primeros grabados tienen cualidades que lo vinculan con los grandes días de la escuela, pero la gran mayoría de sus grabados están diseñados apresuradamente, sobrecoloreados y mal impresos". [32]
La escena representada en el abanico es la de dos bailarines bugaku masculinos con traje ceremonial completo, que parecen estar realizando una danza al unísono sin audiencia a la vista. Bugaku , compuesto por los caracteres para 'danza' (舞-bu) y 'música' o 'entretenimiento' (楽-gaku), se unió a la cultura japonesa desde China, Corea, India y el sudeste asiático a fines del siglo VIII, como una forma de danza realizada en la corte imperial, así como en templos y santuarios. [33] Los bailarines asumen poses estilizadas de manos, brazos y pies acompañados de tambores y la música orquestal más antigua que se conserva en el mundo, gagaku . [34] El bugaku a menudo es interpretado por bailarines que usan máscaras para representar personajes ficticios, aunque no en el grabado de Kunisada. Hay cuatro géneros de bugaku : danza civil, guerrera, infantil y de carrera. [33] Las figuras aquí parecen estar realizando esta última.
A finales de la década de 1820, Kunisada comenzó a estudiar pintura con Hanabusa Ikkei (英一珪), maestro de la escuela Itchō. [23] El nombre artístico que aparece en esta estampa, "Kōchōrō" (香蝶楼), toma prestados caracteres del seudónimo de su maestro (Shinkō) y del nombre del fundador de la escuela, Hanabusa Itchō (英一蝶). [35] Ambos artistas pintaron escenas de bugaku antes de "Estampa de abanico con dos bailarines de bugaku", que son muy diferentes en estilo de la imagen de Kunisada. [36]
La estampa está firmada cerca del borde derecho del abanico. Se lee verticalmente de derecha a izquierda y de arriba a abajo de la siguiente manera:
La marca de doble círculo debajo de la firma de Kunisada es un toshidama-in , el sello distintivo utilizado por todas las generaciones de la escuela Utagawa después de que Toyokuni I lo adoptara por primera vez, por razones desconocidas, en 1808 o 1809. [38] Es un símbolo de la suerte, que hace referencia a los regalos de monedas que se les dan a los niños en Año Nuevo. [38] Kunisada le dio a la marca su propio toque único, alargándola y convirtiéndola en un marco amarillo con relleno rojo que contiene su firma. A partir de 1850, utilizó este estilo de cartucho casi exclusivamente. [38]
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El ROM fecha la estampa en algún momento entre mediados de la década de 1820 y 1844; sin embargo, hay indicios de que la fecha puede acotarse a entre 1830 y 1843. El pigmento azul sintético no se introdujo en Japón hasta 1829, y es poco probable que se utilizara índigo natural caro en un medio tan barato como el uchiwa-e . La firma de Kunisada está flanqueada por dos sellos toshidama-in circulares en lugar de aparecer dentro de un cartucho toshidama estilizado y oblongo . Esto sugiere que la estampa pertenece a su carrera temprana.
La estampa fue donada al ROM por Sir Edmund Walker (1848-1924), quien fue presidente durante mucho tiempo del Banco Canadiense de Comercio y se desempeñó como el primer presidente del consejo de administración del ROM. [39] Walker comenzó a coleccionar arte japonés en la década de 1870, lo que lo convirtió en uno de los primeros coleccionistas de América del Norte. Compró muchas de sus piezas en Nueva York entre 1873 y 1875 y 1881-1886, y durante un viaje a Londres en 1909. [40] En 1919, después de viajar a Japón, China y Corea, fue nombrado Cónsul General Honorario de Japón en Toronto. [41]