Helen O'Leary (nacida en 1961) es una artista nacida en Irlanda afincada en Estados Unidos e Irlanda, conocida por sus construcciones que difuminan los límites entre pintura y escultura y objeto e imagen. [1] [2] Utiliza técnicas de bricolaje y artesanía para remodelar obras antiguas, desechos de estudio y materiales diversos en piezas abstractas que exploran los materiales, el lenguaje, los restos del pasado y las influencias visuales, culturales y emocionales del origen. [3] Ha expuesto a nivel internacional, incluidas muestras en el Museo Irlandés de Arte Moderno (IMMA), [4] el Centro de Artes Metropolitano (MAC) (Belfast), [3] la Academia Estadounidense de Artes y Letras , [5] el SFMOMA , [6] la Fundación Sanskriti (Nueva Delhi), el Victorian College of the Arts (Melbourne) y el Centro Cultural Irlandano (París). [7] [8] Su obra ha sido reconocida por la Academia Americana en Roma [9] y las fundaciones John S. Guggenheim , [8] Pollock-Krasner y Joan Mitchell , [10] numerosas residencias, [11] [7] y reseñas en The Times (Reino Unido), [12] The New York Times , [13] Chicago Tribune , [14] The Irish Times , [15] y Arts Magazine , [16] entre otros.
El crítico de arte del Irish Times, Aidan Dunne, escribe sobre sus construcciones: "O'Leary desmonta la pintura y luego la reconstruye desde cero [...] Las obras tienen una fragilidad, una delicadeza exploratoria, pero también parecen curiosamente duraderas y atemporales". [17] David Roth llama a su trabajo una forma de autoapropiación arraigada en el "ethos DIY" de sus antepasados, que demuestra "cómo las tradiciones culturales, eliminadas de sus contextos originales, pueden usarse como anclas emocionales en otros". [18] O'Leary vive y trabaja en Jersey City , Nueva Jersey y el condado de Leitrim , Irlanda, y es profesora en la Escuela de Artes Visuales de la Universidad Estatal de Pensilvania , donde ha enseñado desde 1991. [19] [20]
O'Leary nació en el condado de Wexford , en el sureste de Irlanda, en 1961. Creció con sus hermanas en una pequeña granja propiedad de sus padres, Richard y Kathleen, a la que ha llamado "premoderna". [7] [21] Un tornado, un rayo y la muerte temprana de su padre cuando O'Leary tenía once años dejaron a la familia en riesgo de perder la granja; la lucha subsiguiente, a la que su madre hizo frente alquilando habitaciones a turistas como B&B, marca la práctica de O'Leary y forma la base de su lenguaje feminista. [22] [19] [23] También cita la inventiva práctica de su padre, las exigencias de la vida en la granja y el hecho de recibir a visitantes lejanos en la casa de huéspedes como influencias clave. [21]
O'Leary se matriculó en el National College of Art and Design de Dublín en 1982 y recibió una beca para la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en los Estados Unidos, donde obtuvo una licenciatura en Bellas Artes (1987) y una maestría en Bellas Artes (1989). [21] [7] En 1989, ganó un premio Pollock-Krasner y expuso activamente en Chicago, incluidas muestras individuales en la galería Zolla/Lieberman (1991-3). [24] [16] [25] En 1991, aceptó un puesto de profesora en la Escuela de Artes Visuales de la Universidad Estatal de Pensilvania; fue nombrada profesora en 2006 y continúa enseñando allí. [26] [20]
A finales de la década de 1990, O'Leary expuso regularmente en Irlanda y en todo Estados Unidos, incluyendo exposiciones individuales en la Kerlin Gallery (Dublín) y la Michael Gold Gallery (Nueva York) y la exposición internacional EVA en Limerick; en la década de 2000, mostró en el Linnenhall Arts Centre (2002), Limerick City Gallery of Art (2003) y MAC (2016) en Irlanda, [27] [3] la Sanskriti Foundation (2004), el Victorian College of the Arts (2005) y el Centre Culturel Irlandais (2010). [8] [7] Ha expuesto con Lesley Heller Gallery y M. David & Co. en Nueva York y Patricia Sweetow Gallery en San Francisco en su última carrera. [28] [29] [30] En 2013, O'Leary colaboró con su hija, la fotógrafa Eva O'Leary, [31] y la poeta Vona Groarke para una exposición en el Irish Art Center de Nueva York. [32] [21] Desde 2021, ha estado involucrada con el programa Studio for Sustainability and Social Action (S3A) de la Escuela de Artes Visuales de Penn State, que reinventa la práctica de las artes visuales con la sostenibilidad y la acción social en su núcleo. [33] [34]
Escritores como Alison Pilkington y Robin Hill sugieren que el trabajo de O'Leary deconstruye la pintura, expandiendo sus posibilidades en el espacio mientras difumina los límites entre objeto e imagen con enfoques de bricolaje que rastrean a Kurt Schwitters y Dada , así como Arte Povera . [1] [2] La exploración de O'Leary se extiende a la historia de la pintura y sus materiales, así como a su historia personal y artística; transforma los restos y desechos del estudio en nuevas obras táctiles a través de un proceso intuitivo, en parte artesanal, en parte de invención a través de la necesidad, que evoca su infancia irlandesa, tejiendo recuerdos personales en narrativas universales. [26] [35] [22] O'Leary lo llama "tejer con madera", [15] y describe su estudio como "un sitio arqueológico, un diccionario de los salvajes de la época, un compendio de borraduras, renovaciones y restauraciones" [36] que ella considera como un todo completo, desde sus objetos y restos hasta marcas incidentales en los pisos y las mesas. [22] [37]
En sus primeros trabajos en Chicago, O'Leary creó pinturas a gran escala que se inspiraban en el trabajo "heroico" del expresionismo abstracto (por ejemplo, Sin título , 1989). [22] Colocó lienzos en el suelo, capturando goteos, errores y gestos exagerados que normalmente se destinan a las tablas del suelo; para ella, el proceso aludía a cuestiones de clase (por ejemplo, sirvientes lavando pisos) y subsistencia (sobrevivir a los restos de la mesa y los desechos). [24] [16] [22] El crítico del Chicago Tribune, Alan Artner, etiquetó su segunda exposición individual en Zolla/Lieberman (1991) como el cumplimiento de una promesa anterior, y destacó sus obras "dibujadas, goteadas y estarcidas" por una apariencia improvisada que "disfrazaba su rigor" y que recordaba las primeras abstracciones de Kandinsky . [24] Artner sugirió que en sus mejores obras, sus formas enrejadas "explotan la fragilidad al sugerir un discurso muy tenso que se ha descontrolado" con acumulaciones que sumergen, rodean y abruman las formas y los gestos más firmes. [24]
Después de comprar una casa en Drumshanbo , Irlanda, en 1994, O'Leary viajó más a menudo. Como resultado, buscó crear pinturas aún épicas que pudieran caber en maletas y volver a ensamblarse; esto extendió aún más su proceso de pintura fragmentada y la llevó a nuevos modos de crear, desarmar y exhibir el trabajo. [38] [19] Aidan Dunne describió una instalación de pintura en esta línea para EVA International en Limerick (1999) como una recreación "extensa pero elegantemente discreta" de las "paredes abarrotadas pero tranquilizadoras" de su estudio. [27] En la década de 2000, amplió estas exploraciones en instalaciones colaborativas con la artista Katie Holten como "Trama"; su experimentación finalmente evolucionó hacia sus "pinturas construidas" maduras. [39] [40]
En la década de 2000, O'Leary comenzó a crear pinturas construidas centradas en temas de vulnerabilidad, incertidumbre, ocultamiento y perseverancia con una inflexión feminista (por ejemplo, Delicate Negotiations , 2015). [35] [41] [22] Desmontó, reutilizó, pegó y parchó obras antiguas y desechos de estudio, remodelándolos en nuevas piezas que exploraban nociones de apoyo, estabilidad y los límites de la pintura. [35] [42] [1] Estas obras adoptaron una variedad de formas tenues y tridimensionales: pequeñas piezas montadas en la pared, similares a fachadas, que enmascaraban andamios precarios; construcciones independientes, expuestas, similares a cuadrículas que se leen como ausencias con espacios abiertos que reemplazan bloques de color (por ejemplo, Armour - Delicate Negotiations , 2014); e instalaciones que muestran un " potencial cinético, similar al de Tinguely ". [6] [15] [41] [35] O'Leary encontró inspiración en diversas fuentes, desde armaduras dobladas y perforadas hasta la concisión y complejidad combinadas de la canción sean-nós —una forma de lamento irlandés— y la literatura de Beckett y las poetas Louise Gluck y Vona Groarke. [43] [19] [44]
En las instalaciones The Shape of Disappointment (2007), Outawack (2009-12) y Shelf life of facts (2016), reconfiguró los marcos en soportes excesivos, similares a prótesis, que transmitían incertidumbre, perspectivas cambiantes y una sensación de violencia controlada en su creación. [45] [19] [46] La serie "Armour" (2013-4), montada en la pared, presentaba pequeñas fachadas de trozos de panel contiguos que oscurecen, pero también revelan (a través de fisuras similares a mirillas), vistas de armaduras adoquinadas, a veces frustradas. [35] [47] Los críticos las describieron como piezas delicadas y tentativas que reflejan misterio, ingenio seguro, meticulosidad y fuerza silenciosa, pintadas austeramente en témpera de huevo gris, marrón púrpura, oliva y blanco. [35] [47] [15] El Huffington Post calificó las obras más grandes y recargadas de su muestra "La geometría de la suciedad" (2014) como "angustiosamente emotivas" y "a la vez irregulares, sólidas y radiantes", sus procesos de destrucción y construcción sugiriendo la reconstrucción de un yo incompleto, con agujeros y perforaciones que se leen como heridas; la sensibilidad minimalista de la obra privilegiaba lo experiencial y lo terrenal por sobre las tendencias intelectuales, desmaterializadas y trascendentes de ese movimiento. [41]
Robin Hill describió las series "Safe House" (2014-2018) y "Home is a Foreign Country" (2018) de O'Leary como obras "formalmente rigurosas pero refrescantemente excéntricas" que evocaban equilibrio precario y colapso, rompecabezas volcados, las partes traseras de vallas publicitarias y pantallas de autocine. [2] [18] [48] Al identificar la puesta en primer plano de la estructura en la obra, la situó en un espacio liminal entre el devenir y el deshacer, el ensamblaje y el desensamblaje. [2] Otros describen la obra en términos familiares, destacando su "autenticidad vivida, su artesanía práctica" [48] y el diálogo continuo con cada nueva pieza y sus predecesoras. [17] [13] [1]
La obra de la exposición de O'Leary, "Writing the Unwritable Novel" (Patricia Sweetow, 2021), integró sus experiencias de Roma y su interés por los artefactos, con "cajas" excéntricas y abiertas que albergaban sus formas características, intrincadamente construidas. La crítica de Artforum, Maria Porges , las describió como "objetos pequeños pero poderosos" cuya ilusión de fragilidad e "impermanencia itinerante" desmentía su fuerza y estabilidad en capas. [49] La exposición de dos personas, "Shelter" (M. David & Co., 2022, con Liliana Zavaleta), exploró varios temas en torno al concepto del título relacionados con la pertenencia, la memoria, la identidad y la comunidad. [29]
El arte de O'Leary ha sido honrado con el Premio de Roma (Academia Americana en Roma, (2018-9), [50] becas de la Fundación Civitella Ranieri (2021), [51] Fundación Guggenheim (2010), [8] Fundación Sam y Adele Golden (2017), MacDowell Colony (2016) y Centre Culturel Irlandaise (2010), [52] y premios de Culture Ireland (2015) y las fundaciones Joan Mitchell (1999) [10] y Pollock-Krasner (1989, 1996). [22] [7] [20] En 2013, la Universidad Estatal de Pensilvania le otorgó una Medalla de Académica de la Facultad por Logros Destacados en las artes y las humanidades. [20] También ha recibido becas del Consejo de las Artes de Irlanda, [53] y residencias de Yaddo, [11] el Centro Joan Mitchell , el Tyrone Guthrie Centre (Irlanda), Fundación Valparaíso (España) y la Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan . [54] [8] Ha sido artista visitante en el National College of Art and Design, GMT Galway y la Universidad de Limerick (todas Irlanda), y el Victoria College of the Arts (Australia), además de universidades de los Estados Unidos. [8]
O'Leary recibió un premio Hennessy Purchase Prize para el Museo Irlandés de Arte Moderno (IMMA) en 2018 y un premio de compra de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras en 2017; su trabajo ha sido adquirido por varias colecciones públicas, incluidas las de la Fundación Ballinglen, la Galería Nacional de Irlanda , el Girls' Club y la Universidad de Maine, entre otras. [42] [55] También se incluyó en la exhibición y el libro de la Galería de Arte Moderno (GoMA) de Glasgow, An Leabhar Mór (El gran libro del gaélico) (2002-3). [56]