Harriet Korman (nacida en 1947) es una pintora abstracta estadounidense radicada en la ciudad de Nueva York, que ganó atención por primera vez a principios de la década de 1970. [1] [2] [3] Es conocida por un trabajo que abraza la improvisación y la experimentación dentro de un marco de limitaciones autoimpuestas que incluyen la simplicidad de los medios, la pureza del color y un estricto rechazo de la alusión, la ilusión, la luz y el espacio naturalistas u otras traducciones de la realidad. [4] [5] [6] El escritor John Yau describe a Korman como "una artista abstracta pura, que no se basa en un gancho visual, una asociación cultural o cualquier cosa que huela a esencialización o espiritualidad", una posición que sugiere que pocos pintores post- Warhol han tomado. [7] Si bien el trabajo de Korman puede sugerir la abstracción de principios del siglo XX , críticos como Roberta Smith ubican sus raíces entre una cohorte de mujeres artistas de principios de la década de 1970 que buscaron reinventar la pintura utilizando estrategias del arte procesual , entonces más asociado con la escultura, el arte de instalación y la performance. [8] [9] [10] Desde la década de 1990, los críticos y curadores han defendido esta obra temprana como injustificadamente descuidada por un mercado de arte dominado por los hombres en la década de 1970 y merecedora de ser redescubierta. [11] [12] [13]
Korman ha expuesto en el Museo Solomon R. Guggenheim , el Museo Whitney de Arte Estadounidense , el Museo Rufino Tamayo y el MoMA PS1 , entre otras instituciones. [14] [15] [16] [17] Ha recibido una beca Guggenheim y premios de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras , la Fundación Pollock-Krasner y el Fondo Nacional para las Artes . [18] [19] [20]
Korman nació en 1947 en Bridgeport, Connecticut . [21] Estudió arte en la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan y en el Queens College (BA, 1969), donde recibió una educación bastante tradicional, basada en la observación, en pintura. [21] [2] [22] Sin embargo, en su último año, se encontró con el trabajo contemporáneo de artistas como Agnes Martin , Robert Ryman y Lee Lozano , lo que cambió su enfoque hacia un nuevo lenguaje de pintura basado en el proceso y sin ataduras a la observación realista o la tradición. [22]
Después de graduarse, Korman compartió un estudio en el Lower East Side con los artistas Gordon Matta-Clark y Charles Simonds y pronto recibió reconocimiento a través de exhibiciones en el Instituto de Arte y Recursos Urbanos (ahora MoMA PS1) y el Museo Guggenheim ("10 Young Artists – Theodoron Awards") en 1971, un Anuario Whitney (1972) y una Bienal (1973), y una exhibición individual en la Galería LoGiudice (1972). [23] [14] [20] [24] [25]
En las décadas siguientes, Korman ha realizado exposiciones en la Galerie Ricke de Colonia; la Willard Gallery (1976-1987), Lennon, Weinberg (1992-2019) y Thomas Erben Gallery de Nueva York; Jancar Gallery (Los Ángeles) y Daniel Weinberg Gallery (San Francisco y Los Ángeles); Texas Gallery (Houston); y Häusler Contemporary (Múnich), entre otras. [26] [27] [20] También ha sido incluida en la Bienal del Whitney de 1995, la exposición itinerante internacional "High Times, Hard Times: New York Painting 1967-1975" (2006-2008), y en muestras en la Academia Estadounidense de Artes y Letras, el Museo Nacional de la Academia y el MoMA PS1. [28] [29] [16] [17]
Además de su carrera artística, Korman ha enseñado en el Departamento de Bellas Artes del Fashion Institute of Technology desde 1989; también ha trabajado en las facultades del Queens College y la Virginia Commonwealth University . [20] [30] Korman vive y trabaja en la ciudad de Nueva York con su esposo, el artista John Mendelsohn. [31]
El trabajo de Korman es consistente en términos de pensamiento e investigación en lugar de un estilo, motivo, proceso o movimiento característico. [4] Surgió a raíz de las críticas minimalistas y conceptualistas de la tradición de la pintura como "muerta", pero las rechazó y abrazó su legado y limitaciones (por ejemplo, el rectángulo bidimensional, la planitud) como desafíos. [1] Sus pinturas emplean procesos francos y directos y a menudo oscilan entre la fragmentación y la totalidad, la improvisación y la estructura. [32] [33] [34] En sus primeras series, Korman (y otras como Jennifer Bartlett , Louise Fishman , Mary Heilmann y Joan Snyder) buscaron reducir la creación de marcas y el gesto a lo esencial en obras engañosamente simples. [16] [35] [36] [15] En trabajos posteriores, ha experimentado con colores más vivos, cuadrículas sueltas, geometrías de formas entrelazadas y lienzos con formatos subdivididos simétricos, a menudo basados en dibujos. [5] [37] [38] [4]
Las primeras pinturas de Korman (1969-75) investigan problemas gestuales sutiles y medios compositivos que rompen con la tradición modernista , utilizando procesos predeterminados de adición y sustracción y estructuras de cuadrícula sueltas. [2] [3] [39] Sus primeras tres exposiciones individuales en Nueva York (1972-6) presentaron principalmente pinturas en las que dibujaba líneas paralelas, puntos, rayas o números con crayón (a veces formando formas), los cubría con una capa de yeso blanco y luego raspaba con marcas enfáticas y variables usando una espátula para unir las dos capas. [25] [3]
Los críticos describieron el trabajo resultante como sorprendentemente convincente dado su método simple y de fácil comprensión; en términos conceptuales, notaron el énfasis de Korman en la arbitrariedad y la aparente despreocupación sobre el producto final, lo que contradecía las narrativas más heroicas del minimalismo. [25] [3] [26] Hilton Kramer describió tanto una "atractiva delicadeza y pureza" como una insistencia pictórica en las formas sobrias de Korman (como tallos y puntadas) y colores pálidos y de valor cercano, que recordaban el trabajo de Agnes Martin y Eva Hesse ; [26] Roberta Smith escribió que el trabajo de Korman, más denso, menos tenso y más seguro y desatento, avanzó al de Martin, produciendo "superficies silenciosamente radiantes" que pulsan entre la fragilidad y la robustez como la respiración. [3] [39]
En 1976, Korman pasó a la pintura al óleo para lograr una mayor flexibilidad y experimentó con direcciones radicalmente diferentes, a veces al mismo tiempo. [27] [5] En general, su obra de este período presenta colores más vivos, pinceladas más sueltas húmedo sobre húmedo y ritmos más estridentes, que toman formas que van desde bandas desiguales de color y formas libres hasta patrones de cuadrícula onduladas y formas vagamente geométricas hasta líneas gestuales y garabatos. [5] [40] [41] Stephen Westfall elogió su experimentación en una reseña de su exposición de 1984 (Willard Gallery), que describió como una "combinación sorprendentemente cálida" de toque ingenioso, ligeramente irregular, planaridad rigurosa e ideas vívidas y emocionalmente coloreadas. [27]
Los críticos sugieren que las pinturas de Korman de finales de los 80 y principios de los 90 vuelven a su estilo para reconfigurar su pasado al convertir la característica cuadrícula minimalista en algo suelto y táctil, como el diseño textil. [5] [39] [42] Conservó ciertos aspectos (principios organizativos sueltos y procesos francamente evidentes) al tiempo que introdujo una paleta vibrante, una aplicación veloz de la pintura y un mayor movimiento entre estilos. [39] [5] [43] [6] Las pinturas generalmente surgen de fondos monocromáticos construidos con capas de color, sobre las que Korman pintó guiones notacionales, cuadrados y trazos ondulados de color contrastante que sugieren cuadrículas o cuadros que se desintegran suavemente, paja o caligrafía abstracta. [5] [39] [8] Las reseñas comentaron de manera más consistente la espontaneidad controlada de la obra, que Ken Johnson describió como "operando en la brecha entre el hedonismo pictórico y el puritanismo formal"; [6] Holland Cotter comparó la obra con "una buena interpretación de danza" que combina "habilidad con una gracia instintiva". [5] [39] Entre 1993 y 1996, Korman se volcó principalmente en lienzos negros, blancos y grises con cuadrículas torcidas y "compartimentos" geométricos irregulares que contenían círculos caligráficos densamente trabajados, diamantes, rayas, formas en forma de ocho y pretzel, y emblemas. [37] [44] [45]
La serie en blanco y negro de Korman proporcionó ideas que aplicó a su siguiente serie en color: pintaría sin blanco, que puede crear ilusiones de luz y espacio. [46] [1] [22] Presentó las pinturas resultantes en exposiciones en 2001 y 2004 ("Línea o forma, curva o recta"), que presentan formas excéntricas entrelazadas de tonos ricos y patrones rítmicos impredecibles que emergen de trazos geométricos, curvas y cuadrículas (por ejemplo, Sin título , 2004; Puede unirse de cualquier manera , 2002). [32] [38] [9] [47] Estas pinturas exploran la forma en que el color y las imágenes abstractas transmiten significado. [22] Los críticos describieron la obra como "curiosamente fuera de tiempo" [48] —contemporánea pero ligeramente evocadora de Miró , Kandinsky , Mondrian y el arte tántrico— e independiente de la nostalgia y los discursos en curso que reviven o rechazan el modernismo. [49] [50]
En su exposición posterior (Lennon, Weinberg, 2008), Korman exhibió pinturas junto con los dibujos lineales (en blanco y negro) que las generaron por primera vez. Estas pinturas introdujeron parches ondulantes de cuadrículas y líneas paralelas (que evocaban trabajos tempranos) en sus formas entrelazadas, creando una sensación de configuraciones cambiantes, como un caleidoscopio. [7] John Yau escribió que esta obra trastocó dos corrientes distintas de la abstracción de posguerra al combinar la abstracción "total" y un enfoque de figura y fondo, demostrando la vida continua en la pintura. [7] Las siguientes pinturas de Korman (exhibidas en 2012) estaban divididas geométricamente por diagonales, horizontales y verticales, y las formas luego se llenaban de color puro, formando patrones y configuraciones inesperados. [33] [22] Composiciones inexpresivas de triángulos dentro de cuadrículas de rectángulos, expusieron cualidades intrínsecas de tono, brillo y transparencia a través de yuxtaposiciones de colores (por ejemplo, Quadrant , 2012; Focus , 2011); Deven Golden de Artcritical las describió como obras puramente objetivas con superficies y patrones luminosos y sutilmente fluctuantes que se parecían a un libro para colorear geométrico para niños. [33]
En sus dos siguientes exposiciones, Korman contempló un problema básico (la división de la superficie de una pintura) y encontró libertad dentro de las limitaciones de formatos en gran parte fijos y simples. [1] [46] Para su muestra de 2014, "Línea o borde, línea o color", exhibió una serie de diez dibujos al óleo y diez pinturas, construidas alrededor del formato simétrico de un diamante central subdividido en rectángulos o triángulos y luego complicado mediante su uso del color. [51] [52] Las pinturas se diferencian de sus trabajos anteriores al incluir áreas de pintura blanca simple y líneas y contornos de colores de ancho variable. [51] [52] Una exposición de 2018 en Thomas Erben presentó pinturas basadas en cuadrantes con una cruz central de líneas de colores y bandas en ángulo recto de color cromáticamente rico que sugieren una actualización de la serie Homenaje al cuadrado de Albers . [34] [1]
Críticos como Raphael Rubenstein describen una geometría "enfáticamente hecha a mano" de bordes ondulantes, bandas afiladas e irregularidades en estas obras, que lleva lo que parece ser una abstracción modular estricta (por ejemplo, Albers o la Stella temprana ) al reino de Paul Klee y Mary Heilmann. [34] Otras reseñas se centran en las improvisaciones, los cambios sutiles y los saltos inesperados en esta obra; por ejemplo, las variaciones entre cuadrantes en la última serie, que alteran la simetría cruciforme y la resolución de las composiciones como un todo; Roberta Smith escribió que las composiciones pintadas casualmente "dan testimonio de la inagotabilidad tanto del color como de la geometría". [51] [34] [1] [46]
Korman ha sido reconocida con una beca de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation en pintura (2013) y subvenciones de la Pollock-Krasner Foundation (2008), el National Endowment for the Arts (1993, 1987, 1974) y la New York Foundation for the Arts (1991). [18] [53] [19] [20] Ha sido galardonada con premios de compra del National Academy Museum , donde fue elegida miembro en 2006, la American Academy of Arts and Letters (2003) y el Solomon R. Guggenheim Museum (1971). [20] [14] También ha recibido residencias artísticas de la Edward F. Albee Foundation (1997) y Yaddo (1996). [54] [55]
La obra de Korman pertenece a las colecciones públicas del Museo Solomon R. Guggenheim, [56] el Museo de Arte Moderno (MMK) en Frankfort, Alemania, [13] el Museo de Arte Blanton , [57] el Museo de Arte Moderno de Jacksonville , el Museo de Arte Joslyn , el Museo de Arte Maier , [21] el Museo de Arte McNay , [58] el Museo de Arte del Condado de Orange , el Museo Pfalzgalerie (Alemania), el Museo Tang y el Museo de Arte Weatherspoon , [59] entre otros. [17]