Harald Szeemann (11 de junio de 1933 – 18 de febrero de 2005) fue un curador , artista e historiador del arte suizo . Habiendo comisariado más de 200 exposiciones, [1] muchas de las cuales han sido caracterizadas como innovadoras, se dice que Szeemann ayudó a redefinir el papel de un curador de arte. [2] Se cree que Szeemann elevó la curaduría a una forma de arte legítima en sí misma. [3]
Szeemann nació en Berna , Suiza, el 11 de junio de 1933. [4] Estudió historia del arte, arqueología y periodismo en Berna y en la Sorbona de París de 1953 a 1960, [4] y de 1956 a 1958 comenzó a trabajar como actor, escenógrafo y pintor, [5] y produjo muchos espectáculos unipersonales . En 1958 se casó con Francoise Bonnefoy y en 1959 nació su hijo Jerome Patrice. [4] En 1964 nació su hija Valerie Claude. [4] Se casó dos veces, la segunda vez con la artista Ingeborg Lüscher . Su hija es Una Szeemann. Szeemann fue hospitalizado por cáncer de pleura en Locarno, [6] Suiza y murió en 2005 a la edad de 71 años en la región de Ticino . [2]
Szeemann comenzó a organizar exposiciones en Suiza en 1957, y en 1961 fue nombrado director de la Kunsthalle de Berna a la edad de 28 años. [7] A pesar de ser una "institución algo provinciana" en ese momento, Szeemann logró abrir una nueva exposición cada mes, a menudo con artistas jóvenes y prometedores. [3]
Allí organizó una exposición de obras de "enfermos mentales" de la colección del historiador de arte y psiquiatra Hans Prinzhorn en 1963, y en 1968 dio a Christo y Jeanne-Claude su primera oportunidad de envolver un edificio entero: la propia Kunsthalle. [8] La Kunsthalle de Berna es también donde Szeemann montó su "radical" exposición histórica de 1969 "Vive en tu cabeza: cuando las actitudes se convierten en forma" [9] que incluía obras de artistas como Eva Hesse y Gary Kuehn , [10] que causó tal reacción que provocó su renuncia como director de la Kunsthalle. [11]
Durante décadas, Szeemann trabajó en un estudio, al que se refería como "Fabbrica Rosa" o "Fábrica Rosa", en el pueblo suizo de Maggia , [12] donde concibió exposiciones internacionales y experimentó con prácticas museológicas tradicionales. [3] Después de dejar la Kunsthalle, fundó el "Museo de las Obsesiones" [13] y la Agentur für Geistige Gastarbeit ("Agencia para el Trabajo Espiritual Migrante"). En 1972 fue el director artístico más joven de la Documenta 5 en Kassel . [5] Revolucionó el concepto: concebido como un evento de cien días, invitó a los artistas a presentar no solo pinturas y esculturas, sino también performances y "happenings", así como fotografía. La muestra tenía varias secciones llamadas "Museo del Artista" o "Mitologías Individuales". En una entrevista en junio de 2001, explicó: "Todas las Documentas anteriores siguieron la vieja dialéctica tesis/antítesis: constructivismo/surrealismo, pop/minimalismo, realismo/concepto. Por eso inventé el término 'mitologías individuales': no un estilo, sino un derecho humano. Un artista puede ser un pintor geométrico o un artista gestual; cada uno puede vivir su propia mitología. El estilo ya no es la cuestión importante". [14] Los artistas de mitología individual son, entre otros, Armand Schulthess, Jürgen Brodwolf, Michael Buthe , James Lee Byars , el músico La Monte Young , Etienne Martin , Panamarenko , Paul Thek , Marian Zazeela , Horst Gläsker o Heather Sheehan .
Para la Bienal de Venecia de 1980 , él y Achille Bonito Oliva co-crearon el "Aperto", una nueva sección en la Bienal para jóvenes artistas. [15] Más tarde fue seleccionado como director de la Bienal tanto para 1999 como para 2001. Esto lo marcó como el primero en curar tanto la documenta como la Bienal. [16] Hasta 2014, fue el único curador que tuvo esta distinción, que desde la Bienal de Venecia de 2015 ahora comparte con Okwui Enwezor .
De 1981 a 1991, Szeemann fue "curador independiente permanente" en la Kunsthaus de Zúrich . [17] Durante este tiempo, también fue comisario de otras instituciones, incluida la Deichtorhallen de Hamburgo para su exposición inaugural "Einleuchten: Will, Vorstel Und Simul In HH". [18] En 1982 encargó una reconstrucción tridimensional de Hannover Merzbau de Kurt Schwitters (tal como fue fotografiada en 1933) para la exposición "Der Hang zum Gesamtkunstwerk" en Zúrich el año siguiente. Fue construida por el escenógrafo suizo Peter Bissegger y ahora se exhibe de forma permanente en el Museo Sprengel de Hannover .
1957
1961
1962
1963
Live In Your Head: When Attitudes Become Form fue una muestra emblemática para los artistas estadounidenses posminimalistas en 1969 en la Kunsthalle de Berna . [22]
Tras la inauguración de la exposición "12 Environments" en el verano de 1968, que incluía las obras de Andy Warhol , Martial Raysse , Soto, Jean Schnyder, Kowalski y Christo , se le pidió a Harald Szeemann que hiciera una muestra propia. Representantes de Philip Morris , American Tobacco Company y Rudder and Finn, firma de relaciones públicas, visitaron a Szemmann en Berna para contratar su experiencia para un proyecto. [23] Este proyecto implicaría una financiación sustancial, con el beneficio adicional de colaborar con Stedelijk (patrocinado por Holland American Line) y una libertad artística completa. [23]
Esta era una oportunidad completamente nueva para Szeemann, por lo que aceptó la propuesta patrocinada. [24] El proyecto fue concebido inicialmente cuando Szeemann, con el director del Stedelijk llamado de Wilde, viajó por Suiza y Holanda para seleccionar las obras de artistas más jóvenes para exposiciones nacionales. Cuando visitó el estudio de un pintor holandés, Reinier Lucassen, Szeemann quedó inmediatamente impresionado con el trabajo del asistente del pintor, Jan Dibbets . Jan saludó a Szeemann desde detrás de dos mesas; una de las cuales tenía luz de neón saliendo de la superficie y la otra estaba cubierta de césped que regó. A partir de entonces, Szeemann se inspiró para centrar la próxima exposición en comportamientos y gestos. [23]
Poco después de su concepción, la muestra se desarrolló rápidamente. Un diario publicado de Attitudes detalla viajes, visitas a estudios e instalaciones. La muestra se convirtió en un diálogo sobre cómo las obras podían asumir una forma material o permanecer inmateriales, documentando un concepto revelador importante en la historia del arte. Esta muestra fue un momento de intensidad y libertad en el que se podía producir o imaginar una obra, según Lawrence Weiner . [23] 69 artistas, europeos y estadounidenses, controlaron la Kunsthalle. Por ejemplo, Robert Barry irradió el techo; Richard Long hizo un paseo por las montañas; Mario Merz hizo uno de sus primeros iglúes; Michael Heizer "abrió" la acera; Walter de Maria produjo su pieza de teléfono; Richard Serra mostró esculturas de plomo, la pieza del cinturón y la pieza de salpicadura; Weiner sacó un metro cuadrado de la pared; Beuys hizo una escultura de grasa. La Kunsthalle de Berna se convirtió en un laboratorio para exhibir "caos organizado". [23]
Después de When Attitudes Become Form y la exposición que le siguió, Friends and their Friends, se desató un escándalo en Berna. Se creía que Szeemann estaba mostrando obras de arte que contradecían las opiniones de los críticos y del público. [21] El gobierno de la ciudad y el parlamento acabaron por involucrarse en el asunto. Se decidió que la dirección de Szeemann era "destructiva para la humanidad". [25] Además, el comité de la exposición, compuesto en gran parte por artistas locales, decidió que dictaría la programación y rechazó las exposiciones propuestas por Szeemann con las que habían acordado previamente, incluida la muestra individual de Beuys. A partir de entonces, Szeemann, cansado de esta guerra abierta, decidió dimitir y convertirse en comisario independiente y operó bajo su recién fundada Agencia para el Trabajo Espiritual de Huéspedes. [23]
El Museo de Arte Contemporáneo de Lyon , codirectores del mismo, Thierry Raspail y Thierry Prat, ha organizado una exposición de arte bienal que, en general, ha recibido poca atención del público internacional. Cada bienal tiene un tema específico y un comisario invitado que determina los componentes de la exposición. El elegido para la cuarta bienal, en 1997, fue Harald Szeemann. [22] El tema elegido por los codirectores para la exposición se derivó del término posestructuralista L'autre, el otro. L'autre se celebró en L'Halle Tony Garnier en las afueras de Lyon. La estructura de la década de 1920 es un ejemplo de ingeniería extraordinaria de la época. La gran escala del espacio lo hizo adecuado para mostrar obras de gran escala como las de Richard Serra o Serge Spitzer, que de otro modo quedarían excluidas de tales exposiciones en espacios convencionales. [26]
Las elecciones de Szeemann fueron eclécticas pero se centraron constantemente en el tema de las mitologías personales de los artistas contemporáneos. Esculturas a gran escala de artistas como: Bruce Nauman , Louise Bourgeois , Joseph Beuys , Richard Serra, Chris Burden , Jessica Stockholder , Hanne Darboven y Ute Schroder fueron vistas en relación con instalaciones de video de: Gary Hill , Mariko Mori , Zhang Peili , Paul McCarthy e Igor y Svetlana Kopystiansky. [26] Hubo piezas "físicas/efímeras" de artistas más jóvenes, como Jason Rhoades y Richard Jackson, y las famosas ratas negras a gran escala de Katharina Fritsch , que se mostraron anteriormente en el Dia Center for the Arts en Nueva York. [26]
Szeemann incluyó una sección histórica con autorretratos en bronce del artista del siglo XVIII Franz Xaver Messerschmidt , una figura ancestral del arte escénico contemporáneo. Szeemann montó las cabezas de bronce en una disposición circular, afirmando así su relación con obras colocadas muy cerca unas de otras de los Accionistas vieneses de la década de 1960. [26] Alrededor de los Messerschmidt había fotografías, dibujos y reliquias de artistas como Rudolf Schwarzkogler , Hermann Nitsch , Otto Muhl , Günther Brus y Arnulf Rainer . Otra parte de la sección "histórica" era una entrada en el catálogo de la exposición del historiador de arte y curador francés Jean Clair . [26]
Un tema aparente que Szeemann pretendía en L'Autre era situar a los artistas del final del modernismo en el contexto de un "mitos autohistorizador". La diversidad de obras elegidas para la Cuarta Bienal reflejaba el borde constante de lo que fue el modernismo, así como lo que se percibe en sus límites. [26]
En el momento del nombramiento de Szeemann, la Bienal de Venecia ya no era una empresa estatal, sino una fundación. La representación de 15 personas se redujo a cinco: una en representación de la ciudad, otra de la región, otra de la provincia, otra del Gobierno nacional y, por último, un tercero no afiliado. [27]
Paolo Baratta nombró directores para las diferentes secciones de cine, arquitectura, teatro, música, danza y también artes visuales, área de designación de Szeemann. Szeemann fue nombrado Director de Artes Visuales, sucediendo a su predecesor Jean Clair, con sólo cinco meses para preparar la Bienal de Venecia de 1999, pero con la expectativa de que también dirigiría la siguiente muestra en 2001. [27] Una contingencia de este nombramiento fue que podría traer a su propia gente con él, así como tener más flexibilidad con la estructura de la Bienal. Además del equipo regular que utiliza para la instalación, trajo consigo a Agnes Kohlmeyer para ayudar con la muestra y a Cecilia Liveriero para trabajar en el catálogo. Szeemann fue responsable de organizar la exposición internacional en los Giardini y Arsenale, de dar recomendaciones para las exposiciones posteriores, de contribuciones fuera de los pabellones y en la ciudad, de mantener el contacto con los comisionados de los pabellones nacionales, y similares. [27]
Tomando como ejemplo las dos últimas Bienales, bajo las direcciones de Jean Clair y Germano Celant , Szeemann determinó que la exposición internacional y los pabellones nacionales debían estar dedicados a artistas jóvenes e informó de ello a todos los países participantes. Como resultado de los sistemas de selección de muchos países, esto llegó como una noticia tardía, pero para algunos otros que no tenían más problemas para reaccionar esto no fue un problema. [27] Szeemann decidió que la exposición internacional y Aperto, creada por Szeemann en 1980, se combinarían y los artistas ya no estarían divididos por edad. [21] También se haría hincapié en la representación de artistas femeninas y sus contribuciones para cuestionar sus roles pasados, con artistas como Rosemarie Trockel de Alemania y Ann Hamilton de los EE. UU. Cambiar la estructura interna de la Bienal, romper las divisiones y expandir el espacio estuvieron entre las contribuciones de Szeemann. [27]
Szeemann se preocupó en gran medida por la estructura tradicional de la Bienal y creía que el tratamiento de los artistas durante la instalación requería una mejora. Otro resultado de la aceptación de Szeemann fue la representación justa de los artistas italianos. El Pabellón Italiano, una secuencia de salas que exhibían arte italiano, se mantuvo en un gueto y fue inadecuado en comparación con otros pabellones nacionales. [27] Otra preocupación fue la resultante de la desintegración de la Unión Soviética y la historia del conflicto en Yugoslavia que había creado muchos problemas, Macedonia renunció a su participación y Yugoslavia era una desconocida, además del creciente número de países que exigían una presencia en la Bienal. [27]
Jurados de premios de arte
2000: Premio de Arte Chino Contemporáneo [28]
2002: El premio Walters [29]
2002: El premio Vincent [30]
Membresías y juntas directivas
1961-2005: Collège de 'Pataphysique' (grupo de artistas) [31]
1967-?: Miembro fundador de la Asociación Internacional de Curadores de Arte Contemporáneo (IKT) [32]
1996: Szeemann jugó un papel clave en la formación de la facultad de arquitectura de la Università della Svizzera italiana , la primera universidad de la Suiza italiana, durante los primeros seis años después de su fundación. [ cita requerida ]
1997-2005: Departamento de Artes Visuales, Akademie der Künste, Berlín, Alemania [33]
1998: Premio a la Excelencia Curatorial, Centro de Estudios Curatoriales, Bard College [34]
2000: Premio Max Beckmann [35]
2005: El cristal der Vernunft [36]
2005: Recibe un “León de Oro Especial” en la Bienal de Venecia [37]
A lo largo de su vida, Szeemann había recopilado toda la documentación relacionada con su trabajo y su vida. El resultado final fue su archivo personal, que constaba de libros sobre arte, artistas, teoría del arte, exposiciones, comisariado y similares. También incluía todo lo que actuaba como correspondencia: cartas y mensajes que se intercambiaban con artistas, comisarios, patrocinadores y cualquier otra parte interesada relevante. Este archivo también comprendía artículos relacionados con registros formales, documentación o anotaciones que se habían recopilado durante los diversos esfuerzos de Szeemann. Todo lo que tuviera alguna relación con sus diversos proyectos profesionales y planes curatoriales había sido recopilado, documentado y curado. [38]
Harald Szeemann murió en 2005, dejando su vasta colección a un beneficiario desconocido, hasta que, en junio de 2011, el Getty Research Institute hizo pública la compra del Archivo y Biblioteca Harald Szeemann, probablemente una de las colecciones de investigación más importantes de arte occidental, moderno y contemporáneo. [39] Szeemann se había dedicado a su archivo y biblioteca y, como resultado, contiene miles de documentos relacionados con su práctica como historiador de arte, crítico de arte y curador que continúan estudiándose hoy en día. [38] En ese momento, fue la adquisición más grande en la historia del Getty Research Institute. [38]
Esta colección está formada por más de 1.000 cajas de investigación y consta de:
La colección está abierta a los investigadores y hay una guía de búsqueda publicada disponible en línea: http://hdl.handle.net/10020/cifa2011m30
Szeemann inventó la moderna Großausstellung ("gran exposición"), en la que las obras de arte están ligadas a un concepto central y se reúnen en nuevas y a menudo sorprendentes interrelaciones. Sus más de 200 exposiciones se caracterizaron por una gran abundancia de material y una amplia gama de temas. Los puntos de referencia importantes fueron la subversión, los estilos de vida alternativos (por ejemplo, Monte Verità ) y la Gesamtkunstwerk ("obra de arte total", el concepto de Wagner de una obra que abarca todas las artes, al que también debían sus propias exposiciones).