Michael Kelley (27 de octubre de 1954 - c. 31 de enero de 2012) fue un artista estadounidense cuyo trabajo involucró objetos encontrados , pancartas textiles, dibujos , ensamblajes , collages , performances , fotografías, sonido y video . También trabajó en proyectos curatoriales; colaboró con muchos otros artistas y músicos; y dejó un formidable cuerpo de escritura crítica y creativa. A menudo trabajó en colaboración y había producido proyectos con los artistas Paul McCarthy , Tony Oursler y John Miller . Escribiendo en The New York Times , en 2012, Holland Cotter describió al artista como "uno de los artistas estadounidenses más influyentes del último cuarto de siglo y un comentarista mordaz sobre la clase estadounidense, la cultura popular y la rebelión juvenil". [2]
Kelley nació en Wayne, Michigan , un suburbio de Detroit , en una familia católica romana de clase trabajadora en octubre de 1954. [3] [2] Su padre estaba a cargo del mantenimiento de un sistema escolar público; su madre era cocinera en el comedor ejecutivo de Ford Motor Company . [2] En sus primeros años estuvo involucrado con la escena musical de la zona, que generó bandas como Iggy and the Stooges , y fue miembro de la banda de noise Destroy All Monsters . En 1976, Kelley se graduó de la Universidad de Michigan y luego se mudó a Los Ángeles . [3] En 1978, se graduó del Instituto de Artes de California con una Maestría en Bellas Artes , donde admiró el trabajo de sus maestros John Baldessari , Laurie Anderson , David Askevold y Douglas Huebler y abrazó plenamente los ideales de la vanguardia. [4]
Durante su estancia en CalArts, Kelley empezó a trabajar en una serie de proyectos en los que exploraba obras con temas poéticos sueltos, como The Sublime , Monkey Island y Platón's Cave, Rothko's Chapel, Lincoln's Profile , utilizando una variedad de medios diferentes como el dibujo, la pintura, la escultura, la performance, el vídeo y la escritura. En la década de 1980, se hizo conocido por trabajar con otro tipo de material: mantas de crochet, muñecos de tela y otros juguetes de trapo encontrados en tiendas de segunda mano y ventas de garaje. Quizás la obra más famosa en este sentido, More Love Hours Than Can Ever Be Repaid and The Wages of Sin de 1987, presentaba un desorden de muñecos de trapo usados, animales y mantas esparcidas por un lienzo, una forma de investir una escena infantil ficticia con un patetismo visceral que se mostró por primera vez en la Galería Rosamund Felsen de Los Ángeles. [5] En 1988, Kelley creó una instalación llamada Pay for Your Pleasure, que incluía una galería de retratos de hombres de genio –poetas, filósofos y artistas incluidos– subvertidos al final por una pintura creada por un criminal convicto. [6] En From My Institution to Yours (1988) y Proposal for the Decoration of an Island of Conference Rooms (1992), Kelley se apropió de dibujos fotocopiados y otros elementos efímeros del humor vernáculo de oficina y los trasladó a entornos más formalizados donde normalmente no se ven materiales tan crudos. [7] [8]
Kelley solía emplear juguetes blandos y enredados como metáfora satírica del arte expresionista . En Deodorized Central Mass with Satellites (1991-99), una escultura de instalación hecha con grupos desordenados de juguetes suspendidos del techo, una docena de esferas de peluche monocromáticas, unidas por un sistema de cables y poleas a lo largo del techo, orbitan alrededor de una mancha central de color arcoíris; diez grandes relieves de pared de colores brillantes y facetados geométricamente son en realidad dispensadores monumentales de ambientador con aroma a pino, que envían automáticamente su spray limpiador a la habitación a intervalos cronometrados. [9]
En 1995, produjo Educational Complex , un modelo arquitectónico de las instituciones en las que había estudiado, incluida su escuela primaria católica y la Universidad de Michigan en Ann Arbor. [10] Según el Museo Whitney de Arte Estadounidense , la inclusión selectiva de ubicaciones y características institucionales en la obra responde a "la creciente fascinación del público por los problemas del síndrome de memoria reprimida y el abuso infantil... La implicación es que todo lo que no se puede recordar es de alguna manera el resultado de un trauma". [11] En 1999, hizo un video corto en el que Superman recita selecciones de La campana de cristal de Sylvia Plath . [12]
Kelley estuvo en la banda Poetics con sus compañeros estudiantes del Instituto de las Artes de California John Miller y Tony Oursler . [ cita requerida ] . En 1997-98, Kelley y Oursler presentaron el Proyecto Poetics en Documenta X, así como en lugares de Los Ángeles, Nueva York y Tokio; a través de proyecciones de video, sonido y obras de arte, esta instalación recreó su experiencia en CalArts como miembros de una banda de corta duración. [13] Junto con sus colaboraciones con Shaw y Oursler, Kelley también fue conocido por trabajar con el artista Paul McCarthy en la década de 1990. Colaboraron en una serie de proyectos de video, incluido un trabajo de 1992 basado en el clásico libro infantil de Johanna Spyri , "Heidi". [6] Una presentación del Instituto Tecnológico de Massachusetts de 1986 de la actuación de Kelley Plato's Cave, Rothko's Chapel, Lincoln's Profile (1985) incluyó una actuación en vivo de Sonic Youth ; [13] La banda luego presentó a sus criaturas de punto naranja en la portada y el folleto de su disco de 1992 Dirty . [14] En 2010, se combinó con Artangel para realizar su primera obra de arte público en Detroit. [15]
En noviembre de 2005, Kelley presentó Day is Done , llenando la Galería Gagosian con instalaciones multimedia similares a casas de la risa, [16] incluyendo muebles automatizados, así como películas de ceremonias oníricas inspiradas en fotos de anuarios de secundaria de concursos, partidos deportivos y producciones teatrales. [17] En diciembre de 2005, el crítico de arte de Village Voice , Jerry Saltz, describió "Day is Done" como un ejemplo pionero de "estética clusterfuck", la tendencia hacia entornos multimedia sobrecargados en el arte contemporáneo. [18] "Day is Done" fue "Gesamtkunstwerk" de Kelley, este cuerpo de trabajo se inició con 'Extracurricular Activity Projective Reconstruction # 1 (Domestic Scene), [19] el trabajo fue producido por Emi Fontana y exhibido por primera vez en su galería en Milán en 2000. En el mismo año, Emi Fontana y Mike Kelley comenzaron una relación romántica que duró siete años y llevó a Fontana a mudarse a Los Ángeles.
Iniciado en 1999, [20] el proyecto Kandor trata sobre la ciudad de Kandor , en el planeta Kriptón del que el niño Kal-El escapó a la Tierra, donde se convirtió en Superman . [21] La representación de Kandor en estas narraciones es inconsistente y fragmentaria, lo que llevó a Kelley a crear múltiples versiones de él, fundidas en resinas de colores e iluminadas como relicarios. [20] Kandor 4 (2007) incluye una campana de cristal gigante y una bomba compresora de aire. [22] La instalación Kandor-Con 2000 se presentó por primera vez en la muestra del milenio en el Kunstmuseum Bonn y más tarde en la Technische Universität Berlin (2007), el Deichtorhallen /Sammlung Falckenberg, Hamburgo (2007); ZKM , Karlsruhe (2008); la Bienal de Shanghái (2008); y el Centro Pompidou , París (2010). Kandor-Con 2000 está concebida –y sigue desarrollándose– como un trabajo en proceso. A lo largo de las exposiciones, los estudiantes de arquitectura construyeron modelos de cartón de Kandor inspirados en los cómics originales. Estos modelos se enviaron a Pasadena, donde Kelley hizo moldes a escala reducida. [23] Kandor 10A (2010), una ciudad amarilla alojada en una botella de vidrio rosa soplado a mano, es una agrupación de altos rascacielos situados dentro de una gruta de roca a escala real. Kandor 10B (Exploded Fortress of Solitude) (2011) es una pila de rocas y losas oscuras que forman una cueva con un vestíbulo similar a una cantera hecho de roca negra falsa y construido a una escala que invita al espectador a entrar en la fortaleza prohibida. Ubicada dentro de los recovecos interiores de la cueva hay una brillante ciudad de color rosa en una botella. [24] [22] Kandor 12 , construido en resina de color blanquecino y que evoca un grupo de peones de ajedrez, o minaretes, está encerrado en una botella marrón oscura, que se encuentra sobre una plataforma que se asemeja a una columna griega ubicada frente a una cómoda y una pared verde translúcida iluminada. [20]
En 2004, la exposición y catálogo de Kelley, "Mike Kelley: The Uncanny" en la Tate Liverpool [25] y Mumok presentó Andy Warhol Robot de Andy Warhol . [26] Frieze (revista) escribe: "Tomando como ejemplo el resurgimiento de la escultura figurativa a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990, y el ensayo de Sigmund Freud 'The Uncanny' (1919), la exposición reúne obras de arte relacionadas con maniquíes, principalmente de la década de 1960 en adelante", incluyendo desde el antiguo Egipto hasta principios de la década de 2000. [27] En 'The Uncanny' de Freud, escribe: "Puede ser cierto que lo siniestro no sea nada más que una cosa oculta y familiar que ha sufrido represión y luego emergió de ella". [28] Kelley explora "la memoria, el recuerdo, el horror y la ansiedad a través de la yuxtaposición de una colección muy personal de objetos con esculturas figurativas realistas". [25] Kelley señala en su ensayo para la exposición que "las obras desarrollan vida propia en virtud de su existencia en el mundo fuera de mi control" y "tenía la intención de reelaborar el ensayo original para 'The Uncanny', "Playing with Dead Things", en forma de diálogo para una pieza de teatro, pero nunca lo hice", similar a los impulsos de Warhol para su pieza de teatro "No-Man Show" con Lewis Allen y Peter Sellars . [26] Kelley también hace referencia a Jack Burnham , quien escribe: "las tendencias liberalizadoras del arte moderno y los descubrimientos de la arqueología finalmente obligaron a los historiadores a considerar los méritos estéticos de [las figuras de sustrato como un arte fino] y una gama cada vez mayor de otras formas antropomórficas", [29] y Janine Chasseguet-Smirgel , quien comparte: "yaciendo entre la vida y la muerte, animadas y mecánicas, criaturas híbridas y criaturas a las que dio origen la arrogancia, todas ellas pueden ser consideradas fetiches". [30]
En 2009, Kelley colaboró con su viejo amigo y compañero artista Michael Smith en "A Voyage of Growth and Discovery", una pieza de instalación escultórica y video de seis canales. [31] Esta pieza fue concebida en 2007 y curada por Emi Fontana , producida por el propio Kelley y West of Rome Public Art. [32] La obra se instaló por primera vez en el Sculpture Center de Nueva York en 2009, en The Farley Building (antiguo estudio de Kelley) para West of Rome en 2010, [33] y en The BALTIC Center for Contemporary Art en 2011.
También en 2009, Kelley participó en Performa 09, la tercera edición de la Bienal de Performa , donde creó Extracurricular Activity Projective Reconstruction #32, Plus. Para esta performance, Kelley tradujo su material filmado en escenas de música y drama psicodinámico altamente enérgicas.
El último vídeo de performance del artista fue Vice Anglais de 2011. [21]
La obra de Kelley se inspiró en diversas fuentes, como la filosofía , la política , la historia , la música underground , las artes decorativas y la expresión artística de la clase trabajadora . Su arte a menudo examinaba cuestiones de clase y género, así como cuestiones de normalidad, criminalidad y perversión. [ cita requerida ]
Kelley vivió y trabajó en varios lugares de Los Ángeles, entre ellos el Edificio Farley en Eagle Rock . [31]
En 2018, la Fundación Mike Kelley colaboró con la popular marca de ropa urbana Supreme y lanzó una colección de ropa. Supreme destaca las imágenes icónicas de la Fundación Mike Kelley para las Artes, tomando como base obras como More Love Hours Than Can Ever Be Repaid y The Wages of Sin , Ahh…Youth! y Reconstructed History . Compuesta por una camisa de trabajo, una chaqueta de trabajo, una camisa de rayón, dos sudaderas con capucha, un suéter de cuello redondo, tres camisetas y ocho tablas de skate, la colección Supreme x Mike Kelley se lanzó el 6 de septiembre de 2018. [34]
El 31 de enero de 2012, Kelley fue encontrado muerto en su casa de South Pasadena, California , tras un aparente suicidio . [35] [36] [37] [22] Se cree que lo hizo por depresión. [38] Poco después de conocerse la noticia de su muerte, se construyó un monumento espontáneo en honor a Kelley en una cochera abandonada cerca de su estudio en la sección Highland Park de Los Ángeles. Se invitó a los dolientes a través de una página anónima de Facebook a "ayudar a reconstruir MORE LOVE HOURS THAN CAN EVER BE REPAID AND THE WAGES OF SIN (1987), contribuyendo con juguetes de tela de peluche, mantas, maíz seco, velas de cera... construyendo un altar de sentimentalismo descarado". El monumento estuvo activo durante todo febrero de 2012 y se desmanteló a principios de marzo de 2012, y su contenido se donó a la Fundación Mike Kelley. [39]
Kelley comenzó a realizar exposiciones individuales regulares en la Metro Pictures Gallery de Manhattan en 1982, y en la Rosamund Felsen Gallery de Los Ángeles al año siguiente. Posteriormente comenzó a ganar reconocimiento fuera de Los Ángeles a mediados de los años ochenta con los objetos escultóricos e instalaciones de la serie Half-a-Man . En 2005, tuvo su primera exposición individual en la Gagosian Gallery de la ciudad de Nueva York, que lo representó en su muerte. Una retrospectiva, "Mike Kelley: Catholic Tastes", apareció en el Whitney Museum of American Art en 1993 y viajó a Los Ángeles y Múnich; una segunda retrospectiva apareció en el Museum of Contemporary Art de Barcelona en 1997; y una tercera estuvo en la Tate Liverpool en 2004. [2] En 2006, su muestra "Profondeurs Vertes" se presentó en el Musée du Louvre (2006). Una importante exposición retrospectiva se realizó después de la reapertura del Museo Stedelijk , Ámsterdam en 2012, [40] [41] y viajó al MOCA , Los Ángeles en 2014. Las numerosas exposiciones colectivas en las que participó incluyen la Bienal de Whitney (1985, 1987, 1989, 1991, 1993, 1995, 2002 y 2012), la Bienal de Venecia (1988 y 1995), Carnegie International (1991), Documenta 9 y 10 (1992 y 1997), y la Bienal SITE Santa Fe (2004). [13]
En 2012, el Museo de Arte Contemporáneo de Detroit recibió una subvención para completar el proyecto inacabado de Kelley , Mobile Homestead , una réplica a gran escala de la casa del artista en los suburbios de Detroit. [42] La fachada desmontable de la casa, colocada sobre un remolque legal para la calle, está destinada a viajar de ciudad en ciudad para albergar iniciativas de arte, educación y servicios sociales. Durante su exhibición en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , Mobile Homestead alberga una serie de "activaciones de servicio público", incluido un taller de preparación de almuerzos dirigido por la Red Unida Local para Combatir el Hambre , una campaña de donación de School on Wheels , un evento de Servicios de Sangre de la Cruz Roja Estadounidense y una Reunión de Inquilinos de Control de Alquileres organizada por el Proyecto de Derecho Humano a la Vivienda de Los Ángeles/Red de Acción Comunitaria. [43]
En 2012, el Watermill Center organizó una exposición premiada de las instalaciones de video y sonido de Kelley, así como de las obras de la serie "Kandor". La exposición, "Mike Kelley: 1954-2012", fue votada como "Mejor muestra en una galería sin fines de lucro o espacio alternativo" en 2012 por la Asociación Internacional de Críticos de Arte . [44] [45]
El 13 de octubre de 2013 se inauguró la exposición más grande de las obras de Kelley en el MoMA PS1 de la ciudad de Nueva York. [46] [47] La exposición titulada "Mike Kelley" incluyó más de 200 de sus piezas desde la década de 1970 hasta su muerte en 2012. Esta fue la exposición más grande de cualquier tipo que el MoMA había organizado desde 1976.
El 14 de diciembre de 2015, una selección de los videos de Kelley, desde el atrevido/melancólico Superman Recites Selections from 'The Bell Jar' and Other Works by Sylvia Plath (1999) hasta el histrionismo amenazante de Extracurricular Activity Projective Reconstruction #1 (Domestic Scene) (2000), así como piezas colaborativas, como su exploración minimalista de las relaciones sadomasoquistas en 100 Reasons (1991), entre otras, se proyectarán en REDCAT en Los Ángeles. [48]
Una retrospectiva a gran escala, Ghost and Spirit , dedicada a Mike Kelley, se inauguró en la Bourse de Commerce de París , Pinault Collection en 2023 (del 13 de octubre de 2023 al 19 de febrero de 2024). La exposición fue organizada por la Tate Modern de Londres en colaboración con la Pinault Collection de París, K21 – Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf y el Moderna Museet de Estocolmo y viajará a todos estos lugares después de París.
Durante la vida del artista, el editor alemán de libros de arte Benedikt Taschen y el empresario con sede en Los Ángeles Kourosh Larizadeh fueron los principales coleccionistas que compraron en profundidad la obra de Kelley. [49] En 2001, el propio Kelley donó tres obras de sus compañeros artistas William Leavitt , Franz West y Jim Isermann al Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles. [50]
Carnegie Museum , Pittsburgh
Centre Georges Pompidou , París
Detroit Institute of Art , Detroit
Fonds National d'Art Contemporain
Fundación “la Caixa”, Madrid
Los Angeles County Museum of Art
Louisiana Museum, Humleback , Dinamarca
Metropolitan Museum of Art , Nueva York
Museum Abteiberg Mönchengladbach, Mönchengladbach, Alemania
Museum Moderner Kunst , Viena
Museum of Contemporary Art , Chicago
Museum of Contemporary Art , Los Ángeles
Museum of Fine Arts , Boston
Museum of Modern Art , Nueva York
Solomon R. Guggenheim Museum , Nueva York
Statens Museum for Kunst , Copenhague
Stedelijke Museum , Eindhoven
The Art Institute of Chicago
Van Abbe Museum , Eindhoven
Walker Art Center , Minneapolis
Whitney Museum of American Art , Nueva York
2006 Premio Wolfgang Hahn, Sociedad de Arte Moderno, Museo Ludwig
2003 Beca de la Fundación Memorial John Simon Guggenheim
2000 Premio al Alumno Distinguido del Instituto de las Artes de California
1998 Premio al Alumno Distinguido de la Escuela de Arte y Diseño de la Universidad de Michigan
1997 Medalla Skowhegan para Técnicas Mixtas
1990 Beca para Exposiciones del Programa de Museos del Fondo Nacional para las Artes
1987 Beca de los Premios en las Artes Visuales
1986 Beca Interarts de Artists Space
1985 Beca para Artistas Visuales del Fondo Nacional para las Artes
1984 Beca de la Fundación Louis Comfort Tiffany
La Fundación Mike Kelley para las Artes fue creada por el artista en 2008 antes de su muerte y busca promover la labor filantrópica de Kelley a través de subvenciones para proyectos innovadores que reflejen su práctica artística multifacética. La Fundación también promueve el legado del artista de manera más amplia y promueve la comprensión de su vida y sus logros creativos.
Las obras más caras del artista vendidas en subasta: