Fleet Foxes es el álbum de estudio debutde la banda estadounidense Fleet Foxes , lanzado el 3 de junio de 2008 por Sub Pop y Bella Union . El álbum cosechó amplios elogios de los críticos, muchos de los cuales lo nombraron uno de los mejores álbumes de la década de 2000 y uno de los mejores álbumes debut de todos los tiempos. [5] [6]
Fleet Foxes fue formado en Seattle, Washington en 2006 por los cantautores Robin Pecknold y Skyler Skjelset. [7] Pecknold creció en el cercano Kirkland , un suburbio adinerado. Sus padres le regalaron una guitarra acústica en la escuela secundaria. Conoció a Skjelset en la escuela secundaria, se unieron por la música y raíces noruegas similares. [8] En su décimo año, Pecknold abandonó la escuela, completó su título en una universidad comunitaria y se sumergió en la música. [9] Se mudó a la ciudad y consiguió trabajo en un restaurante, donde se unió al grupo local Dolour [10] y se hizo amigo de otros músicos consumados. [11] Además, Pecknold consiguió conexiones a través de un trabajo en un restaurante de burritos, donde descubrió más indie rock contemporáneo . [9]
La pareja se decidió primero por el nombre de Pineapples, pero el nombre fue adoptado por un grupo de punk local. En su lugar, Pecknold pensó en el nombre Fleet Foxes, que le recordaba a la caza del zorro . [12] La banda se completó con Christian Wargo (bajo, guitarra, voz) y Casey Wescott (teclados, mandolina, voz), ambos miembros del grupo electrónico Crystal Skulls, y Nicholas Peterson (batería, voz), ex miembro de Pedro the Lion . [13] La banda concertó conciertos locales constantes y comenzó a recibir críticas favorables en la prensa. [13]
La banda comenzó a grabar el álbum en 2007, en el sótano de los padres de Pecknold [9] y en la casa de Wescott. [8] El álbum fue producido por el veterano ingeniero Phil Ek , mejor conocido por su trabajo con otras luminarias del Pacífico Noroeste , como Built to Spill . Ek había conocido a Pecknold cuatro años antes. [9] Ek había ayudado anteriormente a Fleet Foxes a grabar su primer demo y utilizó su influencia para ayudar a venderlo a las discográficas. [14] El álbum resultante se grabó con Ek en el transcurso de un año. Como las discográficas aún no se habían involucrado con la banda en este momento, la grabación fue financiada por el propio grupo. [14]
Para el álbum, el grupo se propuso reelaborar su sonido existente en algo más simple, enfatizando las armonías y las estructuras de canciones no convencionales . [13] Pecknold describió las sesiones como constantes y agotadoras, con el álbum pasando por varias fases y permutaciones antes de que se establecieran en su estado final. El álbum se completó en un momento, pero fue completamente revisado y regrabado. Pecknold notó que nada podía igualar la idea del álbum que imaginó; continuó actualizando su secuencia de canciones y escribiendo nuevas piezas hasta que estuvo listo para ser mezclado . Los miembros de la banda grababan sus partes entre turnos en sus trabajos, [10] y colocaban sus amplificadores de guitarra en tipis nativos americanos por estética. [12] Pecknold también sufrió una enfermedad durante la grabación, lo que afectó sus tomas vocales. [10] El álbum se completó en noviembre de 2007, [12] con Pecknold nuevamente aplicando nuevas tomas vocales la noche anterior a su última sesión de mezcla. [10]
Con [el álbum], decidimos poner énfasis en la armonía, armonías simples de bloques de tres y cuatro partes. Las canciones también serían simples, canciones sobre nuestros amigos y familia, la historia, la naturaleza y las cosas que nos rodean en el noroeste del Pacífico. En lugar de melodías vocales complicadas, intentaríamos usar guitarras, mandolinas, banjos y otros instrumentos pequeños para llenar los espacios melódicos de la música. Intentaríamos evitar las estructuras de canciones convencionales, a veces juntando dos canciones como una sola, o evitando los coros y las estrofas en favor de rondas vocales largas y secciones instrumentales alternadas. [13]
Robin Pecknold
El álbum fusiona música folk , gospel , pop psicodélico y estilos de Sacred Harp . [15] El columnista de Rolling Stone Austin Scaggs describió la música del álbum como densa, destacando su uso de contramelodías progresivas . [9] Los arreglos armoniosos del álbum fueron interpretados como exuberantes [16] y texturizados. [8] Aunque la música está audiblemente informada por las tradiciones gospel, Pecknold no fue criado en la religión. En cambio, sintió que el aspecto devocional resultó más convincente desde el punto de vista de la composición de canciones. [12] Su estado de ánimo evoca imágenes bucólicas, anhelo de tiempos más fáciles; Pecknold lo llamó "nostalgia desinformada". [12]
La música pastoral del álbum es principalmente de naturaleza acústica, y sus letras son autobiográficas [9] y filosóficas [16] —muchos de los temas están relacionados con los amigos y la familia de Pecknold. [12] "Blue Ridge Mountains" originalmente recibió su nombre en honor al abuelo de Pecknold, Bob Valaas. [12] Para escribir el álbum, Pecknold viajó a una cabaña de troncos rural construida por su abuelo en la pequeña comunidad de Plain, Washington . [12] Acababa de regresar a casa después de un largo viaje de campamento con su hermano y hermana, y las vistas de la naturaleza influyeron en su lirismo. [11] Estaba abierto a las sugerencias de sus compañeros de banda y ansioso por desarrollar canciones hasta que la unidad en su conjunto lo considerara completo. [10] Pecknold, que canta en un tono lúgubre a lo largo de la obra, [16] tenía el objetivo de enfatizar los arreglos vocales de la manera en que las cuerdas enriquecen la música clásica. [9] Se alejó de escribir canciones de amor y luchó con la ansiedad y la soledad al escribir el álbum. [9] "White Winter Hymnal" fue escrita sobre amigos que abandonaron a Pecknold en la escuela secundaria. [9] Pecknold se inspiró particularmente en los íconos de los sesenta Bob Dylan y Brian Wilson , [9] con una influencia más contemporánea extraída de Joanna Newsom y Elliott Smith . [8] Además, Pecknold mencionó otros actos de mediados del siglo XX como Zombies , Steeleye Span y Crosby, Stills, Nash & Young como influencias. [8]
La portada del álbum es una pintura de un paisaje campesino, ilustrada por el artista del siglo XVI Pieter Bruegel el Viejo . [8] La pintura, Proverbios neerlandeses , se completó en 1559. El vocalista y guitarrista Robin Pecknold señala que:
Cuando ves ese cuadro por primera vez, es muy bucólico, pero cuando lo miras más de cerca, hay un montón de cosas realmente extrañas sucediendo, como tipos defecando monedas en el río y gente en llamas, gente tallando una oveja viva, un tipo extraño que parece una raíz de árbol sentado con un perro. Hay un montón de cosas realmente extrañas sucediendo. Me gustó que la primera impresión sea que es simplemente bonito, pero luego te das cuenta de que la escena es un caos extraño. Me gusta que no puedas tomarlo realmente como lo que es, que tu primera impresión de ello sea errónea. [17]
Pecknold le explicó a Mojo cómo la pintura terminó en la portada:
Estábamos tratando de decidir qué queríamos hacer, y mi hermano había estado trabajando en algunas cosas, cuando vi ese cuadro de Bruegel en un libro que tenía mi novia. Me gustó que tuviera un significado realmente intrigante, como si hubiera una historia detrás de cada pequeña escena. Lo cual me pareció que encajaba perfectamente con ese disco: denso pero unificado, no un collage ni nada por el estilo. Y me gustó su estilo ¿Dónde está Wally?, que era algo que podías mirar durante mucho tiempo en una funda de vinilo y descubrir pequeñas cosas nuevas. Fue muy fácil conseguir que el museo de Berlín que lo tiene dijera que sí. Estaban muy emocionados de que una banda quisiera usarlo y lo pusieron en su boletín. Cuando lo abres por dentro hay un patrón de cachemira calcado de la parte posterior de un libro que me regaló la madre de Skye (Skjelset, guitarra principal). Queríamos dos sensaciones muy diferentes. [18]
La portada ganó el premio Best Art Vinyl Award 2008, un premio anual organizado por Artvinyl.com, una empresa que fabrica marcos de exhibición para álbumes de discos. [19]
Aunque la banda fue cortejada por grandes sellos discográficos, [13] lo que desató una guerra de ofertas , [20] decidieron firmar con Sub Pop , un sello independiente con sede en Seattle. La noticia se anunció por primera vez en enero de 2008. Pecknold estaba preocupado por la decisión, percibiendo que la calidad de grabación de Fleet Foxes no sería representativa del estilo del sello. Le confió al sello que esperaba que el álbum fracasara, para que pudieran comenzar a escribir el siguiente. [9] La distribución en el extranjero estuvo a cargo del sello británico Bella Union . [12] Antes del lanzamiento del álbum, Fleet Foxes también lanzó Sun Giant , un extended play que luego se incluyó con la edición en vinilo del LP. Sun Giant se grabó en solo ocho días, después de la grabación de Fleet Foxes , pero se lanzó primero. [10] Estaba destinado a venderse solo en conciertos, pero su popularidad solo sirvió para impulsar el floreciente avance del grupo. [20]
En respuesta al creciente revuelo, Sub Pop ajustó sus planes promocionales a lo que podrían sugerir para los mejores artistas del sello. Realizaron fiestas de escucha y transmitieron el álbum en plataformas digitales de la década de 2000 como AOL y MySpace . [12] [20] Pecknold utilizó este último para actualizar a los oyentes sobre qué esperar con el nuevo álbum. [13] El lanzamiento del álbum fue un asunto familiar: el hermano de Pecknold, Sean, dirigió un video musical , mientras que su madre inicialmente manejó la contabilidad. [12] La hermana de Pecknold era crítica de rock en Seattle Weekly , lo que ayudó a asegurar la cobertura. [12] El álbum también se distribuyó en las ubicaciones de Starbucks . [11]
Fleet Foxes debutó en el Billboard 200 en el puesto número 83. Vendió 8000 unidades en su primera semana, lo que la convirtió en la segunda semana de ventas más grande de Sub Pop de ese año, detrás de Flight of the Conchords . [20] En el transcurso del año, los músicos pasaron de la oscuridad total a la fama mundial. [8] A finales de año, el álbum había vendido más de 120 000 copias en América del Norte, [11] y 200 000 copias en Europa. [21] Fue el primer disco certificado oro de Bella Union. [22] En noviembre de 2013, había vendido más de 500 000 copias en los Estados Unidos. [23]
Fleet Foxes recibió elogios generalizados de los críticos musicales . [24] En Metacritic , que asigna una calificación normalizada de 100 a las reseñas de los críticos principales, el álbum tiene una puntuación promedio de 87 sobre 100 basada en 31 reseñas, lo que indica "aclamación universal". [24] The Guardian lo describió como "un hito en la música estadounidense, un clásico instantáneo". [28] AllMusic elogió el álbum de manera similar , afirmando que " Fleet Foxes es un debut tan satisfactorio y seguro de sí mismo". [25]
La revista Uncut le otorgó al álbum su premio inaugural Uncut Award en 2008 por "el álbum más gratificante de los últimos 12 meses". [6] La revista Q lo votó como el segundo mejor álbum de 2008 mientras que encabezó la lista de los "100 mejores discos de 2008" de The Times . [5] y ocupó el puesto número 3 en la lista Top 50 de 2008 de WERS Boston. El álbum también fue reseñado en la sección "In A Word" del podcast semanal EGGCAST , donde fue descrito como "acogedor" y "orgánico". Mojo le dio al debut la rara vez premiada etiqueta de "Instant Classic". [29] Hasta Have One On Me de Joanna Newsom en la edición de abril de 2010, fue el último álbum en recibir este honor. Geddy Lee de Rush incluyó este álbum entre sus favoritos en una lista de una entrevista con The Quietus . [35] El álbum ocupó el puesto número 36 en la lista de los 40 mejores álbumes de stoner de Rolling Stone de 2013, y el puesto 88 en la lista de los 100 mejores álbumes del siglo XXI de The Guardian , según una encuesta de 2019 a escritores musicales. [36] [37]
El ciclo de gira de Fleet Foxes fue mucho más grande de lo que la banda había anticipado: abarcó cuatro etapas en América del Norte, tres giras europeas, Australia y Nueva Zelanda. [8] La banda estuvo de gira con Blitzen Trapper a principios de año. [20] El grupo hizo una parada importante en South by Southwest de ese año , que recibió el aplauso de los creadores de tendencias. [12] La actuación de la banda fue recibida con entusiasmo, lo que provocó artículos de prensa de alto perfil en las principales publicaciones, como Rolling Stone . [20] La banda fue contratada para abrir una gira con Wilco ; en una parada, la banda subió al escenario para cantar a dúo un bis, " I Shall Be Released ". También promocionaron el LP con apariciones en los programas nocturnos Saturday Night Live y Late Show with David Letterman . [9] La banda inició su primera gira en el extranjero en el Reino Unido ese junio. [12] Para Pecknold, el éxito de la gira ayudó a cubrir la deuda de tarjeta de crédito existente que generó para la realización del álbum. [12]
Fleet Foxes recibió grandes elogios y fue rápidamente aplaudido como un clásico moderno. Para Pecknold, la reacción fue sorprendente: "La incredulidad es la única reacción sensata", le dijo a un entrevistador. [12] La banda formaba parte de una ola de indie rock más suave y melancólico, que incluía a Bon Iver y a los Cave Singers . [13] [21]
Todas las canciones escritas por Robin Pecknold .
Zorros de la flota
Personal instrumental adicional
Personal de producción
Las notas del álbum no indican qué instrumentos tocan los miembros de la banda. El exbaterista J. Tillman se unió al grupo después de que se terminaron las grabaciones, pero antes de que se lanzara el álbum.
Los dos primeros álbumes de folk-rock meticuloso y expansivo de Fleet Foxes han vendido más de dos millones de copias en todo el mundo.