La Escuela de Fotografía de Járkov (KSOP) ( en ucraniano : Харківська Школа Фотографії ) es un movimiento de fotografía artística ucraniano . [1] Fue creado en oposición al estilo artístico del realismo socialista soviético , que reinó desde 1934 hasta la década de 1980. KSOP comenzó a formarse en la década de 1960 cuando la fotografía artística revivió en Járkov durante el período del deshielo de Jruschov . La formación oficial de KSOP como un movimiento clandestino no conformista fue denotada por el establecimiento de un grupo de fotógrafos de Járkov llamado Grupo Vremia en 1971; su fundación se considera el signo del renacimiento del arte modernista en Járkov.
El grupo Vremia se basó en las tradiciones de vanguardia y aplicó los dogmas del realismo socialista. Son conocidos por sus experimentos extremos con técnicas y métodos fotográficos y se les atribuye la invención y el desarrollo de varios de ellos. Una de sus invenciones estéticas distintivas es la "teoría del golpe" (o "teoría del trazo"), que utiliza un elemento impactante para hacer una declaración fotográfica contundente. Otro avance fue el concepto de "mala fotografía", que los críticos llamaron el primer ejemplo de conceptualismo de la fotografía soviética. Algunas obras del KSOP se consideran experimentos únicos en la fotografía de la Unión Soviética, así como el comienzo de una revolución estética en la fotografía ucraniana.
El primer KSOP estuvo representado por el grupo Vremia, fundado en 1971 por Jury Rupin y Evgeniy Pavlov en el seno del Club de fotografía regional de Járkov y que más tarde se separó de él. El grupo estaba formado por otros miembros: Boris Mikhailov , Oleg Maliovany, Gennadiy Tubalev, Oleksandr Suprun, Oleksandr Sitnichenko y Anatoliy Makiyenko. En 1975, los miembros del grupo Vremia pasaron a formar parte de la junta directiva del Club de fotografía regional de Járkov y en 1975 o 1976, debido a su actividad artística radical, el Club de fotografía se cerró. No obstante, el grupo continuó de manera extraoficial y los miembros se mantuvieron en contacto.
Más tarde, se sumaron al movimiento los artistas de la siguiente generación. El grupo Gosprom (inicialmente llamado Grupo Kontakty: Misha Pedan, Sergey Bratkov, Volodymyr Starko, Igor Manko, Guennadi Maslov, Leonid Pesin, Kostiantyn Melnyk y Boris Redko) se dedicó a la fotografía documental ("straightphotography" o fotos espontáneas ). Entre otros artistas se encontraban Viktor Kochetov, Roman Pyatkovka , Sergiy Solonsky, Andriy Avdeyenko, Igor Chursin, Igor Karpenko y otros.
La última generación de KSOP incluye al Grupo Shilo (Sergiy Lebedynskyy, Vladyslav Krasnoshchok y Vadym Trykoz, así como Vasylysa Nezabarom y Yuliia Drozdek, quienes más tarde se convirtieron en miembros del Grupo BOBA), Bella Logachyova, Igor Chekachkov y Roman Minin.
Durante mucho tiempo, la fotografía de Járkov no se atribuyó a la ciudad ni a Ucrania y en los medios occidentales solo se la conocía como "fotografía soviética diferente" , pero hoy se la considera la escuela de fotografía ucraniana más fuerte, tanto durante como después de la era soviética. En 2018, se inauguró el Museo de la Escuela de Fotografía de Járkov, que incluye una editorial. El museo, dirigido por Sergiy Lebedynskyy, recopila y conserva obras de todas las generaciones de la KSOP, así como de otros artistas ucranianos e internacionales.
El movimiento de vanguardia ucraniano , y la actividad fotográfica en general, se desarrolló en la década de 1920 dentro del círculo de fotógrafos altamente estimado. Sin embargo, en la década de 1930, los acontecimientos políticos y sociales pusieron fin a cualquier experimentación en fotografía. [2] [3] En 1934, el realismo socialista fue aceptado como el principal estilo artístico en la Unión Soviética . [4] Con el desarrollo del totalitarismo , las tradiciones artísticas más antiguas fueron prohibidas y los fotógrafos se vieron obligados a documentar la realidad soviética ficticia. Retratar cualquier realidad que no fuera la perfección y tomar fotografías de ciertos lugares, eventos y objetos estaba restringido. Los temas prohibidos incluían desnudez, fumar, beber y enfermedad, entre otros. En general, la fotografía soviética sirvió a su ideología y "conceptos utópicos". La fotografía oficial se produjo y distribuyó bajo la supervisión del Partido Comunista . [3] [5] [6] [7]
La expresión "fotografía artística" no existía tal como la conocemos hoy en día, y la frase sólo se podía ver en las ventanas de los salones donde se hacían fotografías para pasaportes o conmemorativas. [6] En esa época, la fotografía se consideraba un pasatiempo más que un arte; los fotógrafos que no seguían las reglas, o incluso una persona que tuviera una cámara en la mano, podían ser encarcelados. [4] [8] [5] [9]
A partir de la década de 1940, los artistas soviéticos se vieron aislados del arte europeo y americano, y las únicas obras de arte "decentes" que los fotógrafos de Járkov podían ver eran las que se presentaban en las exposiciones de Moscú . [9] [10] La fotografía ucraniana experimentó un resurgimiento en el período del deshielo de Jruschov (mediados de la década de 1950 y mediados de la de 1960), [3] cuando los detalles del régimen y la propaganda de Stalin comenzaron a salir a la superficie lentamente en la sociedad soviética. A partir de este período, nuevas fuentes de información mostraron a la gente que la Unión Soviética no era tan perfecta como se la describía, e influyeron fuertemente en el desarrollo de la sociedad en su conjunto y del arte en particular. [5]
En los años 60 aparecieron diversas iniciativas culturales. El Movimiento Sixtiers empezó a luchar por establecer nuevas formas y expresiones de la realidad en el arte, recuperando las tradiciones de vanguardia. El éxito y la longevidad de los movimientos artísticos dependían completamente de los sindicatos alternativos y los "clubes" artísticos de la época, por lo que aparecieron rápidamente en todo el país. [11] [12] [13] Los sindicatos eran comunes para pintores, músicos y escritores; [4] los fotógrafos, por otro lado, solo tenían clubes de fotografía oficiales que actuaban como "sindicatos profesionales". [3] [14] [8] [9] En Járkov se desarrollaron rápidamente nuevos clubes de fotografía aprobados por el gobierno. Estos clubes eran parte integral de los movimientos profesionales y democráticos que se desarrollaban en la cultura de la ciudad y legitimaron el arte fotográfico. [3] [14]
Fue en Járkov donde el arte fotográfico “se hizo famoso” [6] . Boris Kosarev y Vasyl Yermylov , los conocidos representantes del movimiento de vanguardia de Járkov de la década de 1920, iniciaron una “nueva ola” de arte que dio lugar a acciones artísticas radicales. Los dos artistas y su actividad pedagógica en relación con el estudio de arte de Olesiy Shcheglov también desempeñaron un papel clave en la conexión de las tradiciones de vanguardia de la década de 1920 con los artistas más jóvenes de la década de 1960, y en la transmisión de los principios de vanguardia a las nuevas generaciones de artistas de Járkov, como Vagrich Bakhchanyan y Volodymyr Grygorov [15] .
En 1964, en el Palacio de Cultura de los Constructores de Járkov , Volodymyr Grygorov, un acuarelista y artista de vanguardia , abrió un estudio artístico de fotografía al que asistieron algunos de los miembros clave de la primera generación del KSOP. [9] [16] [17] Inspirado por la rápida formación de clubes [14] [18] se estableció la Escuela de Fotografía de Járkov, convirtiendo a Járkov en la capital de la fotografía ucraniana revivida. [9] [3]
El alcance de la influencia del arte soviético en la KSOP es objeto de debate. Según algunos, la KSOP negó todo lo relacionado con la Unión Soviética , buscó la libertad artística y trabajó como un grupo clandestino , a pesar de las fuertes restricciones en los métodos de fotografía diferentes de los estándares, una serie de lugares, objetos y sujetos prohibidos para fotografiar y frecuentes registros gubernamentales de espacios públicos y privados. [4] [19] Por otro lado, Misha Pedan, miembro de la KSOP, afirmó que incluso mientras creaban una estética que nunca había existido en la Unión Soviética ni en ningún otro lugar, los miembros de la KSOP seguían utilizando la realidad soviética como base. [20]
En 1965 se inauguró el Club de Fotografía Regional y dentro del club se formó el Grupo Vremia, un movimiento artístico no conformista que lo convirtió en uno de los centros de arte más importantes de Járkov. [18] [3] [21]
El Grupo Vremia fue fundado por Jury Rupin y Evgeniy Pavlov en 1971, y mostró el comienzo del renacimiento del modernismo en Járkov. [6] [22] [23] Los primeros miembros del grupo fueron Oleg Maliovany, Boris Mikhailov , Gennadiy Tubalev, Oleksandr Suprun y Oleksandr Sitnichenko; 18 meses después, se les unió Anatoliy Makiyenko. [22] [24] [3] [9] [25] El pintor Oleksandr Mishchan y el escritor Vasyl Mishchan, cuyos libros surrealistas fueron un ejemplo de la técnica única de " samizdat " de Járkov, eran cercanos al Grupo Vremia. [16] [26]
El Grupo Vremia buscaba una nueva estética. Experimentaron con temas y técnicas de impresión, tratando de luchar contra el estado de vida conservador y "gris" de la Unión Soviética . Se combinaron varias técnicas antiguas y nuevas para hacer fotografías. [6] [16] Según Evgeniy Pavlov, en una época en la que la fotografía y el arte se consideraban cosas separadas, la principal tarea del Grupo Vremia era "cerrar la brecha". [6] En la década de 1970, los fotógrafos de Járkov intercambiaron activamente su arte fotográfico con fotógrafos lituanos , compartiendo los lenguajes visuales de cada uno. [27]
En 1975, los miembros del Grupo Vremia se unieron a la junta directiva del Club de Fotografía Regional. Al gobierno no le agradaron sus tendencias vanguardistas, calificó su actividad de "incorrecta" y finalmente cerró el club en 1975 o 1976. [6] [9] [28] Sin embargo, el grupo continuó como una comunidad de artistas con ideas afines. Según un artículo, su compañerismo duró 10 años después del cierre del Club de Fotografía. [6] Otro artículo afirmaba que el Grupo Vremia dejó de funcionar como sindicato artístico en 1979. [9] Después de que el Grupo Vremia dejara de trabajar como sindicato, el espacio artístico de Járkov quedó en silencio hasta mediados de los años 1980. [9]
Con el declive de la ideología soviética en la década de 1970 y la expansión de la libertad de expresión a fines de la década de 1980, [29] la fotografía de Járkov comenzó a aparecer más públicamente [26] y a ganar reconocimiento internacional. Sin embargo, a pesar de su fuerte especificidad local, el éxito de la fotografía de Járkov no se atribuyó a la ciudad ni a Ucrania, y los medios occidentales solo la conocieron como "fotografía soviética diferente". [9] [6] [30] [13]
Durante la década de 1980, KSOP se desarrolló aún más y ganó una nueva generación de miembros: Viktor Kochetov, Roman Pyatkovka , Sergiy Solonsky, Andriy Avdeyenko y Leonid Konstantinov. [9] [31] [13] [4] A ellos se unieron Igor Chursin, Igor Karpenko y Oleksandr Papakitsa, quienes no pertenecían a ningún grupo de fotografía en particular y trabajaban en fotografía de estudio escenificada. [9]
Otros fotógrafos de KSOP comenzaron a reunirse en nuevos grupos fotográficos. El grupo llamado Kontakty (Misa Pedan, Volodymyr Starko, Igor Manko, Leonid Pesin, Boris Redko y Guennadi Maslov) se reunió primero en el Palacio de Cultura de los Constructores , donde trabajaron Maslov y más tarde Starko. En 1986, el grupo organizó una exposición allí y Starko fue despedido. Sergey Bratkov y Kostiantyn Melnyk se unieron al grupo algún tiempo después. Se tomó una foto grupal frente al edificio histórico de Gosprom en Kharkiv y el nombre del grupo cambió de Kontakty a Gosprom. La nueva generación utilizó los métodos de sus predecesores y creó los suyos propios. [20] [9] [31] [32]
A principios de la década de 1990, casi todos los miembros del grupo habían experimentado cambios drásticos en su vida: un cambio de estilo artístico, una nueva profesión o incluso un alejamiento de Járkov. [31]
A pesar de la deplorable situación social y económica de Ucrania tras el colapso de la Unión Soviética , la vida artística se desarrolló gracias a las iniciativas privadas de los fotógrafos. Por ejemplo, la primera sala de arte contemporáneo de Járkov, la galería "Up/Down", se inauguró y funcionó bajo la dirección de Serguéi Bratkov, Boris Mijáilov, Sergiy Solonski, Igor Manko e Igor Chursin entre 1993 y 1997. [33] Otra institución que desempeñó un papel importante en el desarrollo cultural de Járkov a finales de los años 1990 y principios de los 2000 fue la galería Palitra, organizada por Andriy Avdeyenko en 1996 y que a lo largo de los años albergó múltiples exposiciones de arte influyentes. [34]
Tras el colapso de la Unión Soviética, la fotografía ucraniana y rusa adoptaron prácticas occidentales . [35] KSOP se hizo conocida en todo el mundo representada por varios artistas ucranianos que obtuvieron reconocimiento global al mismo nivel que muchos profesionales internacionales. [36]
El KSOP siguió sumando nuevos miembros, como Bella Logachyova, Igor Chekachkov y Roman Minin. Uno de los representantes más conocidos del KSOP contemporáneo fue el trío fundador del Grupo Shilo (fundado en 2010): Sergiy Lebedynskyy, Vladyslav Krasnoshchok y Vadym Trykoz. Entre sus miembros también se encontraban Vasylysa Nezabarom y Yuliia Drozdek, quienes más tarde se convirtieron en miembros del Grupo BOBA. Uno de sus trabajos más conocidos es Finished Dissertation (2012), una nueva versión de Unfinished Dissertation (1984-1985) de Boris Mikhailov y un homenaje singular a la historia de la Escuela de Fotografía de Járkov. [26] [37] [38] [9] [4] El Grupo Shilo entrevistó al círculo de fotógrafos de Járkov, incluido Mikhailov, y utilizó su libro para su nuevo proyecto. [26] El Grupo Shilo es conocido por sus críticas a los procesos sociales en los países postsoviéticos . [39] Los proyectos fotográficos del grupo se han exhibido con éxito en todo el mundo. [27]
En la época del Grupo Vremia, la “Escuela de Fotografía de Járkov” se consideraba una simple “figura retórica”, pero hoy en día se la acepta como algo más que un “mito” de la fotografía ucraniana. [26] Hoy en día, la KSOP se considera “la escuela de fotografía más fuerte de Ucrania, tanto durante como después de la época soviética”. [8]
Una parte del Museo de la Escuela de Fotografía de Járkov (MOKSOP) se abrió al público en 2018. [40] [1] En 2020, el edificio principal del museo todavía está en construcción, pero tiene un sitio web oficial y un archivo de colecciones. [27] A pesar del nombre, el museo se centra no solo en la preservación y presentación del trabajo de KSOP, sino también en recopilar fotografías de nuevas generaciones de fotógrafos de Járkov y otros artistas ucranianos e internacionales. El fundador y director del museo es el fotógrafo Sergiy Lebedynskyy. El personal del museo, entre ellos Oleksandra Osadcha y Nadiia Bernard-Kovalchuk, publica investigaciones sobre fotografía. [40] [27]
A medida que la primera generación de fotógrafos de Járkov llega a la vejez, el personal del museo trabaja para capturar su historia y actividad mientras aún es posible recopilar sus recuerdos, experiencias y obras de primera mano. [27] MOKSOP lanzó un proyecto destinado a crear y publicar una colección de libros de fotografías de fotógrafos ucranianos. Para lograrlo, se estableció una editorial dentro del museo. El proyecto fue calificado como "uno de los eventos más intrigantes de 2018 en todo el ámbito de la fotografía postsoviética ", por Alnis Stakle, fotógrafo letón, curador del Riga Photomonth y profesor de fotografía en la Universidad Rigas Stradins. [41] [40]
El primer libro publicado por MOKSOP fue KOCHETOV , de padre e hijo Viktor y Sergiy Kochetov, representantes de KSOP. El libro fue impreso como una colección de fotografías con dibujos en color más los recuerdos de Viktor Kochetov de su carrera desde la década de 1970 hasta la década de 2000. [40] [42] [41] [43] A partir de 2020, se está publicando el primer análisis completo de la actividad de la escuela: una monografía de Nadiia Bernard-Kovalchuk, llamada Escuela de fotografía de Járkov: jugando contra el aparato . [27]
Considerada como uno de los movimientos más notables del arte ucraniano durante la era soviética , [1] la Escuela de Fotografía de Járkov se originó en la década de 1970 como un fenómeno artístico clandestino no conformista. Sus dogmas y métodos artísticos apuntaban a luchar contra las tradiciones soviéticas y la propaganda común , que se incorporaron a la fotografía a través de las doctrinas y métodos fotográficos dictados por el estilo artístico del realismo socialista . [4] [3] [40] [19]
El realismo socialista, adoptado oficialmente como "el único método verdadero" del arte soviético en 1934, tenía como objetivo suprimir los principios del movimiento de vanguardia de la década de 1920 y la libertad de expresión en el arte, y fue considerado uno de los primeros signos de represión en la Unión Soviética . La influencia propagandística sobre los artistas de diferentes campos artísticos promovió una representación modificada de la realidad (o "una representación y glorificación simplificada y cuasioptimista de la realidad soviética"). Debido a los principios del realismo socialista y la severa censura del gobierno, los fotógrafos soviéticos tenían un rango de expresión muy limitado, retratando solo aspectos "bellos" de la realidad soviética. [4]
Los primeros miembros de la Escuela de Fotografía de Járkov (el Grupo Vremia), atados a los dogmas del realismo socialista, a veces luchaban contra ellos y a veces los modificaban, incorporándolos a su arte; pero en lugar de mostrar una realidad paradisíaca, se centraron en cambiar la fotografía. Intentaron mostrar la realidad tal como era, incluidos los problemas sociales y la crueldad de la vida. Según Roman Pyatkovka , uno de los representantes de la KSOP, la estética de los fotógrafos de Járkov dependía en gran medida de la confrontación de los artistas con las reglas bien establecidas de la época, desafiando el deseo del gobierno de censurar y controlar la actividad artística. En busca de una nueva expresión artística, mostraron destellos tras bastidores de la "fachada ideológica" soviética creada por el realismo socialista común. [4] [51] [22] [8] [9]
La ciudad de Járkov es conocida por su fuerte tradición vanguardista . [51] Por ejemplo, la escuela artística de la ciudad, que más tarde se convirtió en un instituto, fue considerada "el último refugio de la vanguardia soviética". [58] La mansión de Járkov "Krasnaya polyana" fue percibida como el centro del arte de vanguardia a principios del siglo XX, ya que artistas como Velimir Khlebnikov , Vladimir Mayakovsky , Boris Pasternak , Vasyl Yermylov , Boris Kosarev y otros vivieron y trabajaron allí. El estilo de vanguardia floreció en varias formas en Járkov, incluido el constructivismo arquitectónico representado por el edificio Gosprom conocido mundialmente y el conceptualismo , que se centró en conectar imágenes y palabras en el arte. La disertación inacabada , de Boris Mikhailov , es uno de los proyectos de arte conceptualista más conocidos de la primera generación de artistas de KSOP en el mundo. [58] [18]
A pesar de que los miembros de KSOP creían que su fotografía artística no dependía de ninguna historia o tradición, hoy su trabajo se considera una extensión del estilo de vanguardia muy popular en la década de 1920. [22] [51] [3] [58] [67]
Las tradiciones de vanguardia se transmitieron a través de una cadena de relaciones entre profesores y alumnos, que comenzó con la actividad artística de vanguardia de Vasyl Yermylov y Boris Kosarev (y de varios otros artistas de su generación) a principios del siglo XX. Ellos transmitieron su experiencia a las nuevas generaciones de artistas, que utilizaron métodos y reglas de vanguardia desde 1950 hasta 1990. [58] [68] Uno de sus estudiantes, Volodymyr Grygorov, supervisó a algunos de los creadores clave de la primera unión artística KSOP. [69] [70]
Pequeños detalles indicaban que los artistas de KSOP eran vanguardistas, como un símbolo de un búho (un signo que está conectado con la historia de vanguardia de Járkov y utilizado por el Grupo Vremia); o nuevos métodos de fotografía, que hacían referencia a ideas futuristas de principios del siglo XX. [71] Las tradiciones de vanguardia todavía se pueden rastrear claramente en el arte de la nueva generación de artistas de Járkov en la década de 2000, que siguen experimentando y utilizan las plataformas de redes sociales para llevar la conexión entre la imagen y el texto a un nuevo nivel. [58]
La Escuela de Fotografía de Járkov es conocida por sus experimentos extremos con técnicas y métodos fotográficos. [1] [40] Desarrollando principios de vanguardia y navegando en torno a los dogmas del realismo socialista , los miembros del Grupo Vremia inventaron su propio lenguaje visual y utilizaron la ironía en su arte [1] [40] [4] [72] —esta última considerada un componente importante de la escuela de Járkov. [64]
Ampliando prácticas más antiguas ( montaje , collage y otras), los fotógrafos de Járkov idearon las técnicas, métodos y principios que hoy se consideran sus invenciones distintivas. [73] [4] Una de las innovaciones clave de la primera generación, la "teoría del soplo" (o "la teoría del trazo" [6] ), implicaba que la fotografía necesitaba transmitir una declaración fuerte, y un elemento impactante era la única forma de lograr un impacto artístico. [4] [30] [65]
A Boris Mikhailov , uno de los líderes de la fotografía artística de Járkov y uno de los fotógrafos clave de la ex Unión Soviética , [52] [74] se le atribuyen varias invenciones en fotografía. [4] El método de superposiciones (a veces llamado superposiciones o sándwiches ) implicaba superponer dos fotogramas de película de diapositivas en color y proyectarlos en una pantalla como una presentación de diapositivas , o imprimirlos en papel fotográfico en color. Creó la oportunidad de utilizar varias combinaciones de fotos diferentes con detalles limpios y precisos. Otra invención de Mikhailov, el concepto de "mala fotografía", se centró en la creación de fotos en blanco y negro defectuosas, a menudo desenfocadas o con poco contraste (principalmente debido a la falta de equipo fotográfico de calidad profesional [9] ). Fue creado en oposición a la "narrativa optimista" de la Unión Soviética, como una forma de criticar las ideas soviéticas de retratar la vida real. Más tarde, algunos críticos llamaron a este concepto "el primer ejemplo de conceptualismo en fotografía en la URSS ". Mikhailov también utilizó la técnica lurik , que incluía retoques , ampliaciones, coloreado a mano y montaje de una imagen o varias imágenes. [4] [5] Fue gracias a su asociación con el artista moscovita Ilya Kabakov y el sindicato Ermitazh que apareció el " sots art " fotográfico . [30] [26]
Su colaboración también dio origen al movimiento de los libros de arte , método que resurgió y ganó reconocimiento en la década de 2010. [75] [26]
Los libros de fotografía de Mikhailov, que aparecieron en la década de 1980, fueron otra contribución significativa al arte conceptual de esa época. [75] Su Tesis inacabada de 1985 , en particular, fue considerada un desafío artístico. Sus libros se convirtieron en nuevos referentes estéticos y un lugar para presentar el manifiesto de los movimientos artísticos underground de Járkov . Mostraban la vida personal de las personas, enfermedades, relaciones, secretos familiares y otros temas poco comunes en el arte de la época. Los libros también ilustraban una variedad de aspectos del modernismo de Járkov , como el concepto de "nuevo documental" y conceptos artísticos introducidos en la interpretación de Jacques Derrida del parergon ( concepto filosófico griego antiguo ) y en el libro Mitologías de Roland Barthes . El concepto de "nuevo documental" fue presentado por Mikhailov como un nuevo método artístico de "ajuste silencioso" e implicaba que las nuevas fotografías debían parecer antiguas desde el momento en que se tomaban. [76] [26]
La técnica de la equidensitometría era la especialidad de otro miembro del Grupo Vremia, Oleg Maliovany. Hoy en día, este método se puede lograr utilizando un filtro de Photoshop , pero en la década de 1970, requería un proceso técnico complicado y un trabajo manual especializado para lograr una "realidad 'no fotográfica' en una foto". [4] [30]
No todos los métodos KSOP eran completamente nuevos; algunos de ellos eran técnicas antiguas reinventadas. Por ejemplo, la coloración manual de imágenes en blanco y negro existía en la década de 1920 para colorear postales, y las fotografías de estudio de la Unión Soviética se coloreaban a mano o se tonificaban químicamente hasta la década de 1960 o 1970. Sin embargo, la coloración manual de fotografías en blanco y negro se hizo ampliamente conocida como otra nueva decisión conceptual de la fotografía de la década de 1970. [4]
El fotomontaje también fue ampliamente utilizado por diferentes artistas entre los años 1920 y 1960, y aunque este método no fue inventado por los fotógrafos de Járkov, sí lo dominaron y añadieron sus propios trucos. Un ejemplo muy conocido fue el montaje "Primavera en el bosque (Lirios del valle)" (1975) de Oleksandr Suprun, en el que el mismo fragmento de flor se utilizó 51 veces. Más tarde, Evgeniy Pavlov dominó el arte del fotomontaje utilizando fotos en blanco y negro con coloración y rayado manual. [4] Otra técnica de Járkov ampliamente discutida por los críticos del extranjero fue el método de los "puntos ciegos", que se utilizó para cubrir las declaraciones agudas de los autores y en oposición a la "estética transparente" promovida por los funcionarios del país. [77] [78]
La combinación de varias técnicas era algo habitual en los fotógrafos de Járkov. Evgeniy Pavlov experimentó con esto para su proyecto Total Photography de 1994 ; utilizó todas las técnicas que conocía para demostrar que cualquier fotografía puede convertirse en una obra de arte. [4] [79]
A mediados de los años 1990, miembros de la KSOP como Boris Mikhailov y Evgeniy Pavlov experimentaron con la mezcla de fotografía y pintura. Descubrieron que la combinación de dos formas de arte permitía una mayor libertad artística. [80] [81]
Una tendencia establecida por los fotógrafos de Járkov fue el arte de "múltiples autores", que superponía obras de diferentes fotógrafos. Se utilizó en Luriki de Mijailov , en las obras del Grupo de Reacción Rápida (integrado por Boris y Vita Mijailov, Sergiy Solonsky y Sergei Bratkov) y en las obras de Evgeniy Pavlov y Volodymyr Shaposhnikov. [26] [82] [47]
Oleg Maliovany, del grupo Vremia, se convirtió en uno de sus miembros y sus fotomontajes se hicieron notar en el extranjero. Las "superposiciones" de Mikhailov y los fotomontajes de Suprun también se consideraban obras de arte soviéticas únicas por su novedad y sus efectos grotescos y dramáticos. [30] Se considera que su colega, Sergiy Solonsky, que utilizó ampliamente el fotomontaje en los años 80 y 90, inició una revolución estética en la fotografía ucraniana. [4]
La siguiente generación de KSOP trabajó como artistas independientes o se reunió en nuevos grupos para desarrollar y diversificar los temas y técnicas de la fotografía. [4] [30] [9] Roman Pyatkovka , que se unió a la escuela de Járkov en la década de 1980, utilizó técnicas comunes de KSOP en su proyecto Fantoms of the 30s , dedicado a la Gran Hambruna de 1932-1933 en Ucrania . En este proyecto fotográfico, Pyatkovka utilizó la reproducción múltiple de imágenes con rasguños a mano. En su serie The Games of Libido (1995) también inventó una nueva técnica llamada "fotomontaje negativo": pegó negativos en blanco y negro sobre una placa de vidrio e imprimió la foto mientras el pegamento corroía la película, produciendo un nuevo efecto visual. Otro artista no alineado, Viktor Kochetov, desarrolló la técnica de colorear fotografías a mano a través de un "enfoque brutal y sin concesiones", aplicando color a sus imágenes originalmente en blanco y negro. [4] [30]
El grupo Gosprom (que debe su nombre a uno de los edificios históricos de Járkov [83] ) se inspiró en sus predecesores y desarrolló la fotografía de Járkov en diferentes géneros. El grupo Gosprom desarrolló la fotografía documental y el método de "fotografía directa" (o fotos espontáneas ). [4] [30] [9]
Un miembro del grupo Gosprom, Volodymyr Starko, trabajó exclusivamente en fotografía en blanco y negro y evitó recortar sus imágenes. Otro miembro, Misha Pedan, desarrolló aún más el estilo documental del grupo en su proyecto "Stereo_types" de 2011, en el que combinó imágenes emparejadas. [4] Su colega, Sergey Bratkov, trabajó en fotos que conectaban "brutalidad y ternura, comedia y tragedia", que a menudo se consideran características principales de la Escuela de Járkov. En su obra Chapiteau Moscow , Bratkov fusionó fotografías en collage , creando imágenes nuevas y surrealistas con significados en capas. A menudo ignoraba las reglas comunes de la fotografía, como usar un foco central o prestar atención a la luz y las sombras. [84]
En la década de 1990 aparecieron otros métodos del KSOP, como el "nuevo fotomontaje ucraniano", los libros de fotografía, el arte social, la fotografía conceptual, tachista y neoprimitiva , entre otros. [75] [26]
La tercera ola de artistas de la KSOP fue el Grupo Shilo, formado en 2010. El grupo se inscribió en la historia de la KSOP al rehacer el proyecto de libro de arte Disertación inacabada de Mikhailov , titulándolo Disertación terminada (2013). [4] [26] La historiadora del arte Tetiana Pavlova definió Disertación terminada como un "objets trouvés" o género de objetos encontrados . [26]
El Grupo Shilo también se inspiró en el legado de Boris Mikhailov, la estrecha comunicación con los autores de diferentes generaciones y la tradición de acción colaborativa en la fotografía de Kharkiv, presentada por el Grupo Vremia, el Grupo Gosprom y el Grupo Fast Reaction. Desarrollaron el método del Grupo Gosprom y agregaron el uso de la técnica de impresión litográfica . [4] [85]
El grupo hizo que sus proyectos fueran más intensos y directos en términos de contexto, textura de color y diálogo con el espectador. Los miembros del Grupo Shilo conservaron el "dualismo" del arte de sus predecesores, pero lo invirtieron: mientras que los "puntos ciegos" cubrían las agudas declaraciones de la primera generación con respecto a la ideología o la propaganda bajo capas más sutiles, la generación más joven puso sus agudas declaraciones en la superficie, con temas más "ingenuos" debajo. [26] Su trabajo se basa en gran medida en Járkov y sus artistas, incluidos fotógrafos de generaciones anteriores y tiene fuertes contextos sociales y políticos. [26]
Sergiy Lebedynskyy, miembro actual del Grupo Shilo, trabaja con equipos y técnicas antiguas. Sus fotografías del proyecto Arabat Spit/Healing Muds fueron tomadas con una cámara panorámica de fabricación soviética, con película soviética obsoleta e impresas en papel fotográfico soviético. [39]
A menudo asociado con toda la ola de arte postsoviético, Mikhailov es considerado el artista/fotógrafo contemporáneo ucraniano más conocido y uno de los fotógrafos clave de la ex URSS . [51] [52] [24] [58] [63] [5] Representante del Grupo Vremia, a Mikhailov se le atribuye la creación de "todo un período en la historia de la fotografía" [86] y la generación de múltiples métodos e ideas nuevos para la nueva estética fotográfica. [64] [4] Fue vigilado de cerca por la KGB , despedido de sus trabajos varias veces y casi encarcelado por su arte. [5] [87]
La fotografía de Mikhailov comenzó a aparecer en el extranjero en la década de 1980, y pronto la Escuela de Fotografía de Járkov se hizo conocida a nivel internacional. [64] [41] Durante la década de 1960 a 1980, Mikhailov creó varios proyectos fotográficos conocidos, como Yesterday's Sandwich , Luriki y Red Series , [5] [24] pero los dos que lo convirtieron en un artista reconocido mundialmente fueron Case History (publicado como libro en 1999) y Unfinished Dissertation , que figura entre los 10 mejores libros de fotografía del mundo. El proyecto fotográfico Case History , considerado el trabajo más controvertido de Mikhailov, fue creado al borde de las bellas artes y la fotografía documental . Retrata el colapso de la URSS y su influencia en la vida de la sociedad de Járkov a través de fotografías de personas sin hogar. [52] [86] [51] [63] [88] Las fotografías de la historia del caso se convirtieron en el trabajo característico de Mikhailov, exhibidas varias veces en museos y galerías internacionales progresistas, [51] y el trabajo de Mikhailov en general se considera un clásico de la fotografía mundial. Sin embargo, la sociedad ucraniana todavía no comprende ni aprecia realmente su arte y lo rechaza. [19] [24] [64] Aunque Mikhailov emigró a Alemania, a menudo visita Ucrania por asuntos personales y públicos, como trabajar en proyectos, dar conferencias o participar en exposiciones. [51] [64] [24]
Las obras de Mikhailov se exhiben de forma permanente en el Museo Metropolitano de Arte (Nueva York), el Museo Ruso (San Petersburgo), el Museo Nacional de Arte Japonés (Osaka) y muchos otros museos de arte moderno en Ámsterdam, Hannover, París, Venecia, Boston, Cracovia, Múnich, etc. En 2018, la Tate Modern (Londres) dedicó una sala de exposiciones independiente a su obra. Mikhailov es el único ucraniano que ha recibido el Premio Internacional de Fotografía de la Fundación Hasselblad (2000). Entre sus otros premios se encuentran el Premio de la Fundación de Arte Contemporáneo Coutts (1996), el Premio de Fotografía del Banco Privado Citibank (2001), el premio de arte de la Corporación Generalsatellite (2003) y el premio Kaiser (2015). En 2008, se convirtió en miembro de la Academia de Artes Visuales de Berlín. [64] [63] [5] [86] [1]
Sergey Bratkov, uno de los "discípulos" de Mikhailov, fue conocido como "uno de los representantes más prometedores" de la Escuela de Kharkiv durante sus años de formación [35] y más tarde se convirtió en uno de los clásicos de la fotografía más conocidos de Ucrania y Rusia con sus obras exhibidas en Bélgica, Estados Unidos, Suiza, España, Francia y Alemania. [89]
Bratkov comenzó su trayectoria artística a principios de los años 80, combinando muchos géneros artísticos, en particular la fotografía y la pintura, y más tarde añadió el cine a la mezcla. Comenzó a pintar profesionalmente en 1989 [89] [90] y al mismo tiempo trabajó en collages de fotos , coloración a mano y otras técnicas de transformación de fotografías. En 1993, cofundó y trabajó activamente en el Grupo de Reacción Rápida con Boris y Vita Mikhailov, Sergiy Solonsky. [89] [91]
Combinando sus intereses artísticos en varios proyectos y performances, creó proyectos notables: The Cupboard (We All Eat Each Other , 1991), que consistía en fotografías colocadas dentro de frascos de vidrio llenos de agua o aire; The Parcel , donde Bratkov colocó fotografías en una losa de hormigón; y The Frozen Landscapes (1994), creado como homenaje a 45 personas sin hogar de Kharkiv que murieron congeladas. [90]
En 2000, Bratkov se mudó a Moscú, donde pronto se hizo reconocido y discutido por su serie de fotografías Kids . [35] En 2007, representó a Ucrania en la Bienal de Venecia y en 2010, Bratkov recibió el premio de arte contemporáneo "Innovación" de Rusia por una instalación de video. [35] [89]
Bratkov nunca limitó sus temas, tomando fotos de mujeres soldados, hombres de negocios, marineros, borrachos y prostitutas, y otras personas de cualquier edad, género o estatus social. [35] [89] A fines de la década de 2000, de fotografiar héroes separados, como los llamaba, Bratkov transfirió su atención a fotos grupales y grandes multitudes de personas explorando la sociedad postsoviética. Esta tendencia fue claramente rastreable en varios de sus proyectos, incluido "Chapiteau Moscow" en 2012. [91] [92] Otro trabajo que exploró y analizó la realidad soviética y postsoviética, así como la cuestión de la identidad, fue la serie fotográfica "Empire of Dreams", creada en 1988 y reinventada en 2016-2017. En 2017, la serie fue nominada al Premio Nacional Shevchenko . [93]
Junto con Mikhailov, Pavlov ayudó a convertir la Escuela de Fotografía de Járkov en un fenómeno del arte contemporáneo. Su trabajo se ha exhibido en los EE. UU., Alemania, Francia y Japón. [6] [62] A Pavlov le gustaban más las tecnologías fotográficas antiguas que las modernas; a partir de 2018, nunca había probado la fotografía digital y se mantuvo fiel al proceso cinematográfico. Pavlov dejó la fotografía durante algún tiempo para perseguir su interés por el cine, pero regresó a la fotografía en 1981. En 1988, presentó el proyecto Archive Series . Pavlov trabajó con collage y retoque de color ; su proyecto Total Photography combinó esas técnicas. En un lapso de cuatro años (1990-1994), Pavlov creó 100 fotos para el proyecto. Más tarde, Pavlov estudió la pintura de fotografías y trabajó con un pintor, Volodymyr Shaposhnikov. Según Pavlov, su último trabajo conjunto, El segundo cielo , "resumió" sus trayectorias profesionales soviéticas. [6] [79]
De joven, Pyatkovka dejó su trabajo bien pagado como director de diseño de iluminación en el Teatro de Jóvenes Espectadores de Járkov para trabajar en el taller de fotografía de una fábrica de Járkov inspirado en Maliovany, Mikhailov y Pavlov. [9] A partir de 2020, Pyatkovka es profesor de Comunicaciones de Medios en la Universidad Nacional de Járkov , cofundador de la Unión Nacional de Fotógrafos Ucranianos y coordinador de la unión artística Alternativa Fotográfica Ucraniana. Fue nombrado Mejor Fotógrafo Conceptual del Año en el Sony World Forum 2013. Algunas de las obras de Pyatkovka forman parte de colecciones del Museo de Fotografía Moderna (Chicago, EE. UU.), el Museo Ken Dame ( Brescia , Italia) y Artothek ( Núremberg , Alemania). [65]
Este artículo está basado en el texto donado por el Instituto Wenard bajo licencia CC-BY-4.0.