Judith Shea es una escultora y artista estadounidense, nacida en Filadelfia, Pensilvania, en 1948. Se licenció en diseño de moda en la Parsons School of Design en 1969 y obtuvo allí su licenciatura en Bellas Artes en 1975. Esta doble formación formó la base de sus obras basadas en figuras. [1] [2]
Su carrera ha tenido tres fases distintas: el uso de formas de tela y ropa desde 1974 a 1981; el uso de formas de ropa-figuras huecas de metal fundido desde 1982 hasta 1991; y la creación de estatuas de figura completa talladas en madera, tela, arcilla, espuma y cabello desde 1990 hasta el presente. [3] [4] [5]
Su primera presentación en la ciudad de Nueva York fue en la sala de proyectos de la galería CLOCKTOWER de Alanna Heiss en abril de 1976. En una performance basada en la teoría del color, hizo un espectro completo de camisas y pantalones de seda transparente. La bailarina Juliette Shen, cambiándose de ropa bajo la dirección de Shea, agregó y quitó capas, mezclando nuevos colores en vivo en la seda transparente. Hubo cinco actuaciones en tres días. Su trabajo luego viajó por el país, apareciendo en exhibiciones de museos y festivales de arte. [6] [7] En la Bienal Whitney de enero de 1981 , Shea mostró tres formas simples colgadas en la pared que evocaban ropa icónica de sus años de infancia: un abrigo negro, "I LIKE IKE", y dos vestidos tubo simples, "INAUGURAL BALL" y "EXEC. SEC'Y". Cinco obras relacionadas se incluyeron en la encuesta Directions 83 de Hirshhorn. Para Shea, estas obras evocan una presencia humana a través de la ropa.
Con el apoyo de las becas de la NEA en 1984 y 1986, Shea comenzó a fundir sus figuras en hierro y bronce, lo que le permitió trabajar de forma más tridimensional. [8] [9] La beca de 1986 también le ofreció un intercambio francés, y Shea fue a París para estudiar las estatuas de sus parques y jardines. Esta investigación dio lugar a varias composiciones de figuras huecas de la década de 1980 diseñadas para ser ubicadas en espacios públicos, como Eden 1986 (John Hancock Tower, Chicago), Shepherd's Muse 1988 (Oliver Ranch), Shield 1990 (Sheldon Museum of Art), Without Words 1988 (Walker Art Center) y "Post-Balzac" 1990 (Hirshhorn Museum and Sculpture Garden). [10]
Shea , que en 1987 fue artista residente en Kutztown (Pensilvania) , [11] fue contratada para una residencia en 1989 en Chesterwood, el estudio de verano de Daniel Chester French en Stockbridge (Massachusetts), donde había trabajado en su monumento conmemorativo a Lincoln. Entonces comenzó a tallar en madera lo que ella denominó monumentos y estatuas irónicas. Una muestra de estas obras en la galería Max Protetch de Nueva York en marzo de 1993 se tituló "Todo sobre Adán y Eva". En un artículo de la revista Art in America de esa primavera, el autor Brooks Adams se refirió a ellas como "los antimonumentos de Shea". Se incluía una estatua ecuestre de pino del norte blanco de un hombre de gran tamaño, de mediana edad y teñido de blanco, montado a horcajadas sobre un caballo de granja de tamaño pequeño y muy trabajado, teñido de blanco. Para significar el fin de la tradición cultural de quién es el héroe de nuestros monumentos conmemorativos, Shea tituló la obra "No más monumento".
En 1994, el Public Art Fund patrocinó la instalación de Shea, The Other Monument (El otro monumento) . Este monumento ecuestre de madera representaba a un hombre negro libre montado en un caballo negro. Estaba situado en la plaza Doris Freedman, en la calle 60 y Central Park, justo al norte del monumento a la victoria de la Unión de Augustus Saint-Gaudens, de la época de la Guerra Civil, una figura ecuestre dorada del general William Tecumseh Sherman. Dos años antes, Shea había recibido la beca Saint Gaudens. Influenciada por su investigación sobre las obras de Shea sobre la Guerra Civil, Shea se dio cuenta de que en ese momento no había monumentos figurativos a la otra victoria de la Guerra Civil estadounidense: la Emancipación. Esta era su ofrenda del monumento que faltaba. [12]
Tras varias becas en el extranjero, entre ellas una residencia de la Fundación Rockefeller en Bellagio (Italia), la beca Rome Prize Fellowship de la Academia Americana en Roma y la residencia Lila Wallace–Reader's Digest Artist's Award en Oaxaca (México), Shea comenzó en 2000 un grupo de obras que tratan de la figura imaginada como personaje e icono. [13] Este trabajo preparó el terreno para la evolución de su siguiente gran conjunto de obras, al que tituló Judith Shea: Legacy Collection . El tema de la Legacy Collection era la experiencia de primera mano de la artista del 11 de septiembre: vive muy cerca de lo que se convirtió en la Zona Cero del sitio del World Trade Center. En esta respuesta muy personal, Shea diseñó un grupo de figuras similares a maniquíes, como si estuvieran colocadas en las ventanas de la tienda Brooks Brothers justo enfrente del sitio ese martes. Miran hacia el cielo, elegantes en fieltro gris, cubiertas de polvo y escombros. Shea ha escrito sobre ellos: "Me impresionó esta yuxtaposición única, la imagen elegante de Success - American Style, frente a este espectacular intento de derribarlo, con solo el escaparate intacto entre ellos". Varias obras de la serie Legacy Collection han sido adquiridas por la Galería de Arte de la Universidad de Yale en New Haven.
En 2012, Shea organizó una exposición por invitación del Museo de la Academia Nacional. De su colección, eligió retratos y autorretratos de miembros femeninas de la Academia desde 1858 hasta 1971. En un recorrido en video por la exposición, titulado "Su propio estilo: la mirada de una artista con Judith Shea", Shea interpretó lo que vio como la autodescripción muy personal que cada mujer hizo en su autorretrato. Contaba lo que le importaba como artista y cómo quería ser vista en la historia. Shea hizo retratos escultóricos adicionales para la muestra de tres de sus escultores figurativos favoritos: "Louise Monument" (Bourgeois), "Elizabeth Tribute" (Catlett) y "Marisol". [14]
La obra de Shea está incluida en las siguientes colecciones públicas: