Joe Scanlan (nacido el 21 de noviembre de 1961) es un artista y educador estadounidense. [1]
Scanlan nació en Columbus, Ohio . Tiene una licenciatura en Bellas Artes (1984) en Escultura del Columbus College of Art and Design . [2]
Scanlan fue subdirector de The Renaissance Society de 1987 a 1994. [3] Después de mudarse a la ciudad de Nueva York en 1995, fue nombrado profesor asistente y, más tarde, profesor asociado en el Departamento de Escultura de la Universidad de Yale (2001-2009). [4] Fue nombrado profesor de arte en la Universidad de Princeton en 2009, [5] donde se desempeñó como director del Programa de Artes Visuales de 2009 a 2017. [6] Continúa enseñando una amplia gama de cursos en Princeton, desde un seminario de primer año titulado Arte contemporáneo y el aficionado hasta un estudio interdisciplinario avanzado titulado Procesos extraordinarios. [7] [8]
Scanlan abandonó la escuela de posgrado en 1986, pero permaneció en Chicago durante la siguiente década como parte de un grupo de jóvenes artistas y críticos que querían expandir los tipos de arte que se hacían y discutían en la ciudad, entre ellos Theaster Gates , Gaylen Gerber, Michelle Grabner , Hudson, Jin Lee , Kerry James Marshall , Hirsch Perlman , Dan Peterman , Kay Rosen , David Sedaris y Tony Tasset . [9] Entre sus exposiciones más importantes se encuentran su primera exposición individual, Fairly Recent Work , en la Robbin Lockett Gallery; [10] I, Myself, and Others en Le Magasin, Grenoble; [11] y Documenta 9 en Kassel, Alemania. Sobre Documenta 9, el crítico de arte del New York Times Michael Kimmelman escribió:
Y, sin embargo, si se resta importancia al arte político, la estética no es un principio rector. Por cada obra tan cautivadora y conmovedora como la instalación de video de [Gary] Hill que muestra figuras fantasmales que se acercan y se alejan del espectador, hay numerosas piezas visualmente adormecedoras como la sección del piso de un baño de Joe Scanlan. (Si contamos las obras de Scanlan y [Mike] Kelley, los azulejos de Wim Delvoye decorados con imágenes de excrementos, la reconstrucción de un baño público soviético de [Ilya] Kabakov y el pissoir de Attila Richard Lukac, el motivo más dominante de la muestra puede muy bien ser el inodoro.) [12]
Scanlan se mudó a la ciudad de Nueva York en 1996, donde sigue viviendo. Fue representado por D'Amelio Terras y realizó tres exposiciones individuales allí entre 1996 y 2002, incluida una muestra fundamental titulada Invention , que trataba sobre el consumo, el deseo, la identidad y la muerte. [13]
Scanlan dejó D'Amelio Terras en 2002 para crear su propio punto de venta comercial, el sitio web thingsthatfall.com. El lanzamiento del sitio web coincidió con una serie de exposiciones en Europa que profundizaron en temas planteados en la muestra Invention . Pay Dirt (2002) fue un proyecto específico para un sitio encargado por la Ikon Gallery , Birmingham, Inglaterra, en el que Scanlan buscó, obtuvo y promulgó la Patente de Utilidad de los Estados Unidos N.° 6.488.732, un proceso para convertir los desechos de los consumidores en tierra viable para macetas. El proyecto era una sátira sobre las fantasías de enriquecimiento rápido del auge de las puntocom, el acaparamiento de propiedad intelectual y la floreciente industria de la minería de datos. [14] Entropy For Sale (2005) fue una exposición en la Galerie Micheline Szwajcer, Amberes, que retomó el tema de la entropía del artista estadounidense Robert Smithson para cuestionar cómo todo tipo de colapso, destrucción, desastre y caída se estaban convirtiendo en fuentes de inspiración y ganancias empresariales. La exposición causó una pequeña controversia cuando la galería retiró el comunicado de prensa de la muestra, escrito por el artista, porque sentían que su lenguaje era demasiado incendiario. [15]
Destrucción creativa, vendedor ambulante, economía circular (2008) en la Galerie Martin Janda, Viena, continuó la investigación de Scanlan de lo que se ha dado en conocer como capitalismo del desastre . [16] La exposición presentó El vendedor ambulante , una obra de arte conceptual en forma de una mesa de mercado plegable equipada con cámaras que contenían los productos del artista; Economía circular , una animación producida en colaboración que representa un bucle corto de objetos de consumo que se transforman en otros objetos de consumo; y El proceso de destrucción creativa en acción , una instalación del tamaño de una sala del ensayo clásico de Joseph Schumpeter El proceso de destrucción creativa alterado y editado cromáticamente para aplicarlo al arte contemporáneo. [17] [18]
Desde el año 2000, Scanlan ha concebido y representado cuatro ficciones en tiempo real de entidades arquetípicas del mundo del arte: la tienda, la pequeña prensa, el joven artista de moda y la fundación de artistas sin fines de lucro.
Store A fue la dirección del estudio de Scanlan en Brooklyn desde 1997 hasta 2002, que también funcionó como una serie de espacios comerciales temporales en contextos de arte contemporáneo. La primera plataforma fue en D'Amelio Terras en 1999, [19] seguida por iteraciones en Brujas, Amberes, Luxemburgo, Viena, París y Villeurbanne. [20] [21] Store A culminó en la exposición Passing Through (2007-08) en Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (K21) en Düsseldorf, en la que K21 encargó un pabellón modular flexible inspirado en el estudio original del artista en Brooklyn. A lo largo de dieciocho meses, la estructura se transformó lentamente y circunnavegó el jardín de invierno del piso superior del museo mientras una serie de exhibiciones y exhibiciones de tiendas en evolución se desarrollaban dentro de sus paredes. [22]
Commerce Books comenzó como el brazo editorial de Store A y, más tarde, de Thingsthatfall. Su primer número fue una parodia de la revista October Magazine titulada Commerce que imitaba el estilo académico de la legendaria publicación del MIT e incluía una lista de cinco editores, tres de los cuales eran anagramas de "Joe Scanlan" (Neal Jac[k]son, Anna Lojecs y Jane C. Sloan) y el cuarto de los cuales era Töte Winkel (que en alemán significa "punto ciego"). El quinto editor fue Donelle Woolford. [23] Commerce ha publicado diecinueve números hasta ahora, muchos de los cuales fueron inventados bajo la apariencia de editores ficticios o artistas y escritores de la vida real, incluidos Walter Serner (n.º 5), Joseph Schumpeter (n.º 11), Jonathan Monk (n.º 16) y Elaine Sturtevant (n.º 17). Commerce también ha publicado material auténtico, en particular la complicación Poststructuralism in Country & Western Music (n.º 3); un lector dedicado a la escultura de Jorge Pardo 4166 Sea View Lane (n.° 4); [24] y People In Trade (n.° 10), una colección de ensayos sobre arte y trabajo que incluye una entrevista original con AA Bronson de General Idea . [25]
En 2007, después de varios años de desarrollar el personaje, Scanlan realizó audiciones y luego contrató a dos actrices con formación profesional, Jennifer Kidwell y Abigail Ramsay, para interpretar el papel de una artista negra emergente llamada Donelle Woolford . Como parte de la historia de fondo y el diseño del escenario para el personaje, Scanlan hizo un conjunto de obras de collage abstracto que recordaban al cubismo. El telón se levantó, por así decirlo, en un espectáculo titulado Donelle Woolford: A Narrative de Joe Scanlan en Chez Valentin, París, en 2007. [26] Las puestas en escena posteriores incluyeron actuaciones dentro del proyecto más grande que tuvo lugar en Nueva York, Chicago, Londres y Viena. [27] [28] [29] [30] En una entrevista de Bomb con Jeremy Sigler en 2010, Scanlan habló sobre el papel que los actores habían desempeñado en el proyecto hasta ese momento, diciendo que
Jenn [Kidwell] lo ve como un gesto político, una especie de reivindicación territorial de un tipo de comportamiento que supuestamente no se les permite a los artistas negros. Pero también creo que es un gesto político dirigido en cierta medida hacia mí, una negativa a hablar en mi nombre. Abigail Ramsay, por otro lado, interpreta a Donelle con un personaje bastante alegre, que está dispuesta a hablar con cualquiera de una manera encantadora, un poco demasiado entusiasta, propia de una joven artista. Aunque es bastante dócil como actriz, la Donelle de Abigail es el tipo de persona que muchos habitantes del mundo del arte encuentran molesta, por lo que su caracterización también es una especie de declaración. [31]
En una iteración posterior del proyecto, Woolford se transformó en otro estado de ánimo y arquetipo del mundo del arte: el "artista de mediana carrera". Como libro y exposición que se estrenó en París en 2012, Dick Jokes fue un juego de palabras con las pinturas de bromas de Richard Prince e incluyó una gira nacional de comedia basada en una rutina de stand-up de Richard Pryor . El proyecto se incluyó en la Bienal de Whitney de 2014 , lo que generó una controversia que culminó con la decisión del Yams Collective de retirarse de la Bienal. [32] [33] [34] En Dick's Last Stand (2014), Kidwell interpretó a Woolford recreando un segmento de Richard Pryor censurado de su efímero programa de televisión en cadena de 1977. [35] "Mira, los blancos me quitan todo", entona Donelle Woolford en el personaje de Richard Pryor en The Kitchen en Nueva York. Organizada como parte de la participación de Donelle Woolford en la Bienal de Whitney, la apropiación del material de Pryor por parte de Scanlan y Kidwell tenía como objetivo alinear conceptualmente a dos "penes": Pryor y el artista Richard Prince . [36]
En 2015, Scanlan fundó la Broodthaers Society of America, una institución dedicada a promover una mayor apreciación del artista belga Marcel Broodthaers en el contexto de los Estados Unidos. La ficción no es muy diferente de una ficción que el propio Broodthaers puso en escena, su Musée d'Art Moderne: Département des Aigles (1968-1972). La Sociedad ofrece acceso a su archivo, [37] organiza conferencias y eventos públicos, [38] y alberga a académicos de corto y largo plazo en una residencia privada adyacente [39] [40]
A lo largo de su carrera, Scanlan ha creado objetos que comienzan su vida como obras de arte en galerías y museos. No obstante, la capacidad de estos objetos de salir de esos espacios y ser interpretados en la vida cotidiana es un aspecto crítico de su estatus y significado. Como tal, pueden verse como una crítica de clase del ready-made . [41]
Catalyst era una escultura cosmética en forma de lágrima artificial que se podía fijar al rostro de una persona mediante un adhesivo transparente para pestañas. El producto se lanzó en 1999 y se vendía en paquetes de seis por 20 dólares. Durante un breve periodo se vio que se usaban en la ciudad de Nueva York sin que nadie fuera consciente de su condición de obra de arte. [42]
DIY es una escultura de un ataúd hecho con productos estándar de Ikea , principalmente una estantería Billy . Fue concebida y realizada por primera vez en el lugar de la Galería de Arte de Ontario, Toronto, en 1999 como parte de una exposición colectiva organizada por Christina Ritchie titulada Waste Management . [43] [44] La obra de arte fue elaborada tres años después en DIY, Or How To Kill Yourself Anywhere in the World for Under $399 , un libro de artista que proporciona una lista de compras, un inventario de las herramientas manuales necesarias y 120 páginas de instrucciones paso a paso para realizar ingeniería inversa de productos estándar de Ikea en un ataúd completamente funcional. El libro fue la contribución de Scanlan al proyecto Annlee de Pierre Huyghe y Philippe Parreno , en el que Scanlan eligió a Annlee como el personaje genérico que demuestra las diversas maniobras técnicas necesarias para construir el ataúd. [45]
El libro introdujo una forma novedosa de producir una obra de arte. Dado que existen tiendas Ikea en todo el mundo, los museos y coleccionistas privados que deseen poseer un ataúd DIY pueden comprar el libro, ir de compras a su Ikea local y hacer la obra de arte ellos mismos en lugar de que el artista la produzca en su estudio y luego se encargue de su envío. Hasta la fecha, además de Toronto, se han realizado versiones de bricolaje en Basilea, Cambridge, Chicago, Eindhoven, Leipzig, Londres, Lyon, Miami, Nueva York, San Francisco, Shanghái, Viena, Zúrich y la Universidad Estatal de Kent, Kent, Ohio. [46] [47]
Pay Dirt, también conocida como patente estadounidense n.° 6.488.732, es una tierra sintética para macetas hecha con un 99,85 % de datos posconsumo. La obra de arte se estrenó como una pila ambiental de tres toneladas en la galería IKON de Birmingham (Inglaterra) en 2003. Se fabricó con desechos cuidadosamente recolectados del flujo de residuos de Birmingham y el material reconstituido se empaquetó y se revendió en la librería del museo como tierra para macetas de las marcas IKON Earth y Black Country Rock. [48]
La librería anidada es una obra de arte que Scanlan ha estado realizando y distribuyendo desde 1989. La iteración más reciente del objeto tuvo lugar en el Mu.Zee en Ostende, Bélgica, en 2012. Para la primera parte de la exposición de dos partes, Object Lesson , el Mu.Zee compró diecinueve ejemplos de la librería anidada para su colección permanente y los exhibió en el primer piso del museo. Para la segunda parte, Truffle Finds Pig , Scanlan y el museo redactaron un acuerdo de préstamo con el cual cualquier ciudadano de la ciudad de Ostende puede solicitar el préstamo y uso de una librería anidada por un período de tiempo en su hogar o lugar de trabajo. [49] [50]
Introducida en 2018, Palermo es una tipografía en mayúsculas y minúsculas, cuyas formas de letras se crearon cortando y reorganizando las dos partes componentes del objeto pintado de Blinky Palermo "Blau Scheibe und Stab" (1968). [51]
La obra de Scanlan se encuentra en las colecciones públicas de Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen ; Tate Modern , Londres; Centro Georges Pompidou , París; el Museo Van Abbe , Eindhoven; el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst , Gante; Mudam , Luxemburgo; y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago . [ cita necesaria ]
Medios relacionados con Joe Scanlan (artista) en Wikimedia Commons