Do Ho Suh ( coreano : 서도호 ; Hanja : 徐道濩; nacido en 1962) es un artista surcoreano que trabaja principalmente en escultura , instalación y dibujo . Suh es conocido por recrear estructuras y objetos arquitectónicos utilizando tela en lo que el artista describe como un "acto de conmemoración". [2] Después de obtener una Licenciatura en Bellas Artes y una Maestría en Bellas Artes de la Universidad Nacional de Seúl en Pintura Coreana , Suh comenzó a experimentar con esculturas e instalaciones mientras estudiaba en la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD). Se graduó con una Licenciatura en Bellas Artes en pintura de RISD en 1994, y fue a Yale donde se graduó con una Maestría en Bellas Artes en escultura en 1997. Practicó durante más de una década en Nueva York antes de mudarse a Londres en 2010. Suh exhibe regularmente su trabajo en todo el mundo, incluida Venecia, donde representó a Corea en la 49.ª Bienal de Venecia en 2001. En 2017, Suh recibió el Premio Ho-Am en las Artes . Suh actualmente vive y trabaja en Londres.
El trabajo de Suh se centra en las diferentes formas en que la arquitectura media la experiencia del espacio. La arquitectura ha sido una referencia clave para el artista desde mediados de la década de 1990, incluso para piezas como Floor (1997-2000) que no se parecen a edificios. Como resultado, Suh presta especial atención a la especificidad del sitio de la obra y a la experiencia sensorial del espectador que interactúa con sus piezas mientras se mueve en el espacio de exposición. Varias de sus esculturas producidas en las últimas décadas consideran las posibilidades de que la escultura se convierta en arquitectura, y viceversa. [3] : 147 Su difuminación de la línea entre escultura y arquitectura a menudo hace que las estructuras arquitectónicas sean portátiles a través del cambio de material, como lo ejemplifica una de sus obras más famosas Seoul Home... (1999), para la que recreó la casa de su infancia utilizando poliéster y seda. El uso de tela y papel que hace Suh como una "segunda piel" hace posible que sus piezas se plieguen y se transporten. [4] : 29 Sus elecciones de materiales, como papel de arroz y telas que se encuentran comúnmente en el hanbok, también hacen referencia al arte y la arquitectura tradicionales coreanos.
Suh nació en Seúl, hijo de Se-ok Suh , un famoso pintor de tinta coreano , y Min-Za Chung, uno de los fundadores de Arumjigi-Culture Keepers ( 재단법인 아름지기 ), una organización sin fines de lucro que apoya la preservación de la tradición y el patrimonio coreanos. Su hogar familiar estaba compuesto por cinco estructuras contemporáneas y tradicionales. Se-ok Suh modeló un edificio siguiendo los aposentos principales y la biblioteca de una casa de estilo civil que el rey Sunjo construyó en 1878 en el jardín del palacio, y Suh construyó su casa usando pino rojo proveniente del complejo del palacio cuando muchos de los edificios del palacio fueron desmantelados. La versión de Suh fue utilizada más tarde como modelo para la redecoración de la casa original del palacio. [5] : 29
Después de no conseguir las calificaciones necesarias para estudiar biología marina , Suh solicitó ingresar a la Universidad Nacional de Seúl (SNU) para estudiar pintura oriental . [6] Se graduó con una Licenciatura en Bellas Artes en 1985 y una Maestría en Bellas Artes en 1987 de la SNU, y completó el servicio militar obligatorio en Corea del Sur antes de mudarse a los EE. UU. para estudiar en la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD) en 1991.
Suh solicitó entrar en RISD, la única escuela de arte estadounidense que lo aceptó, para mudarse a Estados Unidos con su primera esposa, una estudiante de posgrado coreana-estadounidense. Suh sintió una sensación de alivio en Estados Unidos: alejarse de Corea le permitió al artista construir su carrera fuera de la sombra de su padre. [6]
Aunque Suh había completado sus estudios de grado y posgrado en Corea, el RISD hizo que el artista se inscribiera como estudiante de segundo año. Suh atribuye su giro hacia la escultura al artista Jay Coogan , cuyo curso sobre figuración Suh tomó cuando comenzó en RISD. Esto llevó a Suh a crear esculturas en los pasillos de la escuela. Sus intervenciones artísticas se centraron en estos espacios pasados por alto y resaltaron su relación con las personas que los recorren regularmente. [7] : 27 Suh también tomó cursos de confección de patrones en el RISD que le permitieron desarrollar las habilidades fundamentales que necesitaba para trabajar con telas. Se graduó de RISD con una licenciatura en Bellas Artes en 1994.
Suh continuó estudiando escultura en la Universidad de Yale y se graduó con un MFA en 1997. Mientras estaba en Yale, Suh conoció a Rirkrit Tiravanija , quien más tarde ayudó a lanzar la carrera de Suh en Nueva York. [8] : 34
Al llegar a los EE. UU., Suh comenzó a medir espacios en los nuevos entornos que atravesaba y a experimentar con modificaciones de los mismos. Para esta instalación temporal en RISD, Suh agregó un panel de abedul laminado al piso de un pasillo y una varilla larga y curva por la que los transeúntes debían pasar para poder llegar al pasillo.
Suh superpuso imágenes de estudiantes de anuarios de escuelas secundarias para crear dos fotografías en color generadas por computadora. Suh volvió a recurrir a esta referencia a la escuela secundaria coreana para su instalación de 1996 High School Uni-Forms , que muestra sesenta uniformes escolares conectados entre sí, y más tarde, en 2000, para Who Am We?
El Centro Cultural Coreano de Los Ángeles encargó a Suh la creación de la instalación, lo que le llevó a empezar a explorar la cuestión del hogar a través de su obra. A Suh se le ocurrió la idea mientras vivía en Nueva York en los años 90 y recordaba su hogar de la infancia. En 1994 produjo una pieza de menor escala ( Room 515/516-I/516-II) utilizando muselina para ver si era posible crear una casa de tela a gran escala. Pudo realizar el proyecto completo en 1999.
La instalación presenta una réplica a escala 1:1 de la casa donde Suh pasó su infancia en Corea, que incluye tanto la estructura principal como los accesorios, como los inodoros, los radiadores y los electrodomésticos de cocina. Toda la instalación está hecha de tela de poliéster y seda sostenida con finas varillas de metal.
Cada vez que transporta la pieza, añade el nombre de la ciudad al título (por ejemplo, Seoul Home/LA Home en 1999 para la primera exposición). Para Suh, este cambio de nombre continuo permite que la obra conserve las huellas de cada espacio que atraviesa y, de este modo, reformule la noción que tiene el espectador de lo que es un hogar. El movimiento de la obra también le permite a Suh llevar consigo sus recuerdos de infancia a donde quiera que vaya, lo que le permite reducir la distancia entre su lugar de origen y su situación actual. [5] : 33
Los pasillos desempeñan un papel crucial en la instalación de Suh, no solo porque conectan diferentes secciones, sino también porque, según Suh, interactúan con el espacio de exposición en su conjunto. Para la instalación en el Centro Cultural Coreano, Suh pensó en el centro como un espacio de desplazamiento cultural que transporta objetos del pasado de Corea al presente de Estados Unidos y crea pasillos físicos y conceptuales entre esos dos espacios y puntos en el tiempo. [5] : 31
Suh planea conectar todas sus piezas de tela, incluida Seoul Home... , bajo el título The Perfect Home , de modo que un visitante pueda entrar por una puerta y recorrer réplicas de todas las residencias anteriores de Suh sin salir. Suh ha comenzado a utilizar software de modelado por computadora para producir algunas de estas piezas.
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Suh vincula su obra con lo que él describe como la porosidad de la arquitectura coreana , ejemplificada por las puertas y ventanas que existen en lugar de paredes y el papel de arroz translúcido que las cubre. Suh también eligió tela para su instalación pensando en la función del papel de arroz en la pintura tradicional asiática. [5] : 35
La madre de Suh fue clave para encontrar costureras tradicionales coreanas que lo ayudaron a confeccionar su obra. Pero, si bien describe su trabajo como "ropa para el espacio", y por lo tanto recurre al vocabulario de los trajes coreanos, como el hilo magenta para coser, Suh afirma que, en última instancia, su trabajo se acerca más al diseño industrial y la arquitectura que a la moda . [5] : 37
Suh también ha escrito sobre la pintura Paisaje en invierno de 1844 del artista de Joseon Kim Jeong-hui , expresando admiración por la obra que muestra una casa pequeña y conectándola con el propio deseo de Suh de crear el hogar perfecto. [9] : 161
Suh volvió a explorar la posibilidad de transformar la estructura del espacio expositivo con Floor . La instalación, específica para el lugar, elevó el suelo de la galería e invitó a los espectadores a caminar sobre los cuarenta paneles de vidrio sostenidos por 180.000 figuras humanas de plástico fundido. La obra se presentó en la Bienal de Venecia de 2001 .
La instalación presenta fotografías de anuarios de escuelas secundarias de Corea de más de tres décadas de clases graduadas, yuxtapuestas entre sí e impresas en hojas de papel pegadas a la pared.
Tanto Floor como Who Am We? son ejemplos de obras que los curadores y críticos han descrito en términos de la dicotomía individuo/colectivo. Si bien Suh reconoce que sus piezas sí se relacionan con el concepto, destaca su papel en la configuración de la experiencia del espacio del espectador y considera que la tendencia a atribuir la individualidad a Occidente y la colectividad a Oriente es reductiva. [10] : 274
Las obras Paracaidistas de Suh presentan una pieza elíptica de tela bordada con los nombres de personas que están relacionadas con Suh de alguna manera. Los hilos utilizados para los nombres se extienden más allá de la tela y se reúnen en la mano de una escultura de un paracaidista elevada sobre una plataforma. Suh ha descrito la obra como capaz de funcionar como el autorretrato de cualquier persona, ya que la instalación muestra cómo el punto en el que se encuentran todas las relaciones es donde surge el individuo. [10] : 275 Suh también ha citado las múltiples valencias de la palabra coreana inyeon como una idea central en juego para la obra. [10] : 277
Paracaidista fue la primera obra que Suh realizó y exhibió en Corea. Después de exhibir la obra en Corea y luego en los EE. UU., Suh notó la diferencia en la recepción de la obra. Descubrió que el público coreano tenía una respuesta emocional a la obra, mientras que el público estadounidense la leía como un comentario sobre el ejército. [10] : 277
Speculation Project es una obra de trece partes que narra el viaje de Suh desde Corea hasta los EE. UU. El primer capítulo, Fallen Star: Wind of Destiny (2006), está compuesto de poliestireno y resina . La pieza encargada por Artspace en San Antonio , muestra una casa coreana en miniatura sobre un tornado blanco. El siguiente capítulo, Fallen Star: A New Beginning (1/35th Scale) (2006) revela que la casa se ha estrellado contra el edificio de Providence en el que vivió Suh durante sus días en RISD. Fallen Star: Epilogue (1/8th Scale) (2006) presenta la misma colisión, pero con ladrillos y andamios nuevos.
Suh ha enfatizado la extravagancia de muchas de las obras de la serie, tanto para él como para el espectador. El proyecto le ha permitido revisitar su amor de la infancia por los juguetes y el modelismo. [11]
La obra hace referencia a una película específica ( El mago de Oz ) y explora la relación entre el espectador y el espacio cinematográfico con un modelo a escala 1:5 de la infancia de Suh en Corea que choca con una réplica de tamaño similar de su apartamento en Providence . [12] : 20 El impacto bifurca la casa de Providence, dividiendo no solo el edificio, sino también todo su contenido, justo por la mitad. En contraste, el hanok coreano solo tiene una mesa de costura Singer y tela de paracaídas y cuerda en el interior.
La instalación presenta una cabaña azul suspendida en ángulo sobre la parte superior de la Escuela de Ingeniería Jacobs en el campus La Jolla de la Universidad de California en San Diego . Frente a la cabaña hay un jardín y un camino hacia el frente de la casa. Quienes entren encontrarán que el ángulo del piso y la casa no coinciden, y el interior está decorado con fotografías de familias, incluida la de Suh, en la pared, así como una serie de chucherías que se encuentran típicamente dentro de una casa. Al hablar de la obra, Suh ha relacionado la inestabilidad de la estructura con su propia sensación de desorientación cuando llegó por primera vez a los EE. UU. [13] : 71
Suh frotó pasteles de colores triturados sobre papel colocado en cada superficie de su apartamento de Nueva York. Terminó el proyecto en 2016, después de que su arrendador falleciera, con el objetivo de mostrar el palimpsesto de rastros que se habían acumulado con el tiempo con cada ocupante. [13] : 71
Suh ha enfatizado la fisicalidad y sensualidad del acto de frotar que transforma la interpretación que uno hace de un espacio. [6]
Suh trabajó con su equipo para producir un frotado del interior de la antigua casa de una compañía de teatro local con los ojos vendados, basándose únicamente en el tacto para crear la pieza. La obra fue una de las varias frotaciones que Suh hizo para la Bienal de Gwangju de ese año. Suh ha citado la influencia de Memorias de los ciegos de Jacques Derrida para la instalación. También ha relacionado las vendas con la censura de los medios coreanos en los años 70 y 80 de protestas y manifestaciones como el Levantamiento de Gwangju . [14] : 31 La ceguera como motivo visual y concepto también aparece en obras como Karma (2010).
En lugar de utilizar tinta, acuarela o grafito como hace en sus cuadernos de bocetos, Suh ha creado una serie de dibujos que utilizan hilo incrustado en papel. Comenzó a desarrollar su técnica en 2011 durante su residencia en el Instituto de Impresión Tyler de Singapur (STPI). Los primeros experimentos implicaron coser directamente papel húmedo, así como coser papel de seda fino y disolver el papel de seda antes de transferir el dibujo a un papel más grueso. Después de una serie de intentos fallidos de hacer obras a mayor escala, un pasante del Instituto sugirió que Suh usara papel gelatinoso. Suh comenzó a coser el papel gelatinoso, uniendo el papel a pulpa de papel que disuelve el papel gelatinoso y frotando el hilo para unirlo a las fibras de papel más gruesas. Suh ha descrito el placer de ceder el control total sobre el trabajo debido a la contingencia del enhebrado con la máquina de coser y la contracción del papel. [11]
Aunque desde lejos la escultura parece estar hecha de hilo rojo, la pieza que muestra una figura humana suspendida boca abajo dentro de un pedestal en realidad está hecha de plástico rojo. Suh trabajó con un equipo de robótica del Centro de Investigación de Grabados de Bristol para producir la escultura.
Los críticos y comisarios que escriben sobre la obra de Suh suelen establecer conexiones entre sus instalaciones y su pasado personal como parte de la diáspora coreana. Phoebe Hoban, por ejemplo, describe Fallen Star (2012) como "una expresión poderosamente poética de su experiencia cultural". [15] Tienden a vincular sus propias experiencias de mudanza por el mundo con cuestiones más amplias de desplazamiento e inmigración, abriendo así la obra a una interpretación menos específica desde el punto de vista cultural, ejemplificada por la descripción que hace la crítica Frances Richard de Seoul Home de Suh como "una tela sobre la que cualquiera puede proyectar sus ensoñaciones sobre cualquier hogar ausente". [16] La comisaria Rochelle Steiner contextualiza la obra de Suh dentro de una tendencia más amplia en el arte contemporáneo durante los años 90 que aborda cuestiones de transportabilidad e itinerancia, y conecta las esculturas de Suh con precedentes anteriores de esta tendencia, como La boîte-en-valise (1936-1941) de Marcel Duchamp . [17] : 14
Sin embargo, los historiadores del arte Miwon Kwon y Joan Kee han criticado la estrechez de esta interpretación de la práctica de Suh, complicando las lecturas de su obra que los ven como representativos de una itinerancia global.
Miwon Kwon describe una dualidad que caracteriza gran parte de las obras de Suh. Sus instalaciones expanden y contraen el campo de visión del espectador, permitiendo así que la obra contenga cualidades tanto minimalistas como antiminimalistas. Piezas como High School Uni-Form (1996) y Floor (1997-2000) retratan a la multitud al tiempo que registran su paso histórico. Las reproducciones de sus casas son productos indexicales que son específicos de sitios particulares, al mismo tiempo que afirman su propia autonomía al moverse de un espacio a otro. Kwon también considera el dualismo presente en los escritos sobre la obra de Suh como ver sus instalaciones culturalmente específicas que incorporan estilos arquitectónicos coreanos, telas y detalles ornamentales como culturalmente inespecíficas. Ella sostiene que estos críticos ven los aspectos culturalmente específicos como secundarios y, paradójicamente, los utilizan para encontrar el punto común de la itinerancia. Por lo tanto, lo ven como un "sujeto nómada de la globalización reestructurado" cuyo trabajo es valorado no por "su autenticidad como producto de otra cultura sino por su capacidad de registrar a través de esa autenticidad otra autenticidad de itinerancia y desplazamiento cultural". [18] : 23
Joan Kee sostiene que la obra de Suh hace referencia a la incognoscibilidad del hogar, lo que hace que sus instalaciones, que recrean sus residencias anteriores, estén siempre irresueltas material y conceptualmente. Si bien los críticos y los comisarios suelen relacionar piezas como Seoul Home... (1999) con la biografía de Suh, Kee señala que las instalaciones también muestran una evidente falta de marca personal con características generales que podrían encontrarse en cualquier hogar urbano. La obra de Suh, por tanto, se abre a múltiples lecturas que dependen del compromiso del espectador con la obra y, como tal, se resiste a cualquier línea singular de interpretación que considere sus piezas como emblemas de la globalización. [19]
El arquitecto y crítico Julian Rose también se resiste a considerar las estructuras de las instalaciones de Suh como signos inherentes y, en cambio, destaca las sutiles formas en que Suh aborda cuestiones arquitectónicas a través de su obra. Rose sostiene que el uso que hace Suh de diferentes materiales aleja sus recreaciones de la indexicalidad y las acerca a las cuestiones fundamentales de la representación y el espacio en el campo de la arquitectura. Rose afirma que la obra de Suh actúa como un recordatorio de que la arquitectura no es inherentemente simbólica, sino que adquiere su significado a través de la interacción humana. [20]
La historiadora del arte Ayla Lepine se centra en las propiedades afectivas de la obra de Suh que revelan los límites del encuentro con una pieza que produce una sensación de ansiedad debido a su referencia a un espacio que "inspira pero no contiene ni podría contener la obra". La habitabilidad de los edificios de Suh hace referencia a la distancia y al significado reflexivo de las instalaciones en relación con sus referentes originales. [21] : 142
El curador y crítico Chung Shinyoung identifica los dispositivos antimodernistas de la literatura y la teatralidad en el Proyecto de especulación de Suh , pero se pregunta si hay algo más en la obra que justifique su dramatización de la ficción alegórica más allá del espectáculo y la indulgencia del artista. [22]
Suh se mudó a Londres en 2010 para reunirse con su segunda esposa, Rebecca Boyle Suh. El artista y educador artístico británico tiene dos hijos. [6]
La obra de Suh se puede encontrar en importantes colecciones de museos de todo el mundo, incluido el Museo de Arte Moderno de Nueva York; el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York; el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York; el Museo de Bellas Artes de Houston ; la Galería de Arte Albright-Knox de Buffalo (Nueva York); el Instituto de Arte de Minneapolis ; el Centro de Arte Walker de Minneapolis; el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles ; el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles ; el Museo de Arte Asiático de Seattle (Seattle, Washington); la Galería de Arte de Ontario (Toronto); la Tate Modern de Londres; el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio ; el Centro de Arte Towada de Aomori; y el Museo de Cultura Mundial de Gotemburgo.
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Las obras seleccionadas incluyen: