Dike Blair (nacido en 1952) es un artista, escritor y profesor radicado en Nueva York. [1] [2] Su arte consiste en dos cuerpos de trabajo paralelos: pinturas íntimas y fotorrealistas y esculturas tipo instalación ensambladas a partir de objetos comunes, a menudo exhibidos juntos, que examinan fenómenos pasados por alto y nada excepcionales de la existencia diaria de una manera romántica e irónica. [3] [4] [5] Blair surgió de la escena artística neoyorquina de finales de la década de 1970, y su trabajo se relaciona con movimientos concurrentes como la Generación de las Imágenes , el minimalismo y el arte conceptual , aunque sigue siendo distinto y tangencial a ellos. [6] [1] [7] La crítica del New York Times, Roberta Smith, coloca su escultura en una "categoría borrosa" que cruza " Carl Andre con ikebana , abstracción formalista con elegantes habitaciones de hotel anónimas, sets de programas de entrevistas con salas de exposición de muebles para el hogar". [6] Cameron Martin escribe en Artforum que las pinturas están "realizadas con una lucidez que extrae algo metafísico de lo mundano". [8]
Blair nació en 1952 en New Castle, Pensilvania. [9] [10] Estudió arte en la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan , el programa de estudio independiente del Museo Whitney y la Universidad de Colorado, Boulder , y obtuvo un MFA de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 1977. [10] [2] [11] Formó parte de la escena artística neoyorquina de finales de los años 70, actuando en CBGB (1976) y frecuentando bares de arte como Magoo's, The Mudd Club y Barnabus Rex. [11] Sus primeras obras de arte consistieron en obras de pared abstractas y formalistas hechas de acrílicos y esmaltes vertidos y rociados sobre papel, masonita y vidrio. [12] [13] [10]
A principios de los años 1980, comenzó —de manera un tanto irónica— a pintar pequeños gouaches ilusionistas de veleros, inicialmente a partir de la observación o la memoria, similares a la pintura dominical. [10] Finalmente, los integró en construcciones de pared, exhibidas en Baskerville + Watson (1986) y Cash/Newhouse (1987). [14] [15] Este trabajo evolucionó hacia instalaciones más conocidas, como su muestra de 1991 en Ealan Wingate, basada en fotografías que tomó en Epcot de Disney . La muestra presentaba imágenes de técnica mixta instaladas en una habitación oscura con música de fondo y decorada y alfombrada en malva con plantas y bancos suburbanos; las críticas la describieron, alternativamente, como impregnada de pérdida y nostalgia, relajante y sorprendentemente espiritual. [16] [9] [17]
El trabajo de Blair se ha exhibido en el Museo Whitney , Secession (Viena), Weatherspoon Art Museum , Museum of Contemporary Art Los Angeles y Centre Pompidou ; [18] [8] [19] [20] pertenece a las colecciones del Whitney, Brooklyn Museum y Los Angeles County Museum of Art , entre otros. [21] [22] Recibió una beca Guggenheim en 2009 y el Premio Roma de la Academia Americana en Roma en 2010. [23] [24] Vive en Nueva York con su esposa, la diseñadora de vestuario Marie Abma. [10] [24]
Los dos trabajos de Blair sirven como contrapuntos y contrastes entre sí en cuanto a composición, color, textura y tema. [6] [25] Sus pinturas realistas e inexpresivas (principalmente sin título, pintadas en gouache y derivadas de sus propias instantáneas) son más literales, pero ilusionistas; la escultura postminimalista , similar a una instalación, es abstracta, pero concreta y pictórica. [25] [10] Juntos investigan oposiciones y espacios liminales (entre naturaleza y arquitectura, interior y exterior, plenitud y vacío) y temas que incluyen placer y aburrimiento, escapismo y trascendencia, y la intersección de entornos diseñados, experiencia de masas y deseo. [26] [3] [27]
Los gouaches anteriores de Blair se centran en escenas diarísticas, en gran parte estadounidenses (instalaciones junto a la cama, cócteles, ceniceros llenos de colillas, latas de refresco, cintas VHS) y entornos transitorios anodinos (moteles, salones, vestíbulos, Las Vegas, Disneylandia) que Roberta Smith caracteriza como fondo y detalles en "los límites de un terreno sofisticado y cansado de viajar". [6] [9] [28] El crítico del Village Voice Jerry Saltz escribe que las pinturas combinan "la atención de un dibujante a los hechos, el ojo de un botánico para los tipos y la sensibilidad de un detective para dar pistas", lo que da como resultado un género de tierra de nadie "entre la ilustración, la fotografía y la ciencia forense". [28] Compara las pinturas con el trabajo de Richard Prince y Vija Celmins , mientras que otros las comparan con la luz y el ilusionismo de Vermeer y la soledad de Edward Hopper . [28] [29] [18] [3] En pinturas posteriores, Blair recurrió al paisaje, a imágenes de flores en primer plano, a vistas a través de ventanas oscurecidas y, en la década de 2000, a primeros planos de ojos y estacionamientos nocturnos y escenas de nieve. [30] [25] [29] Christopher Knight describe estas obras posteriores en gran parte desprovistas de personas como "rebosantes de una pasión por los viajes inconquistable". [7]
A mediados de los años 1990, Blair comenzó a producir obras de decoración inspiradas en el diseño corporativo y doméstico contemporáneo y guiadas por las reglas japonesas de arreglos florales. [31] [32] [25] Comprimen elementos de instalación de luz, material, color e imagen en esculturas híbridas discretas que evocan interiores, muebles, dibujos, arquitectura, paisajes y el cuerpo humano. [33] [11] [30] Blair manipula cuidadosamente elementos como cables eléctricos que se despliegan como líneas a través de campos de color de alfombras industriales, plexiglás y madera contrachapada, cajas de luz, cajas de envío y lámparas, buscando un equilibrio en el que los objetos mantengan su especificidad pero se lean juntos como obras singulares. [34] [32] [30] En paralelo a sus gouaches, las esculturas anteriores examinan temas que involucran la atmósfera, el espacio diseñado y la cultura del consumo, mientras que sus obras posteriores a 2006 abordan cuestiones fenomenológicas relacionadas con el cuerpo, como la experiencia ocular versus la corpórea de imágenes, objetos y espacio. [1] [27] [8] [5]
Las exposiciones de Blair en Feature (2001, 2004) y Mary Goldman (2005) se inclinaron hacia una presentación cada vez más sobria y refinada. [33] [27] [32] Combinaron pinturas gouache de ventanas y flores líricas con rayas de agua con cables eléctricos y alfombras geométricas, cajas brillantes y objetos minimalistas bajos, creando espacios que las reseñas describen como cuadros domésticos calmantes, misteriosos y melancólicos (por ejemplo, Some Of y And When , 2001; to want to , 2005). [34] [1] [32] Brooklyn Rail comparó el efecto de estas exposiciones con la música ambiental de artistas como Brian Eno , "calibrando con buen gusto" la experiencia momentánea, mientras se mantiene ambivalente sobre las consecuencias para la subjetividad de vivir en un mundo completamente diseñado. [27]
A finales de la década de 2000, Blair puso mayor énfasis en cuestiones perceptivas, introduciendo pinturas de primeros planos de ojos de mujeres y cajas de envío pintadas que evocan simultáneamente objetos funcionales, planos de imágenes, divisores de espacios, paredes y figuras. [30] [8] [35] Para la muestra, "Dike Blair: Now and Again" (Weatherspoon Art Museum, 2009), produjo una experiencia sutilmente escenificada e iluminada que involucraba dos patios de esculturas (diseños de espejos entre sí que invocaban el espacio en su totalidad) que flanqueaban una serie de galerías que albergaban sus gouaches; Artforum describió la muestra como una meditación íntima y misteriosa sobre la experiencia versus la visión, el espacio real versus el ilusionista. [8] En exposiciones en Gagosian (2010), Feature (2013), Linn Lühn (2014) y Jürgen Becker Gallery (2017), Blair continuó expandiendo la gama de alusiones y efectos, pintando lados de esculturas de cajas como ventanas de vidrio granulado ( Those and These , 2010), patrones de impresión de puntos benday que a veces sugieren mirillas ( Dance, Dance, Dance , 2011), e insinuaciones mínimas de cielos y paisajes ( OHCE , 2014), que adornó con pinturas de ojos, interiores y otros temas. [36] [5] [29] [37]
En 2017, Blair suspendió su trabajo de escultura y se dedicó a la pintura al óleo. [38] [39] Los temas de esas pinturas son consistentes con sus gouaches (a veces la misma imagen), pero los óleos tienen una fisicalidad diferente, que incluye un empaste y un intaglio muy leves. Casi al mismo tiempo, comenzó a producir dibujos, algo que antes no había sido parte de su práctica. [40] [38]
Las actividades profesionales de Blair incluyen la escritura y la docencia. Ha contribuido con artículos y reseñas a Artforum , [41] ARTnews , [42] Art Press , [43] Bomb , [44] Harpers , [45] y Parkett , [46] y se desempeñó como editor colaborador y asociado de la revista parisina Purple , escribiendo sobre diseño, música, tecnología, cine, arte y arquitectura. [47] [48] [25] También ha escrito los libros Again: Selected Interviews and Essays (2007) y Punk (1978, con Isabelle Anscomber). [49] [50] Blair enseñó en el departamento de pintura de la Escuela de Diseño de Rhode Island de 1997 a 2017, así como en el Instituto de Arte de Boston , la Universidad de Nueva York y la Universidad de Las Vegas . [10] [51]
Blair ha recibido una beca John S. Guggenheim (2009), el Premio de la Academia Americana en Roma (2010) y becas de la Fundación Louis Comfort Tiffany (1995) y la Fundación de Artes del Atlántico Medio/ Fondo Nacional para las Artes (1988). [23] [24] [52] Su obra pertenece a las colecciones públicas del Museo Whitney, [21] el Museo de Brooklyn, [22] el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el Museo de Arte de Dallas , [53] el Musee Des Beaux Arts La Chaux De Fonds (Suiza), el MUMOK (Viena), [54] el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , [55] el Museo de Arte de Portland , [56] y el Museo de Arte Weatherspoon, entre otros. [57]