El diario de David Holzman es un falso documental estadounidense de 1967, o obra de metacine , dirigida por James McBride y protagonizada por LM Kit Carson . Se trata de una película de ficción experimental realizada con un presupuesto minúsculo durante varios días y presentada como un documental autobiográfico. «Un autorretrato de un personaje ficticio en un lugar real, el Upper West Side de Nueva York», [3] la película comenta sobre la personalidad y la vida del personaje principal, así como sobre el cine documental y el medio del cine en general. En 1991, El diario de David Holzman fue incluida en la selección anual de 25 películas agregadas al Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso , siendo considerada «cultural, histórica o estéticamente significativa» y recomendada para su preservación. [4] [5]
LM Kit Carson interpreta a David, un joven blanco que vive solo en su modesto apartamento estudio en la calle 71 Oeste de Manhattan durante julio de 1967. La película comienza sin los créditos iniciales convencionales o la música que indicaría un documental o una película de ficción hecha profesionalmente. En cambio, es solo David en casa diciendo claramente que recientemente ha perdido su trabajo y pronto puede ser reclutado en el ejército y enviado a Vietnam. No identifica el trabajo en cuestión, pero la decoración de su apartamento y su personalidad cinéfila implican que puede haber involucrado una película. Sentado en una silla con equipo de filmación y carteles detrás de él, y citando a Jean-Luc Godard , dice que ha decidido hacer un diario en video para intentar documentar y comprender su vida. Después de esta introducción, lo que sigue es una serie de entradas de diario filmadas que David hace durante un período de varios días, que representan su vida diaria, su entorno y sus pensamientos y sentimientos más personales.
En algunas escenas, David va filmando su barrio, desde varias personas y edificios históricos hasta momentos espontáneos como los agentes de policía que ayudan a una aparente víctima de un robo. Este vídeo a veces es mudo y otras veces acompañado de diálogos o sonido ambiental, o sonido que puede haber grabado por separado y añadido a la película más tarde, como transmisiones de radio. David entrevista a algunas personas y deja que otras hablen libremente a la cámara. En una escena que se encuentra aproximadamente en un tercio de la película, su amigo Pepe da un monólogo extenso sobre su evaluación crítica del diario tal como está tomando forma hasta ahora, es decir, que David está haciendo "una obra de arte muy mala". Al decir: "Tu vida no es un buen guión", Pepe recomienda que David se esfuerce más por encontrar lo que es realmente interesante. Si va a centrarse en sí mismo, alguien que "no es un buen personaje" para ver, entonces tal vez debería tomar más riesgos, exponer sus vulnerabilidades, tal vez incluso intentar filmarse a sí mismo de pie desnudo frente a la cámara, durante el tiempo que sea necesario para encontrar algunas verdades interesantes. ( Andrew Noren es un cineasta underground de esta época y lugar que incluyó mucha desnudez en sus películas. [6] )
En la mayoría de los casos, David se sienta en su casa a hablar con su micrófono de solapa y su cámara Éclair de 16 mm sobre temas importantes para él, desde la teoría cinematográfica hasta su novia Penny, que es modelo. A lo largo de los varios días que pasa haciendo su diario, y tal vez siguiendo algunos de los consejos de Pepe, David se obsesiona cada vez más con filmar a Penny, sin su permiso, e incluso una vez cuando ella está durmiendo desnuda. En ese momento en particular, ella se despierta y lo ataca por esta transgresión, y rompe con él; a esto le siguen varios intentos fallidos de contactarla y su monólogo alabando la masturbación. David también filma repetidamente a través de la ventana de una mujer del otro lado de la calle, a la que apoda Sandra , en honor al personaje principal de la película homónima de Luchino Visconti de 1965. Y, en otra escena, sigue a una mujer anónima fuera del metro y hacia la calle, acechándola silenciosamente hasta que ella se da la vuelta y le dice: "¡Lárgate!".
El proyecto del diario de David llega a su fin cuando se va de la ciudad por un día para asistir a un funeral familiar y cuando regresa encuentra que le han robado todo el equipo de filmación. Lo revela en la última entrada de su diario, que combina una grabación de audio de su voz con una serie de fotos que David se tomó a sí mismo con equipo alquilado o prestado. Decepcionado y desilusionado, dice que ese es el final de la película. El sonido se detiene y la imagen se vuelve negra durante unos diez segundos, aparentemente el final de esta película del diario. Pero entonces el Diario de David Holzman da un giro inesperado. Muestra una tarjeta de título (aún sin sonido) que dice simplemente "EL DIARIO DE DAVID HOLZMAN", seguida de otra tarjeta que identifica a LM Kit Carson como el actor que lo interpreta. Luego hay algunas tarjetas para el resto del elenco y el equipo. Las tarjetas reconocen efectivamente que lo anterior era una obra de ficción que se presenta como un documental autobiográfico.
El crítico de cine Richard Brody escribe que "esta ingeniosa y desaliñada metaficción de 1967 de Jim McBride es una fruta exótica cultivada en Nueva York a partir de la semilla de la Nouvelle Vague francesa ". [7] Jaime Wolf escribe que "A la vez una narrativa ficticia dentro de un entorno documental reconocible y una especie de ensayo sobre las condiciones de la realización cinematográfica, El diario de David Holzman se erige como uno de los pocos equivalentes estadounidenses al trabajo que Godard estaba haciendo en ese momento". [8] La Nouvelle Vague francesa claramente fue una inspiración para esta película, pero también hubo otras. Una influencia fue El diario de una chica perdida , un libro publicado en 1905 como un supuesto diario auténtico de una prostituta llamada Thymian, pero en realidad escrito por su "editora", Margarete Böhme; más tarde fue adaptado en una popular película alemana de 1929 protagonizada por Louise Brooks como Lulu. [9] A esto se refiere David al principio de su película cuando cita "el famoso diario de Lulu" como inspiración para su obra. Jaime N. Christley señala otras influencias cinematográficas, diciendo que "el verdadero punto de origen es el docudrama de Peter Watkins The War Game (que ganó el Oscar al documental en 1967) o La tierra sin pan de Luis Buñuel , dependiendo de dónde se tracen las líneas de falla". [10] James McBride identificó su contexto estadounidense más inmediato para hacer la película:
Entré en el mundo del cine cuando el cine vérité , como el de los hermanos Maysles , Richard Leacock y DA Pennebaker , era nuevo y emocionante, y cuando muchos cineastas underground intentaban utilizar el medio de una manera más poética, como un ejercicio de diferentes tipos de liberación, ya sabes, desde la liberación personal hasta la liberación de las formas clásicas de hacer cine. Así que había muchas alternativas al cine de Hollywood en aquel entonces. Todas estas películas intentaban encontrar una nueva forma de ver la vida. Y yo era un cineasta joven e idealista que se enfrentaba a esas mismas preguntas. Ya sabes: ¿qué se supone que uno debe intentar hacer en el cine y cómo debería hacerlo? Mi película, El diario de David Holzman , trataba sobre un tipo que hace un diario de su propia vida para intentar encontrar una verdad que no puede percibir en tiempo real. Se suponía que era una especie de fórmula irónica, digamos, para explorar muchas de esas ideas. [11]
El diario de David Holzman se filmó en aproximadamente una semana con equipo prestado y un presupuesto de apenas 2500 dólares. Según LM Kit Carson, el dinero provino de un anticipo de un libro del Museo de Arte Moderno , destinado a que él y McBride investigaran y escribieran un libro sobre el cine vérité. Después de realizar varias entrevistas a cineastas, cambiaron de opinión y decidieron hacer algo mejor con el dinero:
A mitad de la escritura del libro, McBride me dice: "No hay verdad en el cine. Básicamente, en cuanto enciendes la cámara, todo cambia, se vuelve irreal, se vuelve irreal". Así que decidimos que escribir este libro es más "falso", por así decirlo, "falso". Decidimos no escribirlo. Aceptamos el anticipo de 2.500 dólares y, durante los diez días de vacaciones de Semana Santa de la universidad, hacemos un documental ficticio de cine vérité. Pensamos que es la forma más fuerte de cuestionar el cine vérité: el diario de David Holzman. [12]
El diario de David Holzman ejemplifica el cine de guerrilla , un modo de producción definido no por el género sino por una drástica falta de recursos de producción junto con una mentalidad de “hacer lo que sea necesario”. Los recursos necesarios incluyen dinero, equipo, instalaciones y un elenco y equipo profesional; la falta de ellos requiere que los cineastas sean muy económicos y creativos, como en el uso que McBride y Carson hicieron de los 2.500 dólares que el MoMA entregó para el libro. O en la escritura del diálogo de la película. El crítico de cine Jonathan Rosenbaum dice que el diálogo en el diario de David Holzman “básicamente se escribió (cuando se escribió) escena por escena” con los actores involucrados. [13] Otras escenas fueron completamente improvisadas, como en la que “la mujer del Thunderbird habla abiertamente de forma sexual, en realidad una transexual que recientemente se había sometido a una operación de cambio de sexo”. [14] David B. Lee describe a esta mujer como una "transexual preoperatoria" y, lo que es más importante, señala que esta es la única mujer en la película que no es victimizada por la cámara de David, sino que interactúa abiertamente con ella, contando chistes obscenos e incluso solicitando explícitamente sexo. [15]
A principios de la década de 1960, McBride había asistido a la escuela de cine de la Universidad de Nueva York, en la misma clase que Martin Scorsese . "Cuando él estaba haciendo ¿Quién llama a mi puerta? y yo estaba haciendo El diario de David Holzman , ambos estábamos trabajando con el mismo director de fotografía, Michael Wadleigh ". [16] Resulta que Wadleigh fue clave para hacer El diario de David Holzman , y no simplemente como su director de fotografía. Según McBride, Wadleigh estaba haciendo trabajo comercial en ese momento, y aprovechó creativamente esa situación para obtener recursos para su película:
Es un proceso un tanto complicado, pero salíamos a filmar algo para alguien y, si tenía que filmar algo el lunes siguiente, por ejemplo, guardábamos el equipo durante el fin de semana. Así que la idea de Mike era: si quieres hacer una película, ¿por qué no usamos el equipo gratuito que tenemos los fines de semana y filmamos algo? Eso fue lo que hicimos. Usamos material de película sobrante. Para revelar la película, íbamos al laboratorio bajo la égida de algún otro proyecto en el que estuviéramos trabajando. [17]
La elección de la localización del Upper West Side para la película surgió de la propia experiencia vital de McBride: "Nací y crecí allí y todavía vivo allí, no con mis padres, pero seguí viviendo en el barrio mucho después de irme de casa, así que estas eran las calles por las que caminaba, estas eran las cosas que veía. [Era] como mi mundo y quería compartir un poco". [18]
El diario de David Holzman, una película muy poco convencional realizada completamente fuera del sistema de estudios, no se distribuyó en salas de cine. Sin embargo, tuvo un éxito temprano en festivales de cine, clubes de cine y museos. Se proyectó en el Festival de Cine de Nueva York y el Festival de Cine de San Francisco , y ganó premios en los festivales de cine de Mannheim , Bruselas y Pesaro. Se proyectó en 1968 en el Seminario Flaherty y el Museo de Arte Moderno, y en 1973 en el Museo Whitney de Arte Americano . Con respecto a la proyección en el MoMA, LM Kit Carson dijo que el museo "no estaba contento de que no hiciéramos el libro contratado", hasta que la película ganó premios en festivales. "Entonces el Museo organizó una proyección especial de alto perfil del documental simulado, el comienzo de una serie de películas llamada CINEPROBE" y luego agregó la película a su colección. [19]
En 1991, el Diario de David Holzman fue seleccionado para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso , por ser "cultural, histórica o estéticamente significativo". [20] Desde entonces ha tenido una distribución variable en cintas de vídeo, discos láser, DVD y en línea. [21] [22]
En 1973, Chuck Kraemer predijo que El diario de David Holzman sería recordado como "la película autobiográfica underground del cine verité de los años sesenta" y que "los estudiosos de los años noventa la venerarían". [23] Desde entonces, la película ha permanecido en la oscuridad para el público en general, mientras desarrollaba y mantenía una sólida reputación entre la crítica, de modo que sus calificaciones en Rotten Tomatoes son de un 91% de aprobación entre los críticos y un 76% de aprobación entre el público. [24] Asimismo, el sitio web TV Guide dice que "esta película provocadora e infinitamente autoconsciente se erige hoy como una de las mejores películas independientes de la década de 1960". [25]
Tras sus primeros años en el circuito de festivales, el Diario de David Holzman se convirtió gradualmente en "un clásico, que se proyectaba en clases universitarias y de cine" por razones que incluían su compromiso con la teoría y la práctica cinematográficas. [26] En términos de práctica cinematográfica, muestra a un joven que utiliza varias tecnologías cinematográficas recientemente disponibles y técnicas innovadoras, incluidas "tomas largas estáticas con monólogos; pasajes extendidos de pantalla negra; distorsiones de ojo de pez; [y] travellings laterales que ofrecen vistas al estilo de Arbus de lo grotesco cotidiano". [27] Muestra a David utilizando estas técnicas para hacer una película de diario, un formato que es técnicamente simple y asequible, una opción natural para jóvenes cineastas creativos con recursos limitados. Uno de esos jóvenes cineastas en ese momento era Brian De Palma , quien dijo que:
Cuando tuve mi primera cámara de 8 mm con sonido, la llevaba conmigo como David Holzman e intentaba filmar todo lo que hacía y mirarlo. Mis amigos y yo teníamos cámaras todo el tiempo y todos éramos directores de cine. Filmé toda una parte de mi vida: gente con la que salía, mis amigos. Filmé todo. También dirigí las escenas. Y todo surgió del Diario de David Holzman . [28]
El diario de David Holzman ha sido mencionado directa o indirectamente en películas posteriores, incluido el drama de 1969 Coming Apart , la comedia de 1974 Yackety Yack , la comedia dramática de 2001 CQ y el cortometraje de comedia de 2002 Camera Noise . En 2011, Kevin B. Lee hizo un documental en línea de dos partes sobre la película titulado Diario de David Holzman . [29] [30] Los críticos de cine, académicos y fanáticos también han escrito mucho sobre varios aspectos de la película, principalmente sus complicadas relaciones entre hechos y ficción; entre arte y vida; y entre las esferas pública y privada.
El enfrentamiento entre la realidad y la ficción en esta película provocó algunas de sus primeras y más fuertes reacciones críticas, en particular de los miembros de la audiencia que se sintieron engañados; enojados por haber sido llevados a creer que David Holzman era una persona real y que la película era un documental. Los espectadores en la proyección del Seminario Flaherty se mostraron "indignados" con la película, [31] que también fue "abucheada en el Festival de Cine de San Francisco de 1968 cuando los créditos finales revelaron que era ficción". [32] Una reseña de un periódico universitario señaló una sensación de "gran conmoción" por haber "pensado que habíamos encontrado una verdad sobre la vida en una película sobre la vida vivida; en cambio, obtuvimos ese significado de una pieza de arte imaginativo". [33] LM Kit Carson dijo que, dadas tales reacciones, cuando el MoMA iba a proyectar la película en 1968, el museo anunció la película como una comedia en lugar de un documental. [34]
Todo este shock y enojo puede parecer una reacción exagerada, pero la película tocó una fibra sensible al ser tan convincente y esperar hasta el último momento posible para revelar que todo era una puesta en escena. La película fue tan convincente debido a muchas técnicas, incluido el uso constante de la cámara móvil y el equipo de sonido, la filmación en exteriores, la edición mínima, los actores desconocidos, el diálogo improvisado y el tema altamente personal, con el personaje de David hablando extensamente sobre sí mismo. Louise Spence y Vinicius Navarro identifican algunas técnicas adicionales: "la dirección directa a la cámara, la narración errática, el desorden visual y auditivo (sonido turbio y enfoque borroso) y el uso compulsivo de fechas para describir el rodaje del día". [35] En conjunto, escriben, esta película cuidadosamente elaborada violó "el contrato que vincula a los cineastas documentales con sus audiencias"; hizo mucho trabajo para "trastornar nuestra fe en la representación documental y las presunciones que a menudo se asocian con el cine de no ficción". [36]
Desdibujando aún más las fronteras entre ficción y realidad, esta película explora cómo, incluso en los documentales reales, la verdad puede ser manipulada, consciente o inconscientemente, antes, durante y después de la filmación. Vincent Canby escribió que la película "pone de relieve las preguntas que todos tenemos sobre la calidad de la verdad que puede ser captada por la cámara del cine vérité", y sobre las "terribles posibilidades de distorsión" a través del proceso de edición. [37] En su monólogo crítico dentro de la película, Pepe habla de cómo el acto de filmar puede cambiar lo que se está filmando:
En cuanto empiezas a filmar algo, lo que ocurre delante de la cámara ya no es realidad. Se convierte en una obra de arte... Y de alguna manera dejas de vivir. Y te vuelves muy consciente de todo lo que haces. "¿Debería poner mi mano aquí?"... "¿Debería colocarme de este lado del encuadre?" Y tus decisiones dejan de ser decisiones morales y se convierten en decisiones estéticas.
Dicho de otro modo, Jaime Wolf escribe que el Diario de David Holzman aplica lo que el crítico de cine Andrew Sarris describió como el Principio de Incertidumbre de Heisenberg del cine documental, es decir, "el efecto inevitable de la presencia de un observador sobre el comportamiento del observado". [38] Para bien o para mal, conscientemente o no, abierta o sutilmente, la gente suele actuar ante la cámara, comportándose de forma diferente a como lo haría en otras circunstancias. En ningún momento de esta película esto es más evidente que en la escena de David con el personaje anónimo apodado por algunos como la "Dama Thunderbird". Esta escena extendida de una mujer (una autoproclamada modelo desnuda) sentada en su coche y hablando con valentía y crudeza al camarógrafo, principalmente sobre sexo, es demasiado extrema para un encuentro real sin mediación, incluso en las calles de Nueva York. Varios críticos señalaron su actuación exagerada ante la cámara, así como el hecho de que también alteró lo que estaba sucediendo detrás de la cámara durante esta escena. LM Kit Carson relata que se "atragantó y se quedó mudo" [39] y "se puso tan nervioso" [40] ante esta extraña situación de entrevista que Michael Wadleigh tuvo que hacerse cargo y completar la entrevista por él, algo apenas perceptible en la película final.
David comienza su diario citando la famosa frase de Godard de que el medio cinematográfico es "la verdad veinticuatro veces por segundo". Sin embargo, como ha observado Edward Copeland, David no menciona que la cita completa de Godard termina con "y cada corte es una mentira". [41] Muchos escritores han discutido las implicaciones del Diario de David Holzman para la verdad más allá del ámbito del cine documental, para el cine y los medios fotográficos en general. Emanuel Levy escribe que el Diario de David Holzman es un ejemplo de "la imposibilidad de lograr una objetividad completa en la pantalla". [42] TV Guide describe la película como "una de las declaraciones más directas del cine sobre la imposibilidad de objetividad en el cine". [43] De manera similar, Justin Stewart llama a la película "una explosión falsa de 'realidad' cuyo tema principal es la imposibilidad de la documentación objetiva". [44]
Muchos escritores han descrito el Diario de David Holzman como una sátira de los documentales o de los cineastas. Por ejemplo, que la película "hace bromas divertidas" sobre la importancia personal o la seriedad de los practicantes del nuevo "cine personal". [45] Se trataba de cineastas que "establecieron una nueva relación con sus sujetos: íntima, reveladora y personal, en contraposición a una tradición documental en la que los seres humanos se utilizaban principalmente para ilustrar diversos temas sociales". [46] Cineastas como Richard Leacock, DA Pennebaker, Andrew Noren y los hermanos Maysles. En cuanto al grado en que su película se burla de estos cineastas, McBride dice que no estaba criticando obras o personas específicas; en cambio, estaba atacando ideas, ideas populares sobre el cine y la verdad:
Existía la sensación o idea general de que existía una especie de verdad que podía revelarse y que nunca antes se había revelado. Esto me resultaba muy atractivo, pero al mismo tiempo también era una tontería, la idea de que existe algún tipo de verdad objetiva que puede revelarse. Así que se me ocurrió la idea de hacer una película sobre un tipo que pensaba que podía descubrir la verdad sobre sí mismo y sobre su vida filmándola, y no lo consiguió. [47]
Los escritos más recientes sobre el Diario de David Holzman a veces agrupan la película con películas de ficción posteriores que también se hicieron pasar por documentales, incluyendo El proyecto de la bruja de Blair y películas de Christopher Guest como This is Spinal Tap . Dave Kehr describe el Diario de David Holzman como "mucho más convincente que Zelig de Woody Allen ". [48] Jaime N. Christley lo agrupa con Catfish y Exit Through the Gift Shop . [49] Otros escritos de años recientes citan técnicas cinematográficas en el Diario de David Holzman que eran inusuales en ese momento pero que se han vuelto más comunes, como el discurso directo de los personajes a la cámara o el uso creativo de secuencias de créditos finales, generalmente en forma de entretenidas tomas descartadas detrás de escena capturadas mientras se hacían películas de ficción.
Muchos escritores han señalado cómo el Diario de David Holzman describe las complicadas relaciones entre el arte y la vida; cómo la vida de David motiva y da forma a su arte, y viceversa. Cómo su vida social, su vida cotidiana en casa, su experiencia en el cine... todo ello moldea su energía y sus elecciones artísticas, con diversos efectos. Y, viceversa, cómo el arte de David moldea su vida y la vida de los demás, lamentablemente a menudo de forma negativa. El crítico de cine Chuck Kraemer capta parte de esta complejidad cuando escribe que David es "todo cineasta fracasado que lucha por una visión, todo neoyorquino sensible abrumado por la fecundidad visual de la ciudad, todo joven que sufre un amor perdido, todo artista incipiente que intenta poner en orden su vida, explicarse a sí mismo y al mundo". [50]
Para David, el arte y la vida se fusionan en la cultura cinematográfica de Nueva York. Está profundamente inmerso en las películas, piensa constantemente en ellas, las ve y cita a otras personas sobre ellas. El cine es su obsesión, pero su vida diaria también incluye el consumo de radio y televisión. Como escribe Brody, la vida urbana de David muestra un "flujo interminable de radio Top Forty y una vista maravillosa y frenética de la televisión". [51] La radio Top Forty que escucha David incluye informes de noticias de guerra y disturbios sociales junto con música popular; y la "vista frenética" se refiere a la secuencia que David hizo filmando un fotograma de cada toma de una noche entera de televisión en red. Sentado toda la noche y haciendo clic con su cámara una vez después de cada transición de toma, David produjo un diluvio de dos minutos y medio de tomas separadas de un noticiero de Huntley-Brinkley Report ; luego de episodios de Batman , Star Trek , The Dean Martin Show y un programa de entrevistas; y luego una emisión nocturna de la película Bright Eyes de Shirley Temple . Y, como escribe David Blakeslee, una gran cantidad de anuncios publicitarios, "todavía capaces después de todos estos años, e incluso en este formato incomprensiblemente comprimido, de transmitir sus mensajes subliminales poderosamente eficientes". [52] Esta explosión de imágenes televisivas habla de aspectos de la vida de David, incluidas las multitudes de imágenes que le llegan a él (y a nosotros) diariamente; y su vida bastante aburrida, insular y llena de transmisiones de televisión y radio junto con películas. También puede referirse a los "24 fotogramas por segundo" de Godard, cómo cada fotograma individual transmite significado en sí mismo y en relación con otros fotogramas, en este caso con un total de aproximadamente 3.600 fotogramas consecutivos.
La vida de David está marcada por las imágenes y la cultura popular, pero él no es simplemente un consumidor pasivo. Es un joven cineasta enérgico y creativo. Hacer películas le ocupa mucho tiempo y afecta a su vida y a la de otras personas de diversas maneras, no siempre con buenos resultados. Mientras hace su película, hurgando en la vida de las personas, David aleja e incluso pone en peligro a las mujeres y recibe un puñetazo de un policía. Como observa Jaime N. Christley, "vemos a David en caída libre personal y profesional. Malas decisiones, mala patología y simplemente mala suerte se fusionan en una nube negra que finalmente consume su vida, y antes de que los títulos de la película indiquen el final, nuestro héroe habrá perdido a su novia, su cámara y su equipo de sonido, y se habrá revelado como un sociópata menor con grandes problemas de control". [53] TV Guide también elogia la película por no tener miedo de presentar y criticar implícitamente los lados más desagradables de su 'héroe'". [54]
Una parte clave del compromiso de esta película con el arte y la vida es su representación de las relaciones entre lo público y lo privado, relaciones que están marcadas por el género. Como escribe James Latham, David utiliza su proyecto cinematográfico en parte para afirmar su poder sobre las mujeres; para espiarlas, acecharlas y grabarlas con o sin permiso, y así potencialmente hacer públicas esas imágenes. Parte de la motivación de David para afirmar este poder, escribe Latham, es que está experimentando roles de género invertidos, o "patriarcado en crisis". [55] En una era en la que las mujeres (así como las personas de color y los miembros de la comunidad LGBT) están ganando gradualmente algo de poder en los espacios públicos, David "representa la creciente comprensión de que el poder masculino sobre las mujeres está menguando". [56] Mientras que Sandra, Penny y la mujer anónima del metro "son independientes y están asociadas con el mundo exterior del hombre, David es comparativamente necesitado, impotente y aislado en su pequeño mundo interior. [Sólo la "Dama Thunderbird"] está dispuesta a complacerlo, excepto que es demasiado liberada y agresiva para David". [57]
Muchos autores han señalado las claras referencias de la película a Rear Window (1954) y Peeping Tom (1960) y a los temas relacionados con ellas. Jonathan Rosenbaum escribe, por ejemplo, que estas películas examinan "las nociones de la cámara como instrumento de sondeo, especialmente en relación con el voyeurismo y otras formas de apropiación sexual agresiva, así como el autoescrutinio". [58] Otros críticos señalan la ironía pública-privada de que la modelo Penny no esté dispuesta a aparecer en la película de David; o que David esté "desnudo para todos, pero invisible para sí mismo". [59]
Los escritos más recientes sobre el diario de David Holzman a veces hacen referencia a cómo la tecnología y la cultura han evolucionado desde los años 60, difuminando aún más los límites entre lo privado y lo público. Por ejemplo, David Blakeslee escribe que cuando vio la película recientemente en el sitio web Vimeo, no sabía prácticamente nada sobre ella, excepto que "podría verse como una especie de precursor del fenómeno del siglo XXI de los vloggers de YouTube que narran sus vidas con diversos grados de detalle mundano, tratando de atraer a los espectadores hacia cualquier experiencia fascinante o dilema insoportable que crean que captará su atención. Obviamente, ha sucedido mucho en el ámbito de la autorrevelación pública personal en cine y vídeo entre 1967 y ahora". [60]
Como es típico de una pequeña película independiente, El diario de David Holzman fue realizado por un pequeño grupo de personas jóvenes y prácticamente desconocidas que en su mayoría continuaron siendo desconocidas. Este fue el debut cinematográfico de McBride y Carson; ambos continuaron trabajando a lo largo de los años juntos o por separado en algunos proyectos de cine y televisión. Carson trabajó como guionista en la película de 1984 Paris, Texas y en la nueva versión de McBride de 1983 de Breathless de Godard . McBride dirigió la película neo-noir de Nueva Orleans de 1987 The Big Easy y la película biográfica de Jerry Lee Lewis de 1989 Great Balls of Fire!, así como episodios de los programas de televisión Six Feet Under y The Wonder Years . Michael Wadleigh dirigió y fue director de fotografía y guionista del documental de concierto ganador del Oscar de 1970 Woodstock , y dirigió, escribió y actuó en el thriller de terror de 1981 Wolfen .
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