El Concierto para violonchelo (1957) de William Walton es el tercero y último de los conciertos para instrumentos de cuerda del compositor, después de su Concierto para viola (1929) y su Concierto para violín (1939). Fue escrito entre febrero y octubre de 1956, por encargo y dedicado al violonchelista Gregor Piatigorsky , solista en el estreno en Boston el 25 de enero de 1957.
Las respuestas iniciales al trabajo fueron mixtas. Algunos críticos consideraron que la obra era anticuada y otros la calificaron de obra maestra. Piatigorsky predijo que entraría en el repertorio de conciertos internacionales, y a su grabación le han seguido muchas otras de solistas de cuatro continentes.
Walton había sido considerado un vanguardista en su juventud, pero en 1957, cuando tenía cincuenta y tantos años, era visto como un compositor de tradición romántica, y algunos lo consideraban anticuado en comparación con su joven contemporáneo inglés, Benjamin. Britt . [1] [2] [3] Después de su única ópera de larga duración, Troilus and Cressida (1954), Covent Garden anunció que su próximo trabajo importante sería una partitura de ballet para la temporada 1955-1956. El ballet, una versión de Macbeth , fracasó porque a Margot Fonteyn , a quien estaba destinado, no le gustó la idea de interpretar a Lady Macbeth. [4] Cuando se acordó un tema alternativo, Walton se comprometió a escribir un concierto para violonchelo y su partitura de ballet nunca se materializó. [n 1] La comisión por el concierto fue de 3.000 dólares, una suma sustancial en ese momento. [4] Walton comentó que como compositor profesional escribiría cualquier cosa para cualquiera, pero "escribo mucho mejor si me pagan en dólares". [5]
El concierto, encargado por el violonchelista Gregor Piatigorsky , siguió la forma del concierto convencional hasta el punto de tener tres movimientos contrastantes. Al igual que con su anterior Concierto para violín, escrito para Jascha Heifetz , Walton trabajó en estrecha colaboración con el solista mientras componía la obra, principalmente mediante correspondencia entre el compositor de su casa en Ischia y el violonchelista, que estaba de gira internacional. [6] Piatigorsky comentó que el mundo en el siglo XX obtuvo sus conciertos para violonchelo de Inglaterra: los de Elgar y Delius y luego los de Walton. [7]
El estreno se pospuso desde diciembre de 1956 porque Piatigorsky estaba enfermo. Tuvo lugar en el Symphony Hall de Boston , con la Orquesta Sinfónica de Boston dirigida por Charles Munch . Recibió su primera interpretación británica en cuestión de semanas, el 13 de febrero de 1957, nuevamente con Piatigorsky, esta vez con la Orquesta Sinfónica de la BBC bajo la dirección de Sir Malcolm Sargent en el Royal Festival Hall . [8] La obra se grabó por primera vez poco después del estreno, con las fuerzas originales. [9]
El concierto consta de tres movimientos, pero no sigue la forma de concierto convencional de un movimiento de apertura enérgico seguido de un movimiento lento: al igual que los conciertos anteriores de Walton para viola y violín, el Concierto para violonchelo tiene un movimiento de apertura de ritmo moderado seguido de un movimiento central mucho más rápido. scherzo. [n 2]
El concierto está compuesto para 2 flautas (segundo flautín doblado ), 2 oboes (segundo doblado cor inglés ), 2 clarinetes (segundo doblado clarinete bajo ), 2 fagotes (segundo contrafagot doblado ), 4 trompas , 2 trompetas , 3 trombones , tuba , timbales , 3 percusiones ( vibráfono , xilófono , platillo suspendido , bombo , castañuelas , caja ), celesta , arpa , cuerdas .
Los tres movimientos son:
El movimiento está en do mayor. El crítico musical Frank Howes ha escrito que el concierto "comienza con un chapoteo, como el de una piedra arrojada a un estanque, un acorde de vibráfono y trinos fuertes de una viola y una figura oscilante en el viento y las cuerdas superiores". [11] La apertura continúa con una expresiva melodía de violonchelo sobre un acompañamiento de pizzicato de "tic-tac" , que domina el movimiento. [10] El biógrafo de Walton, Michael Kennedy, llama al largo tema de apertura "completo y cromático, con una tonalidad ambiguamente inestable... una invención seductoramente amorosa". [12] Un tema secundario, marcado allegro tranquillo, presenta un patrón descendente de semicorcheas junto con el motivo "tic-tac", lo que eventualmente lleva al regreso del primer tema con un acompañamiento de instrumentos de viento. [13] El movimiento termina en lo que Howes llama "una cadencia diatónica prolongada" en la que los últimos compases caen a lo largo de cinco octavas. [11]
La clave del segundo movimiento es ambigua; No hay armadura en la partitura, y los analistas la han descrito básicamente como Do sostenido menor o La menor. [8] [10] Kennedy describe el movimiento como "un espectáculo de fuegos artificiales típicamente Waltoniano". [12] Howes comenta que aunque tiene la apariencia de un scherzo , la marca allegro appassionato apunta a que es el núcleo emocional de la obra, así como el más sustancial y altamente organizado de los tres movimientos. [11] Se diferencia de los scherzos convencionales no sólo por su fuerza emocional sino también por la ausencia de una sección de trío. El enérgico tema principal da paso brevemente dos veces al violonchelo y conduce a una frase lírica a un tempo ligeramente más lento, pero este tempo se alterna y luego da paso a la velocidad original. [10] Kennedy describe la partitura orquestal como ligera y transparente, con percusión colorida pero discreta, que incluye celeste y vibráfono. [12] Para finalizar la exhibición virtuosa, el solista toca una escala menor en do sostenido ascendente, con un armónico en do sostenido alto, marcado col legno . [14]
El final en do mayor, el más largo de los tres movimientos, consta de un tema y cuatro "improvisaciones" (episodios individuales basados libremente en elementos del tema) seguidos de una coda extendida. Vuelve al tono del primer movimiento, con un tema elaborado para violonchelo en su registro alto sobre un pizzicato en las cuerdas orquestales. [15] El tema presenta patrones ascendentes y descendentes en sus primeros compases, seguidos de una serie de tríadas descendentes y un par de escalas ascendentes. [10]
Un pasaje para violonchelo solo vincula el tema con la primera improvisación, en la que el esquema del tema se da en la parte orquestal, a un tempo constante en todo momento: "un brillo de cuerdas tremolando y las exóticas intervenciones de xilófono, vibráfono, celesta, y arpa". Contra esto hay una contramelodía de violonchelo en ritmos de triplete. [15] La segunda improvisación es una exhibición virtuosa para el solista no acompañado, marcada por brioso (vivacidad). Tanto Howes como Burton comentan que esta sección de bravura sirve en lugar de la habitual cadencia del concierto . [10] La tercera improvisación es una brillante tocata orquestal ; Howes lo llama "un asunto ruidoso con mucha percusión, glissandi para trompas y arpas, uso del flautín y cosas así". [16] El cuarto, para violonchelo sin acompañamiento, está marcado "rapsódicamente" ( rapsodicamente ) y tiene amplias fluctuaciones de velocidad; termina con trinos agudos, que se fusionan en la coda . [dieciséis]
La coda se refiere a temas del primer movimiento, primero una figura que se esfuerza hacia arriba desde su sección central y luego la melodía inicial, antes de que el tema del final regrese comprimido, conduciendo el movimiento hacia un final tranquilo y luminoso, y un C inferior del violonchelo. [16] Kennedy comenta: "Es un corazón de piedra que no puede responder a los impulsos de la coda de esta obra", pero durante la composición Piatigorsky anhelaba un final más valiente. Walton compuso dos alternativas, pero la silenciosa conclusión original se escuchó en el estreno y sigue siendo la versión estándar. [17]
En 1974, el compositor reconsideró el final y se preguntó si Piatigorsky (y Heifetz, que compartía la opinión del violonchelista) podrían haber tenido razón. Walton compuso un tercer final y se lo envió a Piatigorsky, pero para entonces el violonchelista estaba mortalmente enfermo y nunca lo interpretó. [18] El final original sigue siendo el estándar, aunque se han publicado grabaciones de la coda alternativa (ver "Grabaciones", más abajo).
Los críticos estaban divididos sobre los méritos del concierto después del estreno. Un crítico de Boston escribió que la pieza era "fina, cálida y melodiosa", aunque más una rapsodia que un concierto. El crítico consideró la obra magníficamente construida, pero anticuada: "la disonancia que hay no alarmaría a una tía anciana". [19] Peter Heyworth adoptó la misma opinión en The Observer después del estreno británico; escribió que había poco en la obra que hubiera sorprendido al público el año en que el Titanic chocó con su iceberg. Aunque Heyworth pensó que el concierto mostraba un marcado "estancamiento" en la música reciente de Walton, elogió el "epílogo singularmente encantador, cuyo aire tranquilo y silencioso parece capturar una vista de un mar en calma que se extiende en la noche". [20] El crítico de The Manchester Guardian calificó la obra como "una obra maestra moderna" que muestra al compositor en su forma más fresca e inspirada, sustituyendo la melancolía de los "grandes conciertos de los años treinta" de Walton por "algo más sereno". [21] The Times , considerando el Concierto para violonchelo junto con los conciertos anteriores, comentó que Walton no era un compositor progresista pero que cada una de sus obras estaba estampada con su personalidad musical: "ingenio, energía chispeante y explosiva, y un tono medio melancólico, Melancolía romántica medio satisfecha... producto de una mente aristocrática". [22] Kennedy escribe que aunque la obra está "bellamente escrita, agradecida de tocar y presenta pocos problemas al oyente", es "demasiado relajada para su propio bien", ocasionalmente episódica e inclinada a reutilizar los gestos familiares de Walton. [15]
Walton encontró valiosa y reconfortante la aportación de Piatigorsky a la composición. Cuando, más tarde, se embarcó en escribir su Segunda Sinfonía , le escribió al violonchelista: "Extraño tu comprensiva guía [y] tu ayuda para estimularme. Porque realmente me estimulaste con mi concierto, que considero una de mis mejores obras". . [23] El violonchelista Daniel Müller-Schott ha escrito que intérpretes y oyentes pueden sentir en la música "el mundo de la naturaleza... toda la atmósfera de Italia. Los rayos dorados del sol, los diferentes colores de la luz [de Ischia], el azul Los tonos del mar y el aroma del agua salada se pueden sentir con rara inmediatez... Se puede hablar de Walton de muchas maneras como un 'impresionista inglés' con una capacidad única para expresar su magia en las voces de la orquesta y el instrumento solista. ". [24]
Piatigorsky predijo que el concierto sería adoptado por violonchelistas de todo el mundo, [7] y entre los que grabaron el concierto después de él se encuentran solistas de Francia ( Pierre Fournier , Paul Tortelier ), China/Australia ( Li-Wei Qin ) , Alemania ( Daniel Müller-Schott ), Hungría ( János Starker ), Países Bajos ( Pieter Wispelwey ), Suiza ( Christian Poltéra ) y Estados Unidos ( Lynn Harrell , Mark Kosower , Yo-Yo Ma ), así como violonchelistas británicos. entre ellos Robert Cohen , Steven Isserlis , Ralph Kirshbaum , Julian Lloyd Webber , Raphael Wallfisch y Paul Watkins . [25]
Una grabación de 2009 del violonchelista Jamie Walton y la Orquesta Filarmónica dirigida por Alexander Briger fue la primera en utilizar la versión revisada de 1974 del final (agregando el original como un bonus track separado). [26] La grabación de 2014 de Li-Wei Qin siguió utilizando la revisión de 1974. [27]
En 2015, la revisión comparativa periódica "Building a Library" de BBC Radio 3 consideró todas las grabaciones disponibles de la obra. El crítico consideró que las grabaciones de Piatigorsky y Fournier eran "referencias esenciales"; consideró que Wispelwey tenía la interpretación en solitario más imaginativa y satisfactoria, decepcionada por el acompañamiento orquestal; y elogió el lirismo de Yo-Yo Ma. La principal recomendación general fue el conjunto Chandos , de Paul Watkins y la Orquesta Sinfónica de la BBC, dirigida por Edward Gardner . [28]