Clarence Hudson White (8 de abril de 1871 - 8 de julio de 1925) fue un fotógrafo, profesor y miembro fundador del movimiento Foto-Secesión estadounidense . Creció en pequeños pueblos de Ohio, donde sus principales influencias fueron su familia y la vida social de la América rural. Después de visitar la Exposición Mundial Colombina en Chicago en 1893, se dedicó a la fotografía. Aunque fue completamente autodidacta en el medio, a los pocos años era conocido internacionalmente por sus fotografías pictóricas que capturaban el espíritu y el sentimentalismo de la América de principios del siglo XX. A medida que se hizo conocido por sus imágenes, otros fotógrafos buscaron a White y viajaban a menudo a Ohio para aprender de él. Se hizo amigo de Alfred Stieglitz y ayudó a promover la causa de la fotografía como una verdadera forma de arte. En 1906, White y su familia se mudaron a la ciudad de Nueva York para estar más cerca de Stieglitz y su círculo y promover aún más su propio trabajo. Mientras estuvo allí, se interesó por la enseñanza de la fotografía y en 1914 fundó la Escuela de Fotografía Clarence H. White, la primera institución educativa en Estados Unidos que enseñaba fotografía como arte. Debido a las exigencias de sus deberes docentes, su propia fotografía decayó y White produjo pocos trabajos nuevos durante la última década de su vida. En 1925 sufrió un infarto y murió mientras enseñaba a estudiantes en la Ciudad de México.
White nació en 1871 en West Carlisle, Ohio, el segundo hijo y el hijo menor de Lewis Perry White y Phebe Billman White. Se crió en lo que se conocía como "The American House", una gran taberna construida por su bisabuelo y colono pionero de Ohio, Augustine White, en 1817. Su infancia fue descrita como "idílica" [1] y, a diferencia de muchos hijos de En ese momento, creció gozando de buena salud y sin muertes ni tragedias en su familia. Él y su hermano Pressley, que era dos años mayor, pasaban gran parte del tiempo jugando en los campos y colinas cercanas a su pequeña ciudad natal.
Cuando White tenía dieciséis años, la familia se mudó a la pequeña ciudad de Newark, Ohio , donde su padre aceptó un trabajo como vendedor ambulante para la empresa mayorista de comestibles Fleek and Neal. Sin su padre, White pasó gran parte del tiempo dedicado a sus propios intereses y se convirtió en un estudiante serio de violín. Desde finales de su adolescencia hasta mediados de los veinte, White llevó un diario en el que registró tanto los acontecimientos de sus días como también sus intereses y opiniones. Escribió cada vez más sobre su interés por la música y las artes pictóricas; no hay mención de la fotografía en sus diarios de este período.
Después de la secundaria, White se convirtió en contable en la empresa donde trabajaba su padre. Era un trabajador diligente, pero su trabajo le daba pocas oportunidades de dedicarse a sus intereses artísticos. Escribió que iba a trabajar a las 7 am seis días a la semana y salía a las 6 de la tarde, a veces trabajando los domingos cuando había mucho trabajo. [2] Su tío materno, Ira Billman, que era un poeta publicado, animó a White a continuar desarrollando sus habilidades creativas, y en 1890 White estaba produciendo cuadernos llenos de bocetos a lápiz, dibujos con pluma y tinta y acuarelas.
Parte de la visión artística que White desarrolló durante este tiempo la aplicó más tarde a su fotografía. Aprendió a utilizar la luz, o la falta de ella, para llamar la atención sobre su tema. También aprendió a visualizar a sus sujetos en su mente. El nieto y biógrafo de White, Maynard Pressley White Jr., señaló que entre los bocetos de su abuelo de esta época había un dibujo de una mujer desnuda sentada en una gran esfera, soplando burbujas con una pipa y rodeada por muchas esferas flotantes en el aire. [3] Estas mismas imágenes aparecieron más tarde repetidamente en las fotografías de White.
Fue a través de sus intereses musicales que White conoció a su futura esposa, Jane Felix (1869-1943), en algún momento de 1891-1892. Ella era maestra de escuela y sus diarios contienen notas sobre cómo la llevó a conciertos en la cercana Universidad Denison y en Columbus, Ohio . White no registró ningún otro interés amoroso en sus diarios y el 14 de junio de 1893 se casó con Felix en Newark a la hora inusual de las 6 am. Los registros familiares no ofrecen ninguna indicación de por qué se celebró la ceremonia en ese momento, pero una hora después de intercambiar votos, White y su novia abordaron un tren con destino a Chicago, donde asistieron a la Exposición Mundial Colombina . La Exposición fue la mayor atracción arquitectónica, artística, musical y tecnológica de su época, con más de 26 millones de visitantes, y atrajo a personas de todos los ámbitos de la vida. Fue allí donde encontró por primera vez la fotografía como medio público. No solo hubo múltiples exhibiciones muy grandes que mostraban a fotógrafos de todo el mundo, sino que también hubo muchos fabricantes de cámaras y equipos de cuarto oscuro que exhibieron y vendieron sus últimos productos, docenas de estudios de retratos e incluso documentación in situ de la propia Exposición. Fue un curso de inmersión continua en el mundo de la fotografía de principios de siglo. [4]
White no registró qué tan pronto se dedicó a la fotografía después de que él y su esposa regresaron a Newark, pero tuvo que haber sido rápido. Hay al menos dos fotografías que tomó que datan de ese mismo año, 1893, y al año siguiente ya estaba profundamente involucrado en su nuevo interés. [5] El nieto de White escribió: "No es coincidencia que la vida de Clarence White en la fotografía comenzara el año de su matrimonio. Mi abuela llevaba muchos sombreros, y todos con verdadero estilo; fue esposa, madre, gerente de negocios, modelo. , crítica estética, estoica y un amortiguador entre mi abuelo y muchos de los disgustos de la vida, con devoción inquebrantable, creó un entorno en el que él podía llevar una vida tranquila y productiva". [6] La considerable influencia de su esposa en el desarrollo artístico de White se puede ver más tarde, cuando comenzó a mantener correspondencia con Alfred Stieglitz ; White solía utilizar las palabras "nosotros" o "la señora White y yo" al describir sus actividades fotográficas más recientes. [6]
Cuando White y su esposa regresaron a Newark, no se encontraban en una situación próspera. Para poder llegar a fin de mes, él y su novia se mudaron con sus padres, [7] y él continuó trabajando largas horas en su trabajo de contable. Al principio no tenía ningún interés en dedicarse a la fotografía como posible carrera, e incluso después de alcanzar el éxito continuó trabajando como contable durante muchos años. [8] La mayor parte de sus ganancias se destinaron a mantener a su familia, y su temprana participación en la fotografía fue un desafío financiero. Más tarde, su alumno Ralph Steiner recordó que White le dijo durante este período que tenía dinero para sólo dos negativos en placas de vidrio cada semana, y que dedicaría cada momento libre a planificar lo que haría con esas dos placas durante su fin de semana." [9]
White fue completamente autodidacta a lo largo de su carrera, en parte porque no tenía dinero para pagar capacitación o cursos en el momento en que estaba desarrollando su propia visión en el medio. Muchos de sus amigos, estudiantes y biógrafos creen que su falta de formación formal fue una de sus mayores fortalezas. Cuando se llevó a cabo una exposición individual de su trabajo en Newark en 1899, su colega fotógrafa de Newark, Ema Spencer, escribió: "Ha estado alejado de las influencias artísticas y no tiene ninguna formación en el arte de las escuelas. En consecuencia, las líneas tradicionales han sido ignoradas inconscientemente". y ha seguido su propia inclinación personal porque ha sido impulsado por esa fuerza elusiva e inescrutable comúnmente conocida como genio". [10] También es importante señalar que en ese momento no había escuelas formales de fotografía en los EE. UU. ni siquiera líderes reconocidos con quienes White podría haber estudiado. La forma más común en que un fotógrafo nuevo aprendía el oficio era trabajando con un fotógrafo experimentado y, aparte de unos pocos retratistas, no había nadie de quien aprender en Newark.
En 1895 nació su primer hijo, Lewis Felix White, seguido de un segundo hijo, Maynard Pressley White, un año después. Cuando nació Maynard, los White se habían mudado a su propia casa, probablemente debido a la generosidad del padre de la Sra. White, John Felix, que poseía varias propiedades en Newark. [11] En ese momento, White demostró suficientes logros en su fotografía que exhibió sus primeras fotografías en público, en el Camera Club de Fostoria, Ohio . [12]
Un año más tarde recibió una medalla de oro en la exposición de la Asociación de Fotógrafos de Ohio en Columbus. Los registros no indican qué fotografías ganaron el premio para White, pero es casi seguro que dos de ellas fueron Study (Leticia Felix) y The Readers , por la que también ganó el Gran Premio en el Primer Salón Internacional de Pittsburgh. El escultor Lorado Taft vio el trabajo de White en Columbus y escribió: "White no sabía nada sobre la técnica [sic] de la fotografía, pero los artistas se volvieron locos con sus imágenes. ¡Yo vi y también me volví loco!". [13]
En 1898 la fama de White siguió aumentando. Sus fotografías se reprodujeron por primera vez en publicaciones nacionales ( The Photographic Times , Harper's Magazine y Brush and Pencil ), y viajó a la costa este para discutir el estado de la fotografía como arte con sus colegas. En Filadelfia, junto con el Primer Salón Fotográfico de Filadelfia, se reunió con F. Holland Day y Joseph Keiley , y en Nueva York conoció a Alfred Stieglitz. Estos últimos seguirían siendo amigos cercanos durante varios años más.
Lo notable de este período en la vida de White es el hecho de que sus limitadas finanzas le permitieron crear sólo unas ocho fotografías cada mes, pero la calidad de esas imágenes era tan consistentemente alta que rápidamente recibió elogios generalizados por su trabajo. También trabajó en condiciones muy difíciles. Debido a las largas jornadas de su trabajo como contable, convenció a familiares y amigos para que modelaran para él por la noche o muy temprano por la mañana, aunque a veces tenían que levantarse tan temprano como las 4 de la madrugada en verano para posar para él. antes de ir a trabajar. [14]
Sólo en 1898, White creó varias fotografías que se encuentran entre las más aclamadas, entre ellas The Bubble, Telegraph Poles , Girl with Harp, Blind Man's Bluff y Spring - A Triptych.
Con el fin de mejorar su propio conocimiento de la fotografía y animar a otros en su pequeña ciudad natal, en 1898 White reunió a un grupo de 10 habitantes locales para formar el Newark Camera Club. Todos sus miembros, incluido White en ese momento, eran fotógrafos aficionados que compartían un interés activo en el pictorialismo, pero fue el liderazgo de White el que pronto impulsó la influencia del club mucho más allá de un pequeño pueblo de Ohio. Ema Spencer, miembro del club y luego miembro de Photo-Secession, escribió que el club "era conocido en los círculos fotográficos aquí y en el extranjero como 'la Escuela Blanca', [15] un reflejo de la estatura y prominencia de White. Un objetivo del Club iba a tener al menos una exposición importante del trabajo de sus miembros cada año, pero también mostrar el trabajo de "fotógrafos tanto del Este como del extranjero, para que su propio trabajo se beneficiara del examen y la comparación" .
Gracias a la influencia y las conexiones de White, al año siguiente el club montó una gran exposición en la YMCA local que incluía grabados de Alfred Stieglitz, F. Holland Day, Frances Benjamin Johnston , Gertrude Käsebier y Eva Watson-Schütze . Al año siguiente se mostraron los mismos fotógrafos, junto con grabados de Robert Demachy , Zaida Ben-Yusuf , Frank Eugene y el entonces desconocido Edward Steichen . [6] A pesar del pequeño tamaño de Newark y su relativo aislamiento de los principales centros culturales, el Newark Camera Club, dirigido por White, rápidamente convirtió a la ciudad en "una fuerza en el mundo de la fotografía". [17] En 1900, la mayoría de los principales fotógrafos pictóricos de Estados Unidos habían viajado o planeaban viajar para ver a White; según un crítico, "trajo el mundo a Newark". [18]
En 1899, White era tan conocido que realizó exposiciones individuales tanto en el Camera Club de Nueva York como en el Boston Camera Club, y también expuso en el Salón Fotográfico de Londres organizado por The Linked Ring . Cuando el Newark Camera Club organizó una importante exposición de fotografía pictórica, White exhibió 135 de sus obras. Esta muestra se vio más tarde en el Museo de Arte de Cincinnati . Además de esta serie de exposiciones, en la nueva revista Camera Notes de Stieglitz se reprodujo una de las sencillas escenas familiares de White, un retrato de su hijo Maynard . [19]
Este mismo año, el padre de White murió a la edad relativamente joven de 52 años. Su muerte no pareció afectar el arte ni los intereses de su hijo; White continuó exponiendo mientras viajaba por el Medio Oeste y la Costa Este para tomar retratos de amigos y clientes. En uno de estos viajes viajó a Terre Haute, Indiana , donde conoció al líder socialista en ascenso Eugene Debs . White se hizo amigo cercano de Debs y otros líderes socialistas, incluidos Clarence Darrow , Stephen Marion Reynolds y Horace Traubel , y durante muchos años intercambiaron correspondencia y mantuvieron largas discusiones filosóficas cada vez que estaban juntos en la misma ciudad. La creencia de White en los valores socialistas fue una de las pocas actividades, además de la fotografía, por las que expresó entusiasmo. Después de una visita prolongada a Reynolds, White escribió: "Nunca había pasado una semana tan llena de inspiración desde que usé una cámara". [20] Su familia, "republicanos acérrimos", [6] esperaba que este interés fuera una aberración temporal, pero White continuó expresando su afinidad por estas creencias durante toda su vida.
En 1900, White fue elegido miembro de The Linked Ring, y fue jurado y expositor en el Salón Fotográfico de Chicago y en el Tercer Salón Fotográfico de Filadelfia. Ansioso por que su descubrimiento Edward Steichen conociera a Stieglitz, le proporcionó a Steichen una carta de presentación e insistió en que Stieglitz lo viera pronto. Steichen hizo escala en Nueva York de camino a París, y él y Stieglitz se convirtieron en amigos y colegas desde hace mucho tiempo. Durante este mismo período, F. Holland Day, a pesar de las objeciones de Stieglitz, organizó una importante exposición en Londres llamada "La nueva escuela de fotografía estadounidense". Más de dos docenas de fotografías de White se incluyeron en la exposición, que luego se vio en París y Alemania. En sus escritos, Day dijo: "El Sr. White [es] el único hombre de verdadero genio que conozco que ha elegido la cámara como medio de expresión". [21]
Aproximadamente al mismo tiempo, White le escribió a Stieglitz: "He decidido que el arte en la fotografía será el trabajo de mi vida y estoy dispuesto a vivir una vida muy sencilla con mi pequeña familia para llevarlo a cabo". [22] Sus palabras fueron muy proféticas ya que luchó financieramente toda su vida; era conocido como un pobre hombre de negocios y un gran fotógrafo.
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Poco más de un año después, Stieglitz, al percibir un número creciente de fotógrafos que mantenían sus mismas creencias sobre el arte del medio, fundó Photo-Secession, la primera organización en Estados Unidos para promover el pictorialismo y la fotografía artística. Invitó a White y a otras diez personas a convertirse en "miembros fundadores", aunque el propio Stieglitz controlaba estrictamente lo que hacía el grupo. Inmediatamente Stieglitz comenzó a planificar la mejor manera de avanzar en el trabajo de su nueva organización, y al poco tiempo organizó una exposición de fotografías de los grupos, incluidas varias de White, en el National Arts Club . Poco después, Stieglitz creó otra nueva revista a la que llamó Camera Work para mostrar aún más el trabajo de los fotosecesionistas. White hizo reproducir cinco de sus fotografías en la edición de julio de 1903 y cinco más en enero de 1905. Ser incluido en Camera Work y ser miembro de Photo-Secession significaba que White era uno de los miembros del círculo íntimo de amigos de Stieglitz en un momento. cuando Stieglitz era considerado uno de los mayores promotores de la fotografía artística en el mundo. [23]
En aquel momento, el uso de fotografías para ilustrar la literatura era un concepto nuevo y no probado, pero a partir de 1901 White emprendió tres proyectos diferentes para ilustrar obras literarias. Primero realizó copias del libro Eben Holden de Irving Bacheller , que se convirtió en un éxito de ventas a nivel nacional. White luego ilustró el segundo libro de poesía de su tío Ira Billman, Songs for All Seasons , y un artículo de revista llamado "Beneath the Wrinkle" para McClure's , ambos en 1904.
Hasta entonces, White había estado involucrado en todas sus actividades fotográficas mientras seguía trabajando en Fleek and Neal en Newark. Con toda su aclamación reciente, finalmente decidió que podría ganarse la vida como fotógrafo y, sin previo aviso, dejó su trabajo y se lanzó a ser fotógrafo profesional. Le escribió a su amigo F. Holland Day: "Todo sucedió de esta manera: renuncié a las 5 pm y a las 7:30 pm estaba listo para partir hacia Chicago, donde el Sr. Darrow me había llamado para ilustrar un libro suyo... Espero hacer las cosas que he tenido en mente durante algún tiempo, y las pocas cosas que se me presenten, y confiar en las tiernas misericordias". [24]
Poco después, White ganó una medalla de oro en el Primer Salón Internacional de Fotografía Artística en La Haya y miembros de la sesión fotográfica en las nuevas Pequeñas Galerías de la Foto-Secesión de Stieglitz mostraron varias de sus fotografías en la exposición inaugural .
Si bien la vida de White fue casi siempre agitada durante este período, él y su esposa pudieron tomarse un breve respiro cada verano en Maine. F. Holland Day los invitó a pasar unas semanas cada año con él en su cabaña en Little Good Harbor en la isla Georgetown, Maine . Habían hecho de esta excursión un evento anual desde 1905, y el retiro del calor del verano y sus preocupaciones comerciales permitieron a White concentrarse únicamente en su trabajo mientras estaban allí. Tanto "Las flautas de Pan" (1905) como "El vigilante" (1906) se realizaron durante su estancia en Maine.
En algún momento a principios de 1906, White decidió dejar Newark y mudarse a la ciudad de Nueva York. Tanto su esposa como él se habían hecho amigos cercanos de los fotógrafos de la costa este con quienes había estado mostrando su trabajo, incluidos Stieglitz, Day, Käsebier, Steichen y Eugene, y estas conexiones familiares y artísticas extensas habían suplantado al pequeño grupo de personas con ideas afines. amigos que los White tenían en Newark. En el centro de estas conexiones estaba Stieglitz, que recientemente había creado "la embriagadora sirena de la Foto-Secesión y las Pequeñas Galerías". [25]
Mientras se preparaban para mudarse, la Sra. White se enteró de que estaba embarazada y, como los primeros meses fueron difíciles para ella, se decidió que permanecería en Newark hasta que naciera el bebé. En septiembre, White se mudó a Nueva York con sus dos hijos y su madre viuda, quien cuidó a los niños hasta que llegó su madre. Su tercer hijo, Clarence Hudson White, Jr., nació en enero de 1907. Debido a la dificultad del embarazo, la señora White permaneció en Newark hasta junio de ese año. [26]
El año 1907 fue uno de los más importantes en la carrera de White. Arthur Wesley Dow , pintor, fotógrafo y profesor, presidía entonces el departamento de arte de la Universidad de Columbia . Dow, que conocía a White desde hacía al menos cinco años, le pidió que se convirtiera en profesor a tiempo parcial de fotografía artística en Teachers College, que formaba parte de Columbia. Este fue un fuerte testimonio del reconocimiento internacional del arte de White, ya que el propio White no tenía educación más allá de la escuela secundaria y nunca había tenido ninguna formación en arte de ningún tipo. [27] Pronto se enamoró de su nueva profesión, que finalmente le proporcionó un ingreso modesto pero estable y al mismo tiempo lo alivió de cualquier detalle de la gestión de un negocio (White era notoriamente laxo a la hora de facturar y cobrar a los clientes).
Durante este mismo año White y Stieglitz emprendieron un experimento artístico en el que crearon conjuntamente una serie de fotografías de dos modelos, Mabel Cramer y otra conocida sólo como Miss Thompson. [28] Stieglitz ofreció sugerencias sobre cómo posar a los modelos, White enfocó la cámara y uno u otro de ellos abría el obturador. White también reveló los negativos e imprimió las fotografías. Una de las intenciones del experimento era probar una variedad de técnicas de impresión y papeles, incluidas impresiones con platino, gelatina de plata y goma bicromada. En algunas de las impresiones firmadas firmaron con un monograma que combinaba las iniciales de ambas. Durante esta colaboración, White aprendió el proceso de color Autochrome de la mano de Stieglitz, quien acababa de regresar de Europa con este conocimiento técnico. White y Stieglitz crearon conjuntamente al menos un Autocromo durante este tiempo, que exhibieron más adelante ese mismo año. [29]
En 1908, Stieglitz continuó mostrando su admiración por White dedicándole un número completo de Camera Work y 16 de sus fotografías. Era sólo la tercera vez que Stieglitz nombraba a un fotógrafo individual para este honor (los otros eran Steichen y Coburn).
White fue tan bien recibido como profesor en Columbia que en 1908 fue nombrado instructor en lo que entonces se llamaba el Instituto de Artes y Ciencias de Brooklyn (ahora conocido como Museo de Brooklyn ). Mantuvo este puesto durante los siguientes 13 años, incluso mientras trabajaba en su propia escuela y enseñaba talleres independientes.
Mientras visitaba a Day en Maine en 1910, White encontró una cabaña pequeña y deteriorada cerca de la propiedad de Day y convenció al propietario para que se la vendiera por casi nada. Luego compró una propiedad cercana y trasladó la cabaña a su nuevo terreno. Después de que la cabaña fue reconstruida y ampliada, White estableció la Escuela de Fotografía de Seguinland en el sitio. Seguinland, que lleva el nombre de un hotel cercano, fue la primera escuela de fotografía independiente en Estados Unidos. [30] White le pidió a su amigo Max Weber que enseñara con él, y sus colegas Day y más tarde Käsebier criticaron el trabajo de los estudiantes al final de cada sesión de verano. Atraídos por la reputación de White y por los modestos costos de matrícula, los primeros estudiantes de la escuela vinieron de Nueva York, Filadelfia, Baltimore, Chicago, Los Ángeles, Ecuador y Egipto. Las sesiones de una, dos y cuatro semanas tenían un precio de 20, 30 y 50 dólares respectivamente. [30] De acuerdo con la naturaleza de White, los estudiantes de Seguinland disfrutaron de un ambiente informal y familiar en el que White y su esposa llevaron a sus clases a picnics y excursiones a la orilla del mar. Seguinland duró hasta 1915, cuando las responsabilidades de dirigir la escuela recién establecida de White en Nueva York abrumaron su capacidad financiera para mantener la escuela de Maine en funcionamiento.
También en 1910, Stieglitz lideró un esfuerzo para crear una importante exposición de los artistas de la Foto-Secesión en lo que entonces se llamaba la Galería Albright en Buffalo, Nueva York (ahora conocida como la Galería de Arte Albright-Knox ). Si bien este esfuerzo se anunció como una actividad grupal de Photo-Secession, Stieglitz se negó a permitir que otros participaran o tomaran decisiones sobre quiénes serían incluidos en la exposición y cómo se mostraría. Stieglitz, que ya era conocido por sus formas dominantes y su enfoque dogmático de la fotografía, llevó su autoridad unilateral y autoasignada incluso más allá de sus acciones pasadas; en este caso demostró haber ido demasiado lejos para varias personas que habían estado estrechamente alineadas con él. Primero Käsebier, luego White y finalmente Steichen rompieron su relación con Stieglitz, cada uno citando el ego autoritario de Stieglitz, su negativa a considerar los puntos de vista de los demás y sus repetidas acciones en nombre de la Foto-Secesión sin consultar a ninguno de los llamados "miembros" de el grupo. [31]
Stieglitz reaccionó a estas afirmaciones y a la partida de White en particular con su habitual actitud antagónica. Al poco tiempo, entregó a White la mayoría de los negativos y copias que había producido conjuntamente con White en 1907. La división entre los dos era tan profunda que Stieglitz le escribió a White: "Una cosa que sí exijo... es que mi nombre no se publique". mencionado por usted en relación con las impresiones o los negativos... Desafortunadamente no puedo borrar el pasado..." [28]
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Animado por el éxito de la Escuela Seguinland y por su nueva libertad para actuar fuera de la sombra de Stieglitz, White fundó la Escuela de Fotografía Clarence H. White en 1914. White le pidió a Max Weber que se uniera a él, junto con Paul Lewis Anderson . White enseñó a los estudiantes sobre estilo e interpretación fotográfica; Weber enseñó diseño, composición y teoría del arte; y Anderson enseñó los aspectos técnicos de cámaras y equipos. Jane White asumió los roles de administradora, contable, directora social y facilitadora de las tareas diarias de su marido.
Durante la siguiente década, la Escuela atrajo a muchos estudiantes que se convirtieron en fotógrafos notables, incluidos Ruth Matilda Anderson , Margaret Bourke-White , Anton Bruehl , Dorothea Lange , Paul Outerbridge , Laura Gilpin , Ralph Steiner , Karl Struss , Margaret Watkins y Doris . Ulmann .
Una de las razones de su éxito fue el enfoque de White hacia la enseñanza. Enfatizó la visión y el estilo personal sobre cualquier escuela o movimiento en particular. A los estudiantes se les asignaron "problemas" y se les pidió que crearan imágenes que evocaran conceptos o sentimientos particulares, como "Inocencia" o "Acción de Gracias". [32] También requirió que los estudiantes experimentaran, al igual que él y Stieglitz, produciendo varios tipos de impresiones de la misma imagen. De las 30 horas de instrucción que se ofrecen cada semana en la escuela, 14 fueron tomadas en una sola clase: "El arte de la fotografía", impartida por White. Durante estas sesiones, White enfatizó que lo principal que sus alumnos tenían que aprender era "la capacidad de ver". [33] Nunca alentó ni permitió la competencia entre sus estudiantes comparando el trabajo de uno con el de otro; el trabajo de cada persona se abordaba totalmente en relación con esa persona. [34]
Este concepto se aplicaba independientemente del interés final del estudiante; White entendió que no todo el mundo era artista. La Escuela trataba "la fotografía no sólo como un arte fino con una técnica establecida sino también como un arte práctico, indispensable para el comercio y la industria modernos". [35] Algunos de sus estudiantes continuaron trabajando en periodismo, publicidad, industria, medicina y profesiones científicas.
White era más conocido en la Escuela por sus comentarios semanales sobre el trabajo de los estudiantes, descritos como "críticas comprensivas pero inquisitivas que les mostraban fielmente lo débiles que eran pero que de alguna manera siempre los hacían valientes y fuertes". [36] Su alumna Marie Riggin Higbee Avery resumió lo que sucedió allí diciendo: "El rigor de nuestro entrenamiento, junto con el espíritu indomable [sic] fomentado en cada uno de nosotros, como resultado de las enseñanzas de Clarence White, fue llevar algunos de los "El menos prometedor del grupo a lugares de alto honor en el mundo de la fotografía". [36]
Igualmente importantes para las enseñanzas fueron las actividades extracurriculares que White desarrolló para complementar el trabajo de clase. Más tarde, el viernes por la noche hubo una serie de conferencias invitadas que incluyeron a Stieglitz, Steichen, Paul Strand y Francis Bruguière . También hizo hablar a los ex alumnos de la escuela Paul Outerbridge, Doris Ulmann y Anton Bruehl como parte de la misma serie. [37]
Una de las características distintivas de White como profesor fue su estímulo a las mujeres como fotógrafas. White buscó y entrenó personalmente a muchas aspirantes a fotógrafas, quienes encontraron en su apertura a una variedad de estilos y técnicas exactamente lo que buscaban en una época en la que la mayoría de los hombres tenían puntos de vista altamente autocráticos. Ralph Steiner recordó que "no se esforzaba mucho por alcanzar la perfección absoluta, pero siempre encontraba algo que elogiar, [lo que] le valió la adoración de muchas mujeres". [38] En 1915 había aproximadamente el doble de mujeres que de hombres en la escuela. Esta proporción no cambió hasta la década de 1930. [39]
El estímulo de White hacia las mujeres contrastaba completamente con Stieglitz, cuyas "actitudes paternalistas y sexistas" [40] le impidieron considerar seriamente a muchas fotógrafas destacadas de su tiempo. Después de la muerte de White, Stieglitz resumió sus actitudes en una carta a Kuehn, diciendo: "Sus alumnas [de White] - mujeres - diletantes a medias - ni un solo talento real...". [41]
Después de varios años, los antiguos alumnos constituían la mayoría de los instructores de la Escuela Blanca. En 1918, Charles J. Martin , un antiguo alumno de White en Columbia, asumió el cargo de instructor en la escuela cuando Weber se fue. Margaret Watkins, una de sus primeras estudiantes, se hizo conocida por sus duras críticas a los aspectos técnicos de la fotografía cuando enseñó de 1919 a 1925. Otros estudiantes convertidos en profesores fueron Margaret Bourke-White, Bernard Horne, Arthur Chapman, Anton Bruehl y Robert Waida. y Alfred Cohn. [42]
De 1921 a 1925, la Escuela ofreció sesiones de verano tanto en Nueva York como en Canaan, Connecticut. Las sesiones de verano regresaron brevemente entre 1931 y 1933 en Woodstock, Nueva York, pero después todas las clases se llevaron a cabo en Nueva York.
A principios de 1916, White, junto con sus colegas Gertrude Käsebier, Karl Struss y Edward Dickinson, fundaron Pictorial Photographers of America (PPA), una organización nacional dedicada a promover la fotografía pictórica. [43] Al igual que Photo-Secession, la PPA patrocinó exposiciones y publicó una revista. Pero a diferencia de la Foto-Secesión, la PPA se abstuvo conscientemente de la exclusividad y abogó por el uso de la fotografía pictórica como medio para la educación artística. Durante la década de 1920, la PPA comenzó a adoptar otros estilos de fotografía y contribuyó decisivamente a aportar "un pluralismo al pictorialismo". [44]
Como hizo con su escuela, White se aseguró de que la PPA diera la bienvenida a las mujeres y de que fueran incluidas en su gobierno. Käsebier fue la primera vicepresidenta honoraria de la organización, y había mujeres en su comité ejecutivo, comité de nominaciones y el Consejo de los Cuarenta, que incluía representantes de todo el país. Según el primer informe anual de la PPA de 1917, las mujeres representaban el 45 por ciento de los miembros de la organización. [45]
White fue el primer presidente de la asociación, desde 1917 hasta 1921. Dejó la presidencia porque creía que la organización se beneficiaría con un cambio. [43] Durante los años siguientes, la reunión anual de la PPA se celebró con las sesiones de verano de la Escuela Blanca en Connecticut.
En 1921, la PPA se unió a la Art Alliance of America, el Art Directors Club, el American Institute of Graphic Arts, la New York Society of Craftsmen y la Society of Illustrators para abrir un edificio conocido como Arts Center. El propósito del nuevo edificio era permitir que las diferentes organizaciones interactuaran regularmente entre sí y proporcionar un lugar donde "se elevara el estándar público del arte utilitario". [46] White creía que el futuro de la fotografía estaba estrechamente ligado al entonces creciente campo de la ilustración de revistas, y no pasó mucho tiempo antes de que se presentaran conferencias en el Arts Center con títulos como "Principios pictóricos aplicados a la fotografía de arquitectura" y "Qué la revista fotográfica puede hacer por el fotógrafo pictórico." [47]
La Primera Guerra Mundial fue muy difícil para White debido a sus valores socialistas. La guerra de cualquier tipo era aborrecible para sus creencias, y durante este período luchó sobre cómo responder cuando gran parte del país estaba comprometido a apoyar la guerra. Su vida familiar enfrentó una crisis cuando sus hijos Maynard y Lewis se alistaron en el ejército. Lewis fue rápidamente dado de baja debido a un defecto cardíaco, pero Maynard permaneció en el servicio hasta el final de la guerra. Además, su colega Karl Struss había sido enviado a un campo de detención debido a su ascendencia alemana.
White se dedicó más que nunca a su enseñanza para distraer su mente de estos problemas. Rara vez fotografió durante este período y muchos de sus colegas se vieron afectados de manera similar. Quizás porque anhelaban algo que les recordara cómo eran las cosas antes de la guerra, White y Stieglitz gradualmente reconciliaron muchas de sus diferencias. Este fue el único punto medio brillante en un período por lo demás difícil. En 1923, White le escribió a Stieglitz diciéndole: "Entiendo que [George] Seeley no está haciendo nada; Coburn tampoco; está enfermo durante el día en la cama. No sé si podré volver a hacer algo, pero espero intentarlo algún día". [48]
Para levantar el ánimo y buscar nuevas inspiraciones, White decidió ir a México en el verano de 1925. Iba a ser a la vez una experiencia docente, ya que varios estudiantes lo acompañaron, y una oportunidad para comenzar a fotografiar nuevamente. . Llegó a México a principios de julio y, como muestra de la reputación e influencia de White, fue visitado inmediatamente por el presidente mexicano Plutarco Elías Calles .
La tragedia se produjo el 7 de julio cuando White sufrió repentinamente un ataque cardíaco después de tomar algunas de sus primeras fotografías en años; Murió 24 horas después. Blanco tenía 54 años. Su hijo Maynard llegó después de su muerte y reclamó el cuerpo, que fue llevado de regreso a Newark para el funeral y el entierro. Su familia y amigos del pueblo fueron los únicos que pudieron asistir a los servicios.
Aunque White y Stieglitz habían tratado de reconciliar sus diferencias antes de que White muriera, Stieglitz nunca perdonó a White por romper con él en 1912. Al enterarse de la prematura muerte de White, Stieglitz le escribió a Kuehn: "Pobre White. Preocupaciones y vejaciones. La última vez que lo vi". Me dijo que no podía afrontar [la vida tan bien como] hace veinte años. Le recordé que le advertí que siguiera haciendo negocios en Ohio; Nueva York sería demasiado para él. Pero la sesión de fotos. La vanidad y las ambiciones se fueron al diablo. [41] A pesar de estas palabras, Stieglitz tenía 49 fotografías de White, incluidas 18 creadas conjuntamente con Stieglitz, en su colección personal cuando murió. [49]
La Escuela White continuó funcionando bajo la dirección de Jane White hasta 1940, cuando ya no tenía la energía para mantenerse al día con las largas horas y los muchos estudiantes. Su hijo Clarence H. White Jr. la reemplazó y durante un tiempo pudo aumentar la inscripción. Sin embargo, un traslado inoportuno a dependencias más grandes para acomodar a los nuevos estudiantes coincidió con la movilización para la Segunda Guerra Mundial, y la matrícula de la escuela pronto se desplomó. Finalmente cerró en 1942. [50]
En 1949, a White Jr. se le ofreció la oportunidad de establecer un departamento de fotografía en la Universidad de Ohio , y continuó los pasos de su padre al establecer allí una escuela que era "insuperable". [51] White Jr. murió en 1978 a la edad de 71 años.
En 1986, White fue incluido en el Museo y Salón de la Fama de la Fotografía Internacional . [52]
Desde el principio, la visión de White estuvo fuertemente influenciada por la cultura y las costumbres sociales de un pequeño pueblo de Ohio. Él "celebraba las cosas elementales, el tiempo pasado jugando en el campo o en el bosque, el simple placer de vivir sin prisas, jugar en espacios interiores... White, al crecer dentro de una familia extensa, sin saber nada más, no tenía un sentido real de otras sociedades y sus cuadros tenían así una especie de fortificación contra el exterior. Eran su epopeya privada." [53]
Por necesidad, White representó este medio cultural con una extraordinaria interpretación de la luz. Debido a las largas horas de su trabajo de contabilidad, que a menudo iba de 7 am a 6 pm seis días a la semana, White fotografiaba con mayor frecuencia a sus sujetos justo después del amanecer y justo antes del anochecer. Una vez escribió: "Mis fotografías eran menos nítidas que otras y no creo que fuera tanto por la lente como por las condiciones en las que se tomaron las fotografías: nunca en el estudio, siempre en casa o al aire libre, y cuando al aire libre a una hora del día muy raramente seleccionada para la fotografía". [54] También compartía una familiaridad íntima con sus sujetos, que en la mayoría de los casos eran su esposa, sus tres hermanas y sus propios hijos.
No obstante, las fotografías de White no estaban posadas casualmente; controló cuidadosamente cada detalle de sus escenas, a veces incluso hizo crear trajes especiales para sus modelos. [55] Vio en su mente exactamente lo que quería y luego lo hizo realidad a través de su cámara. Se ha dicho que "White es muy importante en la historia de la fotografía porque, en sus primeros años, redefinió la naturaleza de la creación de imágenes, creando un lenguaje claramente moderno para su época... Redujo sus composiciones a elementos muy simples de forma, y al experimentar con principios de diseño derivados en gran medida de Whistler y grabados japoneses, creó un estilo personal que era único para la fotografía [56] .
Peter Bunnell escribió además: "Las cualidades que hacen que las fotografías de White sean memorables tienen que ver tanto con la forma como con el contenido. En sus mejores fotografías, la disposición de cada elemento, de cada línea y forma, se eleva a una intensidad expresiva que pocos fotógrafos lograron alcanzar. White fue capaz de transformar la percepción sensorial de la luz en una exposición del aspecto más fundamental de la fotografía: la materialización literal de la forma a través de la luz misma. Sus impresiones, principalmente en soporte platino, muestran riqueza, sutileza y luminosidad. de tono raramente logrado en la historia de la fotografía." [57]
Si bien White es conocido principalmente por sus escenas familiares y retratos, su "... trabajo no es de género porque en realidad nos dice muy poco sobre los individuos mostrados o el mundo en el que viven. Los sujetos blancos aparentemente están ahí, y eso es aproximadamente el final de Lo que parece que tenemos aquí es una 'fotografía pura', similar quizás a la anterior 'pintura pura' del siglo XIX". [58]
En términos del estilo de White, es importante señalar que, si bien pasó casi toda su vida desde 1906 hasta 1925 viviendo en la ciudad de Nueva York, no hay nada en sus fotografías que indique que alguna vez vivió allí. No había escenas callejeras ni gente en la ciudad, ni edificios, puentes, barcos o automóviles. A diferencia de la mayoría de sus amigos fotógrafos, optó por ignorar el lugar donde vivía excepto por el acceso que le brindaba para promover su trabajo y enseñar a otros. [59] Aunque era pragmático en su necesidad de ganarse la vida y promover su arte, se mantuvo fiel a las raíces de su pequeña ciudad durante toda su vida.
Durante la mayor parte de su vida, White estuvo limitado económicamente en cuanto a la cámara y los lentes que usaba. Una vez declaró que "el factor más importante en la selección [de su equipo] es un límite de $50,00". [60] Durante la mayor parte de su tiempo en Newark utilizó una cámara de visión de 6 1/2 "x 8 1/2" con una lente de retrato Hobson de 13 ". [60]
Se sabe que White ha trabajado en los siguientes procesos: platino, goma-platino, paladio, goma-paladio, goma, platino desarrollado con glicerina, cianotipo y platino recubierto a mano. Sus impresiones en platino utilizaron sales de platino en lugar de las sales de plata utilizadas en las impresiones modernas en platino, lo que dio como resultado una mayor variedad y riqueza de tonos medios. [61]
White a veces imprimió la misma imagen utilizando diferentes procesos y, como resultado, existen variaciones significativas en la apariencia de algunas de sus impresiones. Sus impresiones en platino tienen un tono marrón magenta intenso, por ejemplo, mientras que sus impresiones en goma tienen un tono rojizo distintivo. Los fotograbados de sus imágenes en Camera Work , que consideraba impresiones reales, eran más neutrales y tendían a tonos cálidos en blanco y negro.
Antes de 1902, White fechó sus fotografías según el momento en que se realizó el negativo, aunque es posible que no lo haya impreso ese mismo año. Para sus impresiones posteriores a menudo asignaba dos fechas, una cuando se tomó la imagen y otra cuando se imprimió. [62]
