Catástrofe es una obra de teatro breve de Samuel Beckett , escrita en francés en 1982 por invitación de AIDA (Association Internationale de Défense des Artistes) y «[p]roducida por primera vez en el Festival de Aviñón (21 de julio de 1982)... Beckett la consideró 'masacrada'». [1] Es una de sus pocas obras de teatro que trata un tema político y, podría decirse, ostenta el título de la obra más optimista de Beckett. Beckett «escribió la obra de teatro breve Catástrofe sobre el control y la censura» y la dedicó aldramaturgo checo Václav Havel , que estaba en prisión en ese momento. [2] Havel escribió una obra de teatro llamada Error «como respuesta a la que Beckett había escrito en solidaridad ». [3] «En febrero de 1984, en uno de los hitos más significativos en la historia de Index on Censorship , ambas obras de teatro se publicaron por primera vez». [4] En enero de 2022, después de casi 38 años, en la celebración del 50 cumpleaños de Index , le pidieron al "dramaturgo iraní Reza Shirmarz que escribiera su propia respuesta a La catástrofe de Beckett ". [5] Shirmarz escribió su obra Muzzled [6] [7] que fue publicada por Index como una respuesta dramática a La catástrofe de Beckett . En una entrevista con Index , Shirmarz expresó su punto de vista sobre la obra de Beckett: " Catástrofe trata sobre la comunicación censurada, la representación ritualista y la imagen simbólica de las relaciones humanas limitadas por fuerzas externas, un texto determinista, político y posdramático que demuestra cómo los humanos se ven obligados a ser y vivir en un limbo tortuoso. [En Catástrofe ], el protagonista de Beckett se ve privado de su libre albedrío por los sistemas que lo rodean y el control sistemático impuesto por otros, excepto en el momento en que levanta la cabeza y mira a los espectadores. A pesar de su dolor psicosomático, habla a través de su silencio y protesta a través de su inmovilidad. Como los llamados factores sociales y audiencias, el dramaturgo nos recuerda que no podemos salir de la jaula en la que nos han encarcelado las convenciones sociopolíticas y que debemos acatar las leyes inquebrantables impuestas por las estructuras y los conglomerados globales para sobrevivir". [8]
Un director autocrático y su asistente femenina dan los “'toques finales a la última escena' de algún tipo de presentación dramática”, [9] que consiste enteramente en un hombre ( el protagonista ) de pie en el escenario.
La asistente ha dispuesto al hombre como le ha parecido adecuado, sobre un “bloque negro de 18” de alto”, envuelto en una “bata negra [hasta] [sus] tobillos” y –curiosamente– luciendo un “sombrero negro de ala ancha”. [10] La mayor parte del drama consiste en que el director le arrebata el control y moldea al hombre en el escenario para que se ajuste a su visión personal. “El director pide luz, tanto para su cigarro que se apaga constantemente como para el espectáculo del protagonista en el escenario”. [11]
El director es un hombre irritable e impaciente, su fastidio probablemente se ve exacerbado por el hecho de que tiene otra cita, “una asamblea ”, [12] a la que asistir y su tiempo allí es limitado. Expresa su preocupación por la apariencia general y exige que se quiten el abrigo y el sombrero dejando al hombre “temblando” en su “viejo pijama gris ”. [13] Hace que los puños del hombre se abran y luego se junten, la única sugerencia de su asistente a la que presta atención; una vez dispuestos a la altura del pecho, está satisfecho. (Beckett le explicó a James Knowlson que cuando estaba componiendo Catástrofe , “En mi mente estaba la contractura de Dupuytren (de la que sufro) que reduce las manos a garras”. [14] ) El director rechaza la propuesta de su asistente de amordazar al hombre (“¡Esta locura por la explicitación! [15] ” [16] ) o de “mostrar su rostro… solo por un instante”. [17] También le pide que tome notas para blanquear toda la carne expuesta.
En un momento de respiro, cuando el director abandona el escenario, su asistente se desploma en su silla, luego salta y la limpia vigorosamente, como para evitar contaminarse, antes de volver a sentarse. Esto ayuda al público a apreciar mejor su relación con cada una de las partes. Después de todo, ella es la que vistió al protagonista con tanto calor y quien, en dos ocasiones, resalta el hecho de que él tiembla. En cierto modo, ella es simplemente “otra víctima en lugar de una colaboradora”. [18]
Finalmente, ensayan la iluminación con el técnico de teatro (el nunca visto "Luke" ). La obra dentro de la obra dura sólo unos segundos: de la oscuridad a la luz que cae sobre la cabeza del hombre y luego de nuevo a la oscuridad. Finalmente, el director exclama: "¡Ahí está nuestra catástrofe! En la bolsa" [17] y pide que lo ensayen por última vez antes de tener que irse. Se imagina el aplauso expectante del día del estreno ("¡Fantástico! Los pondrá de pie. Puedo oírlo desde aquí [19] ). El hombre se ha convertido, como dice John Calder , en "una estatua viviente que representa, desde el punto de vista del director, a la víctima tranquila y sin protestas, un símbolo del ciudadano ideal de un régimen totalitario". [20]
Sin embargo, en un acto de desafío, el hombre mira hacia arriba, hacia el público (después de haber estado mirando hacia abajo todo el tiempo); el “aplauso flaquea y muere”. [19] Una victoria pírrica tal vez. Sin embargo, “el movimiento inesperado de la figura parece suceder no en el espacio temporal imaginado por el director, sino en el espacio temporal de la actuación [ real ]. El momento es inquietante… No sabemos por qué la figura ha reaccionado así; no sabemos cuándo ocurre la reacción; no sabemos dónde tiene lugar la reacción”. [21] Beckett le dijo a Mel Gussow que “no era su intención que el personaje hiciera una apelación… Es un mártir triunfante en lugar de una víctima sacrificial… y está destinado a intimidar a los espectadores para que se sometan a través de la intensidad de su mirada y su estoicismo ”, [22]
El título requiere una aclaración. “En palabras de Aristóteles : ‘ catástrofe es una acción que trae ruina y dolor al escenario, [donde] se representan heridas y otros sufrimientos similares’”. [23] Malone se refiere a “Catástrofe… en el sentido antiguo… [ser] enterrado vivo en lava y no mover un pelo, es entonces cuando un hombre demuestra de qué está hecho”. [24] La definición más obvia se aplica, por supuesto, al acto de desafío en sí mismo; el efecto es nada menos que catastrófico.
La obra suele ser señalada entre el canon de Beckett por ser abiertamente política, aunque se podrían hacer afirmaciones similares sobre What Where y Rough for Radio II . La obra sigue siendo una obra de Beckett y, como tal, no es prudente limitar la lectura de la misma. "Cuando ... le preguntaron sobre el significado político de Catastrophe , levantó los brazos en un gesto de impaciencia e hizo una sola observación: 'No es más política que Pochade Radiophonique '", Rough for Radio II , como se conoce a esta última en inglés". [25]
La obra puede verse como una alegoría sobre el poder del totalitarismo y la lucha para oponerse a él, en la que el protagonista representa a un pueblo gobernado por dictadores (el director y su ayudante). Al “retocarlo hasta que su ropa y su postura proyecten la imagen requerida de abatimiento lastimoso”[1], ejercen su control sobre la figura silenciada. “La cosificación del protagonista por parte del director puede verse como un intento de reducir a un ser humano vivo al estatus de un icono del sufrimiento impotente. Pero, al final de la obra, reafirma su humanidad y su individualidad en un único movimiento vestigial, pero convincente”. [26] En respuesta a un crítico que afirmó que el final era ambiguo, Beckett respondió enojado: “No hay ninguna ambigüedad allí. Está diciendo: bastardos, todavía no han terminado conmigo”. [27]
David Mamet dirigió una versión cinematográfica de Catástrofe para el proyecto Beckett on Film . El director fue el dramaturgo y entusiasta de Beckett Harold Pinter y el protagonista fue el último actor británico que apareció ante las cámaras (falleció pocas semanas después).
Esta versión ha sido un tanto controvertida, ya que Mamet decidió filmarla como una pieza realista: la escena tiene lugar en un teatro real, y los protagonistas están vestidos como podrían lucir un director y su asistente. “Cuando el director (D) hizo sus demandas perentorias de luz a su asistente femenina (A), la recibió no para su cigarro, como en el original, sino en forma de linterna para su guión. Esto debilitó la sensación de ofensiva gratuita que rodeaba al personaje. D., interpretado por Pinter, recibió demasiada atención de la cámara y un paciente John Gielgud bastante poco, sobre todo en el momento final” [28] cuando levanta la cabeza en desafío. Algunos críticos han argumentado que esta interpretación le quita el tema tiránico de la obra. [ cita requerida ] Mamet también cambia la dirección escénica de Beckett con respecto a las manos del protagonista, sustituyendo un dedo que señala por las manos unidas. [ cita requerida ]
Esta no es la única versión que se ha tomado libertades con la puesta en escena. “Cuando Catástrofe se representó en el Festival Beckett el 15 de septiembre de 1999, el director Robert O'Mahoney interpretó el clímax de forma muy diferente [a la de Beckett]. Después de que Johnny Murphy levantara la cabeza y mirara con gran dignidad al público, sus labios se separaron y se estiraron en una imitación de El grito de Edvard Munch . Esto anuló el impacto del final, ya que el Protagonista quedó reducido a nada más que una víctima abyecta que grita en silencio.” [29]
La catástrofe no trata sólo de una situación política y del lugar que ocupa el artista en ella. La víctima o “protagonista” es también representativa de todos los actores, que tienen que representar lo que los escritores escriben para ellos de la manera en que los directores les dicen que lo hagan (Beckett no ignora su propia relación con los actores, en particular con aquellos que en el pasado se han resistido a sus instrucciones escénicas). El director de la obra capta dos prototipos, el del comisario político y el del director de personalidad todopoderosa como Peter Brook , Vitez, [Mamet u O’Mahoney], que someten una representación a su propia interpretación, donde a menudo la víctima es el propio autor; hay muchos chistes “de moda” en el teatro. La asistente del director lleva a cabo sus instrucciones con frialdad, y poco importa si estamos en un campo de concentración o en un estudio de cine : se descartan todas las consideraciones humanas para lograr la obra de arte definitiva. La metáfora de doble filo es increíblemente efectiva a pesar de toda su simplicidad superficial. Con el tiempo, como ocurre con toda la obra de Beckett, se descubrirán más hilos y alusiones . [20]
“La obra también se ha relacionado con el horror del propio Beckett a la autoexposición y se la ha vinculado con la naturaleza esencialmente exhibicionista del teatro. Se la ha visto como una demostración de la imposibilidad de que un artista dé forma a su obra de tal manera que revele lo que pretende que revele; el arte, al final, se le escapa.” [26]