Arthur Green (nacido el 13 de mayo de 1941) fue uno de los miembros originales de Hairy Who de Chicago, un grupo de estudiantes de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago que expusieron juntos en los años 1960 y 1970 e hicieron arte figurativo con un ligero toque surrealista. [1] También fue miembro de la facultad de la Universidad de Waterloo durante más de 30 años. [2] Su estilo de pintura mezcla motivos de arte pop con tendencias surrealistas. [3] Su crianza en Chicago y sus alrededores puede haberlo influenciado, desde la accesibilidad del Instituto de Arte de Chicago hasta la arquitectura de Louis Sullivan , pero también puede haber sido influenciado por anuncios de los años 1940 y 1950 que tenían matices de sexualidad. [2] Sus pinturas se basaron en la imaginería popular estadounidense, pero la complicaron, a menudo utilizando el espectro completo de colores vibrantes y combinando efectos de trampantojo para jugar con el sentido del equilibrio del espectador. [4]
Green nació en Frankfort, Indiana . Su padre era ingeniero civil y diseñaba puentes; su madre fabricaba colchas y cultivaba flores. [5] Green inicialmente se propuso ser diseñador de automóviles, aunque cambió de rumbo al diseño gráfico cuando comenzó en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago . [2] Sin embargo, durante su primer año tuvo problemas para encontrar suficientes clases de diseño gráfico para tomar, por lo que cambió su enfoque una vez más a la pintura. [2] En 1965, obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes .
Green saltó a la fama por primera vez en 1966, cuando se unió a otros cinco graduados recientes del Art Institute para la primera de una serie de exposiciones grupales llamada The Hairy Who en una serie de espectáculos en el Hyde Park Art Center de Chicago . [6] El extraño nombre reflejaba la tendencia en los apodos para los grupos de rock de la época. Los otros miembros del grupo eran James Falconer , Gladys Nilsson , Jim Nutt , Suellen Rocca y Karl Wirsum . [5] Su trabajo era conocido por su tosquedad y vulgaridad. Contrastaba con el trabajo elegante y urbano de los artistas de Manhattan de la época, a saber, Andy Warhol y James Rosenquist .
Entre 1966 y 1967, Green trabajó en varias escuelas públicas de Chicago enseñando arte de séptimo grado. Entre 1967 y 1968 trabajó en el Chicago City College como instructor. Green enseñó diseño básico, diseño de interiores e historia del arte. Al año siguiente se trasladó al Kendall College of Art and Design , Evanston, Illinois , para asumir un puesto como presidente del Departamento de Bellas Artes. Allí impartió cursos de estudio e historia del arte. En 1969, Green se casó con Natalie Novotny (también graduada del Art Institute of Chicago), cuya educación en el Art Institute en diseño de patrones y telas se convirtió en una fuerte influencia en su trabajo. También aceptó un puesto de profesor en la Nova Scotia College of Art and Design University como profesor asistente.
Finalmente, en 1975, recibió una beca del Consejo de Canadá , que le permitió enseñar pintura y dibujo en la Universidad de Columbia Británica . En 1976, se mudó a Stratford, Ontario , para enseñar en la Universidad de Waterloo . Mientras estuvo en la UW, ocupó dos mandatos como presidente del Departamento de Bellas Artes: 1988-1991 y 2000-2002. Desde entonces vive en Canadá con dos hijos, Catherine y Nicholas.
En 2005, la Kitchener-Waterloo Art Gallery acogió Heavy Weather: Art Green Retrospective en colaboración con la University of Waterloo Art Gallery. [5] Esta exposición reunió 50 piezas de Green, prestadas por el artista y varios coleccionistas privados y públicos de Estados Unidos y Canadá, como un estudio exhaustivo de su carrera de 40 años. Gary Michael Dault creó un libro de tapa blanda con el mismo título de Heavy Weather . [7] El libro contiene fotografías de las 50 piezas, comentarios e imágenes de recursos que habían inspirado a Green.
En 2006, la Universidad de Waterloo le otorgó el estatus de emérito .
El estilo de Green se sitúa en algún punto entre el surrealismo y el arte pop, con indicios de arte óptico. [5] Dos de sus principales influencias, ambas en la colección del Art Institute of Chicago, son René Magritte y Giorgio de Chirico . [8] Intentó capturar la sencillez y el misterio evocados en las pinturas de estos surrealistas. [5] A veces, incluso los citó directamente, utilizando cortinas y perspectivas de múltiples puntos para describir elementos arquitectónicos. [9] También disfrutó del trabajo de James Rosenquist , cuyo trabajo se centraba más en la superficie que en la sustancia; sin embargo, los objetos de Green parecen tener una presencia psicológica en lugar de solo visual. [5]
Las imágenes que Green ha utilizado a lo largo de toda su carrera, y sigue utilizando hasta el día de hoy, provienen de libros de texto ilustrados y publicidad de los años cuarenta y cincuenta que abordan la tecnología y la cultura americana de carretera, con temas evidentes de simbolismo sexual. [10] Las imágenes incluyen conos de helado, puentes, puentes incompletos, espejos, tijeras, uñas pintadas de mujeres, parejas apasionadas, neumáticos, lunas flotando sobre el agua, piezas de rompecabezas, siluetas de un avión volando por encima, reflectores, tornados, piernas de mujeres cubiertas de nailon, vetas de madera, cordones de cuero, tornillos, cables, nudos, cremalleras, cintas, puntadas, cubos Necker y otras ilusiones ópticas. [2] Las pinturas tienden a tener imágenes rasgadas o cosidas que evocan la tradición del trampantojo; los planos transparentes y sólidos también se superponen, logrando un alto nivel de complejidad espacial. [11] Aunque la profundidad ilusoria de sus pinturas no es tan profunda, el espectador aún se encuentra mirando hacia, dentro y a través de sus pinturas.
La obra de Green está llena de dicotomías. Tiene un profundo interés en examinar nuestra relación con la realidad o, más específicamente, la diferencia entre mirar y ver y las recompensas de esto último. Combina el orden y el caos, pero cada fuerza está equilibrada y contenida. [12] Este orden calma el caos a tiempo; el espectador se ve recompensado por pasar tiempo con sus lienzos mientras los objetos ocultos se revelan en una tensión interminable entre el racionalismo y el irracionalismo. [3]
Las incursiones iniciales de Green en la creación artística se parecían mucho a la tradición del expresionismo abstracto, como la de la mayoría de los artistas nacidos en su época. [5] Sin embargo, finalmente se topó con un libro sobre el período metafísico de Giorgio de Chirico y rápidamente cambió su estilo. [5] De repente se interesó en el absurdo de la vida cotidiana y entre medio de un mundo de sueños creado en la publicidad moderna. [5] Su giro hacia el surrealismo en esta coyuntura tenía todo el sentido para él. [5]
Art Green fue uno de los seis miembros originales de Hairy Who. Este era un grupo de artistas que estudiaron juntos en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y luego expusieron juntos seis veces en la década de 1960. Su primera muestra fue en el Hyde Park Art Center en Chicago en 1966; posteriormente, expusieron dos veces más en el Hyde Park Art Center, una en el San Francisco Art Institute, otra en la Corcoran Art Gallery en Washington, DC, y otra en la Visual Arts Gallery en Nueva York. [13] Aunque su interés principal en exponer juntos surgió del hecho de que todos eran amigos y colegas, existen similitudes estilísticas en sus obras de arte. El trabajo de todos estos artistas tiene tendencias hacia un estilo de dibujos animados o arte pop; hay un alto grado de resolución visual en sus dibujos y pinturas y una sensación de horror vacui llena sus lienzos. [13]
En la década de 1970, Green se interesó cada vez más por los efectos de trampantojo en sus lienzos. [3] Sus pinturas recurrían cada vez más a un motivo de cinta, que daba a la textura de la superficie una representación pictórica; es casi como si hubiera una imagen dentro de una imagen en estas pinturas. [11] [12] Una nostalgia erótica impregna sus naturalezas muertas mezcladas y superpuestas, ya que combina fragmentos de la vida contemporánea en patrones muy estilizados y simétricos. Sus pinturas adquieren una apariencia de prisma a medida que reinterpreta imágenes familiares. Cada vez más, se aleja de la figura y se centra solo en vistas recortadas de uñas y manos. [4]
A mediados de los años 1980, Green se interesó en el Cubo Necker . [2] Escribió: "Me intrigaban las posibilidades de representar simultáneamente todos los lados de un cubo giratorio. Incorporé patrones de mosaicos de cubos desplegados junto con el hipercubo en mi trabajo". Su interés en la ilusión se extendió más allá del lienzo y, de hecho, comenzó a afectar la forma del lienzo en sí en la década de 1980. [14] Los lienzos también parecían estar construidos a partir de piezas individuales de vidrio pulido; sus pinturas se convirtieron en monumentos a una artificialidad secular y exagerada. [15] Nada era lo que parecía en estos lienzos, donde Green estaba más interesado en interrumpir la narrativa a través de una manipulación tanto de la forma (es decir, utiliza lienzos con formas) como del contenido (es decir, las escenas dentro de sus pinturas parecen recortadas, dando solo vistas sensuales y parpadeantes de una historia oculta). [15]
En relación con sus trabajos más recientes, Green escribió: "He estado tratando de hacer pinturas en capas que requieren mucho tiempo para "verlas". Quiero alentar al espectador a que sea consciente del proceso (generalmente inconsciente) de interpretación y construcción de imágenes en la mente". Ha seguido haciendo uso de lienzos con formas y una complejidad visual en su manejo de la pintura que se asemeja mucho a un caleidoscopio. [2] Hasta el día de hoy, ha seguido utilizando los mismos motivos: una llama parpadeante, paneles de madera, un cono de helado, una uña de mujer, etc. [16]
Las pinturas de Green se encuentran en muchas colecciones públicas, entre ellas: