Alyson Shotz (nacida en 1964) es una escultora estadounidense afincada en Brooklyn , Nueva York. [1] Es conocida por sus esculturas e instalaciones abstractas experienciales a gran escala inspiradas en la naturaleza y conceptos científicos, que manipulan la luz, las sombras, el espacio y la gravedad para investigar y complicar la percepción. [2] [3] [4] Los escritores sugieren que su trabajo desafía los principios de la escultura monumental y minimalista (tradicionalmente soldada, sólida, pesada y estática) a través de la acumulación de materiales comunes en construcciones que a menudo son flexibles, translúcidas, reflectantes, aparentemente ingrávidas, y sensible a las condiciones cambiantes y a las fuerzas básicas. [5] [6] [7] La crítica de escultura Lilly Wei escribió: "En las realizaciones de Shotz, la definición de escultura se vuelve cada vez más amplia: cada proyecto, a menudo en serie, prueba otra propuesta, otra posibilidad, otra permutación, ignorando los límites convencionales. " [8]
Las obras de arte de Shotz se han agrupado en tres tipos: grandes esculturas e instalaciones, amplias e intrincadas, hechas a mano; esculturas mínimas e independientes que a veces implican fabricación y elementos aleatorios; y fotografías abstractas e impresiones digitales basadas en fotografías. [9] [10] Su obra pertenece a las colecciones del Museo de Arte Moderno , [11] Whitney Museum , [12] Museum of Fine Arts, Houston , [13] Museo Guggenheim Bilbao [14] y Storm King Art Center , [15] entre otros. Ha expuesto en el Museo Solomon R. Guggenheim , [16] Museo Hirshhorn , Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), [17] Guggenheim Bilbao, [18] [19] Wexner Center for the Arts [20] y Museo de Indianápolis de arte . [21]
Shotz nació en Glendale, Arizona en 1964, hija de un piloto de la Fuerza Aérea y una maestra. [9] [17] Cuando era niña, vivió en todo el Oeste y el Medio Oeste debido a la carrera de su padre. Inicialmente estudió geología, pero se dedicó al arte; La ciencia ha seguido siendo una fuerte influencia en su trabajo. [17] [4] Después de inscribirse en la Escuela de Diseño de Rhode Island , se graduó con un BFA en 1987 y obtuvo un MFA de la Universidad de Washington en 1991. [4] [14] A principios de la década de 1990, se mudó a Nueva York. Ciudad. [22]
Shotz comenzó como pintora, produciendo imágenes coloridas de formas orgánicas, mientras que en ocasiones integraba la fotografía, el collage y el vídeo en su práctica. [17] Un trabajo fundamental fue Mimetismo reflexivo (1996), que incluía fotografías y un vídeo de una mujer caminando por el bosque, vestida con un traje de cuerpo entero blindado con pequeños espejos; su juego de follaje reflejado contra follaje real tuvo el efecto de desmaterializar la figura. [9] [22] [17] Continuaría explorando la difuminación de la figura y el fondo, de manera más similar, en instalaciones al aire libre a gran escala como Mirror Fence (2003) y Scattering Screen (2016). [17] [9] [23]
Las esculturas e instalaciones de Shotz manipulan materiales sintéticos ordinarios (lentes ópticas, espejos, vidrio, cuerdas de piano, alambre, cuentas, clavos) en conjunto con fuerzas físicas para investigar la configuración de la percepción, los límites experienciales y los fenómenos efímeros. [8] [2] [19] [24] Combina artesanía y métodos intensivos en procesos de acumulación y construcción de estructuras, a menudo basados en conceptos subyacentes de la física, la óptica y las matemáticas. [25] [26] [5] [20] Su trabajo produce enigmas de percepción: flujo visual, distorsión espacial, efectos caleidoscópicos e ilusiones de movimiento que resultan de cambios en la luz y el punto de vista. [3] [27] [6] [28] Evocan sensaciones naturales y modelos científicos, al tiempo que desdibujan la capacidad de distinguir los materiales orgánicos de los fabricados por el hombre. [19] [5]
Los críticos sugieren que su trabajo recuerda construcciones minimalistas (por ejemplo, Richard Serra ), pero amplía los límites de la escultura modernista , subvirtiendo principios ostensiblemente masculinos como la solidez, el peso y la fijeza con cualidades de fluidez, ingravidez, permeabilidad y translucidez; [8] [2] [20] [14] En este sentido, uno de los objetivos declarados de Shotz es crear volumen sin masa mediante el uso de líneas, vacíos y materiales cuidadosamente seleccionados. [17] [29] La combinación de formas mínimas y orgánicas en su arte ha sido comparada con la de Eva Hesse , sin embargo, ella difiere en su interés en el espectador como participante; ese énfasis se ha relacionado con el trabajo conceptual de Lygia Clark , aunque el de Shotz implica una participación más óptica que física. [17] [6] [4]
A finales de la década de 1990, Shotz comenzó a recibir atención crítica por su trabajo que The New Yorker consideró "un giro ciberorgánico del paisaje" [30] en exposiciones en el Museo Aldrich de Arte Contemporáneo , MoMA PS1 y MASS MoCA . [31] [11] [32] [33] The New Art Examiner describió su exposición individual en Susan Inglett (1999) como una muestra de una "fascinación por la naturaleza que es en parte maravilla infantil, en parte jugueteo humorístico y en parte investigación clínica". [34] Incluía una fotografía digital de flores en ciernes en collage que sugerían ingeniería genética, un video y Pink Swarm , una de las dos esculturas relucientes y suspendidas en forma de topiario o nube hechas de plástico, alambre y tubos quirúrgicos transparentes. [35] [34] Cubiertas con cientos de pequeños pétalos que goteaban hilos de sustancia pegajosa, las esculturas evocaban procesos naturales en exceso. [35]
Para la exposición "Pastoral Pop" (2000) del Museo Whitney, Shotz instaló Mobile Flora , una arboleda de tallos delgados de 9 pies de alto hechos de hisopos recubiertos de caucho verde con ruedas que reemplazan las raíces, que las reseñas caracterizaron como "extrañas, híbridos planta-máquina", [31] "bambú alienígena" [36] y "nenúfares y tallos de frijol genéticamente mutados". [37] En 2003, creó "Mirror Fence" en el Parque de Esculturas Sócrates , una reluciente valla de estacas de tres por 130 pies de largo revestida de espejos, cuyos listones desaparecían y reaparecían en medio del paisaje circundante a medida que los espectadores se acercaban. [38] [39]
En exposiciones posteriores, Shotz presentó esculturas abstractas caracterizadas como posminimalismo actualizado "con un toque de ciencia pop". [5] Estas obras consistían en acumulaciones de materiales comunes que colgaban como dibujos en el espacio, evocando fenómenos naturales, dimensiones invisibles y conceptos teóricos como la teoría de cuerdas y la materia oscura . [10] [5] [26] La forma del espacio (2004) es representativo de este período. Era una forma ondulante y translúcida parecida a una cortina cuyos miles de lentes de plástico cortados a mano y grapados doblaban y refractaban la luz, distorsionando y fragmentando el espacio para crear confusos efectos ópticos caleidoscópicos. [3] [10] [27] [26] Su apariencia fluctuante se comparó con una cascada reluciente, una pared de hielo, ladrillos de vidrio translúcido esmerilado, [10] y, en su presentación en el Museo Guggenheim (2007), de Roberta Smith , hasta un "campanón de viento gigante... que divide y multiplica su entorno [para] proporcionar vistas diminutas, relucientes y biseladas de los anillos del museo, Central Park , un edificio de apartamentos y el tráfico". [dieciséis]
En exposiciones en Locks Gallery, SFMOMA (ambas de 2008), Derek Eller y Warehouse Gallery (ambas de 2009), Shotz exhibió esculturas relacionadas, suspendidas y de pared, que parecían candelabros fantasmales, flotantes o formas moleculares cubiertas de hielo ( Crystalline Structure , 2007); apariciones esqueléticas, ingrávidas, hechas de largas hebras arqueadas de cuerda de piano con cuentas ( The Structure of Light , 2008; Equilibrium , 2009); y redes ondulantes creadas enrollando hilos alrededor de alfileres clavados en las paredes en complejas redes de triángulos con base matemática ("Thread Drawings", 2008). [40] [5] [26] [17] Durante este período, también produjo impresiones digitales tipo collage a partir de fotografías de su propio trabajo (por ejemplo, la serie "A Momentary Configuration of Matter"). Las reseñas los describieron como estructuras orgánicas híbridas, parecidas a colmenas, que se asemejan a hebras de ADN de una forma de vida artificial, pruebas de Rorschach, mariposas, patrones de encaje y calaveras. [10] [40]
En trabajos posteriores, Shotz continuó explorando preocupaciones perceptivas mientras buscaba una gama más amplia de materiales, formas y procesos. [20] [41] [8] "Standing Wave" (2010, Wexner Center for the Arts) consistía en miles de finas tiras de acrílico transparente iridiscente colocadas una al lado de la otra y que se proyectaban desde una pared de 25 pies de largo en arcos curvos y ondas onduladas; las refracciones y reflejos cambiantes sugerían construcciones de arte óptico . [20] [7] Wave Equation (2010, Nasher Sculpture Center ) e Invariant Interval (2013, University of Texas) fueron construcciones monumentales, pero delicadas, que empleaban filamentos de alambre de acero y piano en elipses esqueléticas o formas similares a redes; las críticas las describieron como obras de "tela de gasa" que se mueven entre la presencia y la ausencia, el interior y el exterior, y la masa estática y el movimiento ilusorio. [42] [25] [8] Las instalaciones Plane Weave (2016, Pennsylvania Academy of Fine Art ) y Object for Reflection (2017/2020, Guggenheim Bilbao) fueron obras verticales, a modo de tapiz, hechas de miles de piezas octogonales de aluminio perforado. unidos por anillos de acero, cuya construcción flexible y abierta se desplomó y dobló dramáticamente mientras parecía sólida y transparente. [43] [19] [44] Sus respuestas brillantes a los cambios de luz solar evocaban patrones que iban desde naturales (el sol sobre el agua ondulante) hasta hechos por el hombre (tela, cota de malla ) y digitales (píxeles de pantalla). [43] [45] [14]
En exposiciones en Carolina Nitsch (2014), el Wellin Museum (2015) y Derek Eller (2017, 2020), Shotz presentó obras basadas en el azar. [41] [24] Las "Iteraciones topográficas" eran dibujos fotográficos abstractos con un desconcertante efecto trompe l'oeil que se asemejaba a superficies interplanetarias de tierra agrietada. Los creó arrugando papel japonés Masa, fotografiándolo e imprimiéndolo, y luego arrugando la impresión. [41] La serie "Recumbent Folds" (2012-2014) consistía en formas de porcelana blanca, suaves, parecidas a esculturas, creadas dejando caer losas o cilindros de arcilla desde varias alturas y dejándolos endurecer. [41] [8] Para "Crushed Cubes" (2018), trituró cubos de acero, cobre o bronce para formar objetos nuevos e impredecibles que también reinventaron los objetos minimalistas convencionales. [46] La serie Imaginary Sculptures (2014) evitó los materiales por completo, simplemente visualizando posibles esculturas con imperativos tipo haiku inscritos en placas de pared esmaltadas. [8]
En 2020, expuso las obras "Intricate Metamorphosis", esculturas íntimas y corpóreas colgadas en el techo con superficies iridiscentes similares a cotas de malla hechas de pequeños discos de acero galvanizado, y la serie "Chronometer", que comprendía abstracciones rítmicas montadas en la pared como pinturas compuestas por miles de relucientes arandelas y clavos de cobre, interrumpidas por bandas serpenteantes de cámaras de goma recicladas de bicicletas. [1] La crítica neoyorquina Johanna Fateman comparó los primeros con "capullos vacíos de algunas especies desconocidas o, más fantásticamente, colas abandonadas por sirenas", al tiempo que sugirió que las últimas obras encarnaban temas relacionados con COVID sobre cómo marcar el tiempo y enfrentar la mortalidad. [1] En sus exposiciones de 2023 "Alloys of Moonlight" y "The Silent Constellations", Shotz exploró el espacio, la energía, la luz y la experiencia fenomenológica a través de formas mínimas de malla metálica que se asemejan a tiras de Möbius y delicados relieves rectangulares y en forma de abanico de aluminio, respectivamente. [47] [48]
Shotz ha recibido el encargo de crear obras a gran escala y específicas para el sitio para el Centro Li Ka Shing para el Aprendizaje y el Conocimiento de la Universidad de Stanford, [49] NYU Langone Health , MTA Arts & Design (Nueva York), High Museum of Art , [ 50] Clínica Cleveland y Estadio AT&T (Dallas). [51] [45] [9] En 2022, instaló la escultura permanente y retorcida de acero pintado Entanglement sobre el atrio del Centro de Ciencias Integradas de Skidmore College . [52] Su trabajo de mosaico de vidrio para el techo abovedado del Tribunal Federal Fred D. Thompson en Nashville, The Robes of Justitia , fue encargado por la Administración de Servicios Generales de EE. UU. (GSA) y ganó el Premio de Honor en Arte 2022 de la organización. [53] [54] En 2023, la escultura al aire libre de Shotz, Temporal Shift , fue adquirida por el Parque y Museo de Esculturas deCordova ; Originalmente encargada por la Fundación Grace Farms , la forma elíptica de acero inoxidable de la obra interactúa con la luz natural y hace referencia a la trayectoria orbital de la Tierra alrededor del Sol. [55] [56]
La obra de Shotz pertenece a las colecciones públicas del Academy Art Museum , [57] Baltimore Museum of Art , [58] Brooklyn Museum of Art , [59] deCordova Sculpture Park and Museum, [56] Solomon R. Guggenheim Museum, [4] Guggenheim Bilbao, [60] Museo y jardín de esculturas Hirshhorn, [61] Museo de Arte de Indianápolis, [62] Museo de Arte del Condado de Los Ángeles , Museo de Arte Contemporáneo de Madison , [63] Museo de Bellas Artes, Houston, [13] Museo de Arte Moderno, [11] Galería Nacional de Arte , [64] Academia de Bellas Artes de Pensilvania, [65] Colección Phillips, [66] Museo de Arte Rose , [67] Museo de Arte Moderno de San Francisco, [68] San Jose Museum of Art , [69] Storm King Art Center [70] [15] y Whitney Museum, entre otros. [71] [72]
Ha recibido becas del Saint-Gaudens Memorial (2007), la New York Foundation for the Arts (2004), MacDowell (2021) y la Universidad de Stanford (2014), y recibió premios de Art Matters (1996), la Universidad de Yale (2005). ), la US GSA (Premio de Honor en Arte, 2022), [54] y las fundaciones Pollock-Krasner (1999), Marie Walsh Sharpe (2004) y Peter S. Reed (2021), entre otras. [73] [71] [74] [75] [76] [60] [4]