Chantal Anne Akerman ( en francés: [ʃɑ̃tal akɛʁman] ; 6 de junio de 1950 - 5 de octubre de 2015) fue una directora de cine , guionista , artista y profesora de cine belga en el City College de Nueva York . [1] [2]
Es más conocida por sus películas Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975), News from Home (1976) y Je Tu Il Elle (1974); la primera de ellas fue clasificada como la mejor película de todos los tiempos en la encuesta de críticos "Las mejores películas de todos los tiempos" de 2022 de la revista Sight & Sound , lo que la convirtió en la primera mujer en encabezar la encuesta. Las dos últimas películas también ocupan un lugar más bajo en la misma encuesta. [3] [4] [5] [6] [7]
Akerman nació en Bruselas , Bélgica , hija de sobrevivientes judíos del Holocausto de Polonia. [1] Era la hermana mayor de Sylviane Akerman, su única hermana. Su madre, Natalia (Nelly), sobrevivió durante años en Auschwitz , donde sus propios padres fueron asesinados. [8] Desde muy joven, Akerman y su madre fueron excepcionalmente cercanas, y su madre la alentó a seguir una carrera en lugar de casarse joven. [9]
A los 18 años, Akerman ingresó en el Instituto Nacional Superior de Artes del Espectáculo y Técnicas de Difusión , una escuela de cine belga. Abandonó sus estudios durante el primer semestre para realizar el cortometraje Saute ma ville [10], que financió negociando acciones de diamantes en la bolsa de valores de Amberes . [11]
A los 15 años, la visión de Akerman de Pierrot le fou (1965) de Jean-Luc Godard la inspiró a convertirse en cineasta. El primer cortometraje de Akerman, Saute ma ville (1968), se estrenó en el Festival Internacional de Cortometrajes de Oberhausen en 1971. [12] Ese año, se mudó a la ciudad de Nueva York , donde permanecería hasta 1972. Consideró que su tiempo allí fue una experiencia formativa, quedando expuesta a las obras de Andy Warhol , Jonas Mekas y Michael Snow , con la película de este último La région centrale que la llevó a su visión del "tiempo como lo más importante en el cine". También durante este período, comenzaría su larga colaboración con la directora de fotografía Babette Mangolte . [11]
Su primer largometraje, el documental Hotel Monterey (1972), junto con los cortometrajes La Chambre 1 y La Chambre 2, utilizan tomas largas y técnicas estructuralistas que se convertirían en marcas registradas de su estilo. [11]
Akerman luego regresó a Bélgica y en 1974 recibió el reconocimiento de la crítica por su primer largometraje de ficción Je, Tu, Il, Elle (Yo, tú, él, ella) , notable por su representación de la sexualidad femenina, un tema que aparecería nuevamente en varias de sus películas. [11] La estudiosa de cine feminista y queer B. Ruby Rich creía que Je Tu Il Elle puede verse como una "piedra Rosetta cinematográfica de la sexualidad femenina ". [13]
La película más aclamada por la crítica de Akerman, Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles , se estrenó en 1975 y presenta un estudio en gran parte en tiempo real de la rutina de tareas domésticas y prostitución de una viuda de mediana edad. [11] Tras el estreno de la película, Le Monde calificó a Jeanne Dielman como la "primera obra maestra de lo femenino en la historia del cine". [14] La académica Ivonne Margulies dice que la película es un paradigma fílmico para unir el feminismo y el antiilusionismo. [11] La película fue nombrada la decimonovena mejor película del siglo XX por J. Hoberman del Village Voice . [15] En diciembre de 2022, Jeanne Dielman obtuvo el primer lugar en la lista de las "100 mejores películas de todos los tiempos" de la revista Sight & Sound , según la votación de los críticos, convirtiéndose en la cuarta película en lograrlo después de Ladrón de bicicletas , Ciudadano Kane y Vértigo . Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles se convirtió así en la primera película dirigida por una mujer en encabezar la lista y, junto con Beau Travail , una de las dos primeras películas de este tipo en aparecer entre las 10 mejores. [4] [5] [6] [7] [16] [17]
Akerman ha utilizado el entorno de una cocina para explorar la intersección entre la feminidad y la domesticidad. Las cocinas en su obra ofrecen espacios íntimos para la conexión y la conversación, y funcionan como telón de fondo para los dramas de la vida cotidiana. Las cocinas, junto con otros espacios domésticos, actúan como prisiones autoconfinadas en condiciones patriarcales. [18] En la obra de Akerman, la cocina a menudo actúa como un teatro doméstico. [19]
Akerman suele agruparse dentro del pensamiento feminista y queer, pero articuló su distancia del feminismo esencialista. [20] [21] Akerman se resistió a las etiquetas relacionadas con su identidad como "mujer", "judía" y "lesbiana", eligiendo en cambio sumergirse en la identidad de ser una hija; dijo que veía el cine como un "campo generador de libertad desde los límites de la identidad". [22] Abogó por la multiplicidad de expresión, explicando que "cuando la gente dice que hay un lenguaje cinematográfico feminista, es como decir que solo hay una manera para que las mujeres se expresen". [20] Para Akerman, hay tantos lenguajes cinematográficos como individuos. [22]
Margulies sostiene que la resistencia de Akerman a la categorización responde a la rigidez del realismo esencialista del cine anterior e "indica una conciencia del proyecto de una estética feminista transhistórica y transcultural del cine". [20]
Akerman trabaja con el lema feminista de que lo personal es político, complicándolo con una investigación de los vínculos representacionales entre lo privado y lo público. [20] En Jeanne Dielman , la protagonista no proporciona una representación transparente y precisa de una realidad social fija. [20] A lo largo de la película, se revela que la ama de casa y prostituta Jeanne es una construcción, con múltiples resonancias históricas, sociales y cinematográficas. [20]
Akerman se involucra con representaciones realistas, una forma históricamente fundamentada para actuar como un gesto feminista y simultáneamente como un "irritante" para las categorías fijas de "mujer". [20]
Las películas posteriores de Akerman experimentaron con diferentes géneros y ritmos, incluida la comedia Golden Eighties (1986) y varios documentales. [11] Su última película, No Home Movie , se estrenó en 2015. [1]
En 1991, Akerman fue miembro del jurado del 41º Festival Internacional de Cine de Berlín . [23] En 2011, se unió a la facultad de tiempo completo del Programa de Maestría en Bellas Artes en Producción de Artes Mediáticas en el City College de Nueva York como profesora distinguida y la primera profesora visitante Michael & Irene Ross de Cine/Video y Estudios Judíos. [24] Akerman también fue profesora de Cine en la European Graduate School . [25]
Se han realizado importantes exposiciones individuales de la obra de Akerman en el Museo de Arte Contemporáneo de Amberes, Bélgica (2012), el MIT, Cambridge, Massachusetts (2008), el Museo de Arte de Tel Aviv, Israel (2006); el Museo de Arte de la Universidad de Princeton , Princeton, Nueva Jersey (2006); y el Centro Georges Pompidou , París (2003). Akerman participó en la Documenta XI (2002) y la Bienal de Venecia (2001).
En 2011, se mostró una retrospectiva cinematográfica de la obra de Akerman en el Museo de Cine Austriaco. [26]
La Bienal de Venecia de 2015 incluyó su última instalación de video, Now , una instalación de pantallas paralelas intercaladas que mostraban imágenes de paisajes en movimiento que aparecerían en No Home Movie . [27] En 2018, el Museo Judío de Manhattan presentó la instalación en la exposición Scenes from the Collection y adquirió su obra para la colección. [28] La galería Marian Goodman de París presentó From the Other Side (2002) y Je tu il elle, l'installation (2007) a principios de 2022. [29]
El estilo cinematográfico de Akerman se basa en captar la vida cotidiana. Al alentar a los espectadores a tener paciencia con un ritmo lento, sus películas enfatizan la humanidad de lo cotidiano. [30] La curadora de arte Kathy Halbreich escribe que Akerman "crea un cine de espera, de pasajes, de resoluciones postergadas". [31]
Muchas de las películas de Akerman retratan el movimiento de personas a través de distancias o su absorción en espacios claustrofóbicos. [22] El comisario Jon Davies escribe que sus interiores domésticos "ocultan el trabajo y la violencia de género, el secreto y la vergüenza, donde los traumas, tanto grandes como pequeños, se despliegan con pocos o ningún testigo". [22] Akerman aborda el voyeurismo que siempre está presente en el discurso cinematográfico interpretando a menudo un personaje en sus películas, colocándose a ambos lados de la cámara simultáneamente. [22] Utilizó el aburrimiento del estructuralismo para generar una sensación corporal en el espectador, acentuando el paso del tiempo. [22]
Akerman estuvo influenciado por el cine de arte europeo, así como por el cine estructuralista. [22] El cine estructuralista utilizó la experimentación formalista para proponer una relación recíproca entre la imagen y el espectador. [22] Akerman cita a Michael Snow como una inspiración estructuralista, especialmente su película Wavelength , que se compone de una sola toma de una fotografía de un mar en la pared de un loft, con la cámara haciendo zoom lentamente. [22] Akerman se sintió atraído por la monotonía percibida del estructuralismo porque rechazaba la preocupación del cine dominante por la trama. [22] Cuando era adolescente en Bruselas, Akerman se saltaba la escuela para ver películas, incluidas películas del Festival de Cine Experimental de Knokke-Le-Zoute . [22]
La historiadora del arte Terrie Sultan escribe que la "narrativa de Akerman está marcada por una atención casi proustiana al detalle y a la gracia visual". [32] De manera similar, el lenguaje visual de Akerman resiste la categorización y el resumen fáciles: crea una narrativa a través de la sintaxis fílmica en lugar del desarrollo de la trama. [30]
Muchos directores han citado el estilo de dirección de Akerman como una influencia en su trabajo. [18] Kelly Reichardt , Gus Van Sant y Sofia Coppola han señalado su exploración de la filmación en tiempo real como un tributo a Akerman. [18]
Akerman tenía una relación extremadamente estrecha con su madre, que quedó plasmada en varias de sus películas. En News from Home (1976), las cartas de la madre de Akerman que describen las actividades familiares mundanas se reproducen a lo largo de la película. [33] Su película de 2015 No Home Movie se centra en las relaciones madre-hija, se sitúa en gran parte en la cocina de su madre y se filmó en los últimos meses antes de la muerte de su madre en 2014. [22] La película explora cuestiones de metempsicosis , [22] la última toma de la película actúa como un memento mori del apartamento de la madre. [33]
Akerman reconoció que su madre estaba en el centro de su obra y admitió sentirse sin rumbo después de su muerte. La imaginería materna se puede encontrar en todas las películas de Akerman como un homenaje y un intento de reconstruir la imagen y la voz de la madre. En su libro autobiográfico Familia en Bruselas , Akerman narra la historia, intercambiando su propia voz con la de su madre. [33]
Akerman, de 65 años, murió el 5 de octubre de 2015 en París; Le Monde informó que se suicidó . Su última película fue el documental No Home Movie , una serie de conversaciones con su madre poco antes de su muerte. Sobre la película, dijo: "Creo que si hubiera sabido que iba a hacer esto, no me habría atrevido a hacerlo". [34]
Según la hermana de Akerman, ella había sido hospitalizada por depresión y luego regresó a su casa en París diez días antes de su muerte. [1]
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Medios relacionados con Chantal Akerman en Wikimedia Commons