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Oviri (del tahitiano salvaje ) [1] es una escultura de cerámica de 1894 del artista francésPaul Gauguin . En la mitología tahitiana , Oviri era la diosa del luto y se la muestra con cabello largo y claro y ojos salvajes, asfixiando a un lobo con sus pies mientras agarra un cachorro en sus brazos. Los historiadores del arte han presentado múltiples interpretaciones, generalmente que Gauguin lo concibió como un epíteto para reforzar su autoimagen como un "salvaje civilizado". Las diosas tahitianas de su época habían desaparecido de la memoria popular en 1894, pero Gauguin romantiza el pasado de la isla al recurrir a fuentes más antiguas, incluido un relieve asirio de un tipo de " amo de los animales " y momias de Majapahit . Otras posibles influencias incluyen cráneos preservados de las Islas Marquesas , figuras encontradas en Borobudur y untemplo budista Mahayana del siglo IX en Java central .
Gauguin hizo tres vaciados, cada uno en gres parcialmente esmaltado , y aunque existen varias copias en yeso o bronce, el vaciado original se encuentra en el Museo de Orsay . Sus ventas de los vaciados no tuvieron éxito, y en un momento de declive financiero y personal pidió que se colocara uno en su tumba. Solo hay otros tres comentarios supervivientes de él sobre la figura: describió la figura como un enigma extraño y cruel en un montaje de presentación de 1895 de dos impresiones de un grabado en madera de Oviri para Stéphane Mallarmé ; se refirió a ella como La Tueuse ("La asesina") en una carta de 1897 a Ambroise Vollard ; y adjuntó una inscripción que hace referencia a la novela Séraphîta de Honoré de Balzac en un dibujo de c. 1899 . [2] Oviri fue exhibido en el Salón de Otoño de 1906 (n.º 57) [3] donde influyó en Pablo Picasso , quien basó en él una de las figuras de Las señoritas de Avignon . [4]
Gauguin fue ante todo un pintor; se inició en la cerámica alrededor de 1886, cuando recibió clases del escultor y ceramista francés Ernest Chaplet . Había sido introducido por Félix Bracquemond [5] quien, inspirado por la nueva cerámica artística francesa, estaba experimentando con la forma. Durante ese invierno de 1886-87, Gauguin visitó el taller de Chaplet en Vaugirard , donde colaboraron en vasijas de gres con figuras aplicadas o fragmentos ornamentales y múltiples asas. [6]
Gauguin visitó Tahití por primera vez en 1891 y, atraído por la belleza de las mujeres tahitianas, realizó una serie de retratos escultóricos en forma de máscaras sobre papel. Evocan tanto la melancolía como la muerte y evocan el estado de faaturuma (pensamiento o melancolía); imágenes y estados de ánimo que luego se utilizaron en la cerámica de Oviri. [7] Las primeras tallas de madera de Gauguin en Tahití fueron con una madera de guayaba que se desmoronó rápidamente y no sobrevivió.
Completó Oviri en el invierno de 1894, durante su regreso de Tahití, y lo presentó al salón de la Société Nationale des Beaux-Arts 1895 que se inauguró en abril del año siguiente. [8] Hay dos versiones de lo que siguió: Charles Morice afirmó en 1920 que Gauguin fue "literalmente expulsado" de la exposición; en 1937 Ambroise Vollard escribió que la pieza fue admitida solo cuando Chaplet amenazó con retirar sus propias obras en protesta. [9] Según Bengt Danielsson , Gauguin estaba ansioso por aumentar su exposición pública y aprovechó esta oportunidad escribiendo una carta indignada a Le Soir , lamentando el estado de la cerámica moderna. [10]
A principios de 1897, Vollard dirigió una carta a Gauguin sobre la posibilidad de fundir sus esculturas en bronce. La respuesta de Gauguin se centró en Oviri :
Creo que mi gran estatua en cerámica, la Tueuse (“La Asesina”), es una pieza excepcional como ningún ceramista ha hecho hasta ahora y que, además, quedaría muy bien fundida en bronce (sin retoques y sin pátina). De esta manera el comprador no sólo tendría la pieza de cerámica en sí, sino también una edición en bronce con la que ganar dinero. [11]
El historiador de arte Christopher Gray menciona tres moldes de yeso, cuyas superficies fisuradas sugieren que fueron extraídos de una talla de madera anterior no documentada que ya no existe. Uno fue donado a Daniel Monfreid y ahora pertenece al Museo departamental Maurice Denis "El Priorato" en Saint-Germain-en-Laye . Otra versión en yeso, con el acabado superficial de la madera, fue conservada por Gustave Fayet y posteriormente formó parte de la colección de su hijo, Léon. La tercera versión fue conservada por el artista que hizo los moldes. [12] [13] Se produjeron varios bronces, incluida la versión colocada en la tumba de Gauguin en Atuona , fundida por la Fundación Singer-Polignac y erigida el 29 de marzo de 1973. [12] [14]
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Oviri tiene un largo cabello rubio o gris que le llega hasta las rodillas. Su cabeza y sus ojos son desproporcionadamente grandes, mientras que la abertura en la parte posterior de su cabeza se asemeja a un orificio vaginal. [15] [16] Ella sostiene un cachorro de lobo en su cadera, un símbolo de su indiferencia y poder salvaje. [16] [17] No está claro si Oviri está asfixiando o abrazando al cachorro, [18] pero su pose invoca ideas de sacrificio, infanticidio y el arquetipo de la madre vengativa , influenciada por la pintura de Eugène Delacroix de 1838, Medea a punto de matar a sus hijos . [19] Un segundo animal, probablemente otro lobo, está a sus pies, ya sea acurrucado en sumisión o muerto. [20] Los historiadores del arte, incluida Sue Taylor, sugieren que el segundo animal puede representar a Gauguin. [21]
La asociación entre la mujer y un lobo proviene de un comentario que Edgar Degas hizo defendiendo el trabajo de Gauguin en la mal recibida exposición Durand-Ruel de 1893 , cuando Degas citó la fábula de La Fontaine El perro y el lobo , que generalmente se toma como una implicación de que la libertad no debe intercambiarse por comodidad o ganancia financiera: "Verás, Gauguin es el lobo". [21] [22] En Oviri , el lobo maduro, el Gauguin europeo, perece mientras que el cachorro, el Gauguin de Tahití, sobrevive. [23]
Los mitos tahitianos habían desaparecido en gran medida en la época de Gauguin (basó sus propios relatos en otras fuentes sin reconocerlas), al igual que la mayoría de los artefactos asociados con esa cultura. Su representación de Oviri es en gran parte un trabajo de imaginación, informado por una colección de lo que describió como su "pequeño mundo de amigos" y que llevó consigo a Tahití en su primera visita. Estos incluían la litografía de Odilon Redon La Mort , fotografías de temas como un friso de un templo en Borobudur , Java , y un fresco egipcio de una tumba de la dinastía XVIII en Tebas . [24] Otras fuentes que se han sugerido incluyen un relieve asirio de Gilgamesh agarrando un cachorro de león ahora en el Louvre , y una figura de terracota de Majapahit del museo de Djakarta . [25]
La cabeza de Oviri parece estar basada en cráneos momificados de jefes de las Islas Marquesas , cuyas cuencas oculares estaban tradicionalmente incrustadas con nácar y eran veneradas como divinas. Algunos elementos de su cuerpo pueden estar inspirados en imágenes de fecundidad de Borobudur . Así, la vida y la muerte se evocaban en la misma imagen. [26] En una carta a Mallarmé intentando conseguir una suscripción pública para comprar la obra, Morice tituló la escultura Diane Chasseresse ("Diana la cazadora"), una alusión a la antigua diosa griega Diana de la caza, la luna y el parto. Hizo la misma referencia en sus poemas sobre Oviri . Barbara Landy interpreta el tema de la vida y la muerte como una indicación de la necesidad de Gauguin de abandonar su ego civilizado en un retorno al estado natural del salvaje primitivo. [9] [27] La obra está relacionada con la Venus negra de cerámica de 1889 , que muestra a una mujer arrodillada sobre una cabeza cortada que se parece a la del artista. [21] [28]
Nancy Mowll Mathews cree que las criaturas en sus brazos y a sus pies son en realidad zorros, animales que Gauguin había utilizado en su talla de madera de 1889 Enamorarse serás feliz y en su pintura al óleo de Pont-Aven de 1891 La pérdida de la virginidad . En una carta de 1889 a Émile Bernard , describió al zorro Soyez amoureuses como un "símbolo indio de perversidad". [29] Existe una larga tradición en el folclore asiático de que los zorros tienen el poder de transformarse en mujeres (por ejemplo, en el folclore japonés Yōkai o Kitsune ). [30]
Gauguin representa la figura de Oviri en al menos un dibujo, dos monotipos de transferencia de acuarela y dos xilografías. Es posible que las xilografías fueran creadas en Pont-Aven en el verano de 1894; antes de la cerámica. [31] El último en aparecer es probablemente el dibujo en lo que aparentemente es el primer número del periódico de Papeete de Gauguin Le Sourire "(La sonrisa: un periódico serio)" publicado entre agosto de 1899 y abril de 1900. Estaba acompañado por la inscripción "Et le monstre, entraînant sa créature, féconde de sa semence des flancs généreux pour engendrer Séraphitus-Séraphita" ( Y el monstruo, abrazando a su creación, llenó su generoso vientre de semilla y engendró a Séraphitus-Séraphita ). Séraphitus-Séraphita es una alusión a la novela Séraphîta de Honoré de Balzac , que presenta a un héroe andrógino . En este primer número de Le Sourire , reseñó una obra de teatro de un autor local maohi que trataba el incesto (entre otros temas) e invoca a "Séraphitus-Séraphita". La reseña felicitó al "autor salvaje" de la obra y terminó con un alegato a favor de la liberación de las mujeres a través de la abolición del matrimonio. El dibujo que acompaña la obra es claramente andrógino. [32]
Los historiadores del arte han propuesto varias teorías sobre la aparente multiplicidad de significados inherentes a la representación de Gauguin. La más obvia es que la figura invoca leyendas tahitianas y temas de muerte y superstición. Refleja la visión del artista sobre la sexualidad femenina; un motivo común en el arte del siglo XIX era la conexión entre el pelo largo y salvaje y la feminidad malvada. Algo relacionado con esto es el placer que Gauguin sentía por su título alternativo "salvaje" y las implicaciones de una deidad brutal y sedienta de sangre, que parece referirse tanto a él como a la diosa. [33]
La figura de Gauguin invoca a la diosa polinesia Hina , representada por Morice como una deidad parecida a Diana que agarra a un cachorro de lobo, "monstruosa y majestuosa, ebria de orgullo, rabia y tristeza". [34] Tituló un autorretrato en yeso de 1894 como Oviri . [16] El original se perdió, pero sobreviven varios moldes de bronce. Utilizó espejos dobles para capturar su familiar perfil inca, y el resultado repitió su Jarro en forma de cabeza, Autorretrato . Esta fue una de las primeras ocasiones en que Gauguin se aplicó el término Oviri a sí mismo. [35] [36] [37]
"Gauguin a veces también se refería a sí mismo como Oviri, el salvaje...", escribe Merete Bodelsen . [38] [39] La versión de Stuttgart de su pintura al óleo de 1892 E haere oe i hia (¿Adónde vas?) representa a una mujer agarrando a un cachorro de lobo. [40] Pollitt comenta que esta figura robusta, escultural y andrógina ofrece una primera visión de Oviri . [19] [a]
Oviri era el título de una canción tahitiana favorita, una melodía melancólica de amor y anhelo que menciona el "corazón salvaje e inquieto" del protagonista. [10] Narra el amor entre dos mujeres, ambas silenciosas y frías. Gauguin tradujo el verso en su serie de diarios romantizados Noa Noa (que en tahitiano significa "fragancia", un proyecto escrito que emprendió para examinar su experiencia tahitiana, que acompañó con una serie de diez xilografías); [41] [42] la única de sus canciones reimpresa en el periódico tahitiano La Guêpes cuando se convirtió en editor. [b] Danielsson cree que la canción hace eco del doble apego de Gauguin a su esposa danesa Mette y a su entonces vahine (que en tahitiano significa "mujer") Teha'amana , su joven esposa nativa y el punto focal de Noa Noa . [43]
Noa Noa contiene un relato de un viaje a las montañas con un joven al que finalmente entiende como asexuado, lo que lo lleva a meditar sobre el "lado andrógino del salvaje" en su manuscrito. [44] [45] [46] Ben Pollitt señala que en la cultura tahitiana el artesano/artista, ni guerrero/cazador ni ama de casa/cuidador, era concebido de manera andrógina, una posición de género ambigua que apelaba a la naturaleza subversiva de Gauguin. [19] Taylor cree que Morice puede haber estado describiendo a Gauguin en su poema de 1897 Shining Hina of the Woods como parte de dos largos extractos de su colaboración en Noa Noa . Gray ve la escultura como la representación de "la expresión de la profunda desilusión y desánimo de Gauguin". [8]
Noa Noa forma parte de la documentación que Gauguin realizó sobre sus experiencias como visitante colonial en Tahití entre 1891 y 1893. Fue el primero en utilizar el término "Noa Noa" para describir el aroma de las mujeres tahitianas: "Un perfume mezclado, mitad animal, mitad vegetal emanaba de ellas; el perfume de su sangre y de la gardenia taitensis que llevaban en el pelo". [47] A su regreso a París en 1893, Gauguin tenía miedo de exponer sus obras tahitianas. Noa Noa debía proporcionar el contexto necesario para que el público comprendiera los nuevos motivos presentados en su exposición Durand-Ruel. No se completó a tiempo para la inauguración de la exposición. [48]
Gauguin pidió que se colocara a Oviri en su tumba, [c] lo que parece indicar que veía a la figura como su alter ego . Según Mathews, veía al zorro tan cambiante en su género como él, y por lo tanto un símbolo de sexualidad peligrosa. [49] Varias fuentes indican que Gauguin sufría una erupción sifilítica que le impidió viajar a Tahití durante varios meses. [d] Ella sugiere que el orificio es una pars pro toto de la mujer que lo infectó. [15]
El antropólogo Paul van der Grijp cree que Oviri fue concebido como un epíteto para reforzar la personalidad de Gauguin como un "salvaje civilizado". [50] [51] En su última carta a Morice, el artista escribió: " Te equivocaste ese día cuando dijiste que yo estaba equivocado al decir que era un salvaje. Es muy cierto: soy un salvaje. Y la gente civilizada lo percibe. En mi obra no hay nada que pueda sorprender o desconcertar, excepto el hecho de que soy un salvaje a pesar de mí mismo. Esa es también la razón por la que mi obra es inimitable". [e] [16] [18] [52]
Independientemente de si la escultura iba a ser exhibida en el Salón de la Nationale , estaba prevista para el propietario del café Lévy en el 57 de la rue Saint-Lazare, con quien Gauguin había cerrado un acuerdo para que lo representara antes de su última partida a Tahití. No se vendió y Charles Morice no pudo reunir dinero público para adquirirla para la nación. Gauguin había pensado que su único mecenas interesado sería Gustave Fayet , quien finalmente la compró por 1.500 francos, pero en 1905, después de la muerte de Gauguin. [53]
Gauguin fue celebrado por la vanguardia parisina después de las exposiciones retrospectivas póstumas en el Salón de Otoño de 1903 y 1906. El poder evocado por su obra condujo directamente a Les Demoiselles d'Avignon en 1907. Según David Sweetman , Picasso se convirtió en un aficionado de Gauguin en 1902 cuando se hizo amigo del escultor y ceramista español expatriado Paco Durrio en París. Durrio era amigo de Gauguin y tenía varias de sus obras en un intento de ayudar a su amigo pobre en Tahití promocionando su obra en París. [54]
El historiador del arte John Richardson escribe:
La exposición de Gauguin de 1906 dejó a Picasso más cautivado que nunca por este artista. Gauguin demostró que los tipos de arte más dispares (por no hablar de elementos de la metafísica, la etnología, el simbolismo, la Biblia, los mitos clásicos y mucho más) podían combinarse en una síntesis que fuera propia de su tiempo pero atemporal. Un artista también podía confundir las nociones convencionales de belleza, demostró, al unir sus demonios a los dioses oscuros (no necesariamente los tahitianos) y aprovechar una nueva fuente de energía divina. [55]
Tanto Sweetman como Richardson señalan que la obra de Gauguin Oviri fue una de sus principales influencias. Expuesta por primera vez en la retrospectiva del Salón de Otoño de 1906, probablemente ejerció una influencia directa sobre Las señoritas . David Sweetman escribe: «La estatua de Gauguin Oviri, que se exhibió de forma destacada en 1906, estimuló el interés de Picasso tanto por la escultura como por la cerámica, mientras que las xilografías reforzaron su interés por el grabado, aunque fue el elemento primitivo presente en todas ellas lo que más condicionó la dirección que tomaría el arte de Picasso. Este interés culminaría en la obra fundamental Las señoritas de Avignon ». [54]
En 2006, una versión en bronce de Oviri se vendió en Christie's Nueva York por 251.200 dólares estadounidenses. [12]
