L'Arianna (SV291,Ariadna) es lasegundaóperaperdidadel compositor italianoClaudio Monteverdi. Una de las primeras óperas en general, fue compuesta en 1607-1608 y representada por primera vez el 28 de mayo de 1608, como parte de las festividades musicales de una boda real en la corte delduque Vincenzo GonzagaenMantua. Toda la música se pierde, excepto el recitativo extendido conocido como " Lamento d'Arianna " ("El Lamento de Ariadna"). El libreto, que se conserva completo, fue escrito en ocho escenas porOttavio Rinuccini, quien utilizóHeroidesdeOvidioy otras fuentes clásicas para relatar la historia delabandono de Ariadna por Teseoen la isla deNaxosy su posterior elevación como esposa del diosBaco.
La ópera fue compuesta bajo una fuerte presión de tiempo; El compositor dijo más tarde que el esfuerzo de crearlo casi lo mata. La representación inicial, producida con lujosos e innovadores efectos especiales, fue muy elogiada, y la obra fue igualmente bien recibida en Venecia cuando fue revivida bajo la dirección del compositor en 1640 como obra inaugural del Teatro San Moisè .
El libreto de Rinuccini está disponible en varias ediciones. La música del "Lamento" sobrevive porque fue publicada por Monteverdi, en varias versiones diferentes, independientemente de la ópera. Este fragmento se convirtió en una obra musical de gran influencia y fue ampliamente imitado; El "lamento expresivo" se convirtió en una característica integral de la ópera italiana durante gran parte del siglo XVII. En los últimos años, el "Lamento" se ha vuelto popular como pieza de concierto y recital y se ha grabado con frecuencia.
Aproximadamente en 1590, Claudio Monteverdi, nacido en Cremona en 1567, consiguió un puesto como violinista en la corte de Mantua del duque Vincenzo Gonzaga . [1] Durante los siguientes diez años avanzó hasta convertirse en el maestro della musica del duque . [2] [3] Durante ese tiempo, se estaban produciendo importantes avances en el mundo del teatro musical; en 1598 se representó en Florencia la obra generalmente reconocida como la primera del nuevo género de "ópera": Dafne de Jacopo Peri . [4] El duque se apresuró a reconocer el potencial de esta nueva forma musical y su potencial para dar prestigio a quienes estuvieran dispuestos a patrocinarla. [5]
Como parte de sus deberes para con la corte de Gonzaga, a Monteverdi a menudo se le pedía que compusiera o arreglara música para representaciones teatrales. Estas obras incluían una ópera en toda regla, L'Orfeo , escrita con libreto de Alessandro Striggio el Joven y presentada ante la corte el 24 de febrero de 1607. Esta representación agradó al duque, quien ordenó una repetición para el 1 de marzo. [6] Un relato contemporáneo registra que la pieza "no podría haberse hecho mejor... La música, observando la debida propiedad, sirve a la poesía tan bien que no se puede escuchar nada más hermoso en ningún lugar". [7] Luego se pidió a Monteverdi que escribiera varias piezas para representar en la boda del hijo y heredero del duque, Francisco , con Margarita de Saboya , prevista para principios de mayo de 1608. [8] Entre ellas se incluía un prólogo musical para la obra de teatro L'idropica de Battista Guarini y una ambientación del ballet dramático Il ballo delle ingrate ("Danza de las damas desagradecidas"), con texto de Ottavio Rinuccini . También iba a haber una ópera, aunque inicialmente no estaba seguro de que Monteverdi la presentaría. Otras obras bajo consideración fueron Le nozze di Peleo e Tetide de Peri ("El matrimonio de Peleo y Tetis") con libreto de Francesco Cini, y una nueva ambientación de Dafne de Marco da Gagliano . Al final, el primero fue rechazado y el segundo designado para su presentación en el Carnaval de 1607-08. El duque decretó que la ópera nupcial se basara en el mito de Arianna (Ariadna) y que Rinuccini escribiera el texto. Monteverdi recibió instrucciones de proporcionar la música. [9]
En el momento en que recibió el encargo de L'Arianna , Rinuccini era probablemente el más experimentado y distinguido de todos los libretistas. Su carrera como escritor se remonta a 1579, cuando escribió versos para el entretenimiento de la corte florentina Maschere d'Amazzoni . [10] Se había hecho ampliamente conocido por sus contribuciones en verso al célebre intermedio de la obra de teatro La Pellegrina ( La mujer peregrina ) de Girolamo Bargagli, representada en mayo de 1589 en la boda de Fernando I de Medici y Cristina de Lorena . [11] Según Gagliano, Rinuccini fue una influencia principal en el surgimiento de la ópera como género; adaptó las convenciones de sus poetas líricos contemporáneos para producir los libretos de dos de las primeras óperas, Dafne y Euridice , esta última con música de Peri y Giulio Caccini . [12]
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Para su libreto de Arianna , Rinuccini se basó en una variedad de fuentes clásicas, en particular el décimo libro de Heroides de Ovidio , partes del Carmina de Catulo y la sección de la épica Eneida de Virgilio que trata sobre el abandono de Dido por Eneas . También utilizó aspectos de obras literarias más recientes: Orlando Furioso de Ludovico Ariosto , Gerusalemme liberata de Torquato Tasso y la traducción de 1561 de Giovanni Andrea dell' Anguillara de Las Metamorfosis de Ovidio . [13] El libreto se amplió durante los ensayos cuando Carlo de' Rossi, miembro de la corte del duque, informó de la queja de la duquesa Leonora de que la pieza era "muy seca" y necesitaba ser enriquecida con más acciones. [14] El libreto publicado en Venecia en 1622 toma la forma de un prólogo y ocho escenas, [15] aunque se han sugerido otras disposiciones del texto. Por ejemplo, el musicólogo Bojan Bujić ha propuesto como alternativa un prólogo y cinco escenas. [dieciséis]
Monteverdi probablemente comenzó a componer a finales de octubre o principios de noviembre de 1607, ya que la llegada de Rinuccini a Mantua puede fecharse el 23 de octubre. Con los ensayos previstos para el nuevo año, Monteverdi compuso la obra a toda prisa y bajo una presión considerable; [n 1] casi 20 años después todavía se quejaba, en una carta a Striggio, de las penurias que le habían hecho sufrir: "Fue la falta de tiempo lo que me llevó casi a las puertas de la muerte al escribir L' Arianna ". [17]
Monteverdi aparentemente había terminado la partitura a principios de enero y comenzaron los ensayos. Sin embargo, su trabajo no terminó ya que se le pidió que escribiera más música cuando el trabajo se amplió tras la intervención de Rossi. Entre el material añadido o ampliado se encuentran la escena inicial entre Venus y Cupido y la bendición de Júpiter desde el cielo al final de la ópera. [14] [15] En marzo de 1608, ya entrado el período de ensayo, la representación prevista de la ópera se vio comprometida por la muerte, por viruela, de la principal soprano Caterina Martinelli . [14] Afortunadamente había un sustituto disponible, una reconocida actriz y cantante, Virginia Ramponi-Andreini , conocida profesionalmente como "La Florinda", que actuaba en Mantua. Un cortesano, Antonio Costantini, informó más tarde que aprendió el papel de Arianna en seis días. [18] El musicólogo Tim Carter sugiere que el lamento de Arianna puede haber sido añadido a la ópera en esta última etapa, para explotar las conocidas capacidades vocales de La Florinda. [19]
El casting para el estreno de la ópera es incierto. Si bien se puede establecer la participación de cantantes como La Florinda y Francesco Rasi , las fuentes han especulado sobre la participación de otros cantantes. [20] Existen varias versiones del libreto publicado; la lista de roles está tomada de la publicación de Gherardo & Iseppo Imberti, Venecia 1622. [21]
La acción está precedida por un breve prólogo, pronunciado por Apolo. Luego, Venus y Cupido son descubiertos, conversando, en una playa desolada. Venus informa a Cupido que el duque Teseo de Atenas, junto con Ariadna, pronto llegarán a la isla de Naxos de camino a Atenas. Huyen de Creta, donde la pareja ha sido cómplice del asesinato del monstruoso medio hermano de Ariadna, el Minotauro, en el laberinto debajo del palacio de su padre, el rey Minos. Venus es consciente de que Teseo tiene la intención de abandonar a Ariadna en Naxos y dirigirse solo a Atenas. Cupido se ofrece a reavivar la pasión de Teseo por Ariadna, pero Venus ha decidido unirla con el dios Baco y le pide a Cupido que lo arregle.
Cupido se oculta cuando Teseo y Ariadna llegan a la isla a poca distancia. Ariadna reflexiona sobre su deslealtad hacia su padre, pero declara su amor por Teseo. Ella parte para buscar refugio para pasar la noche, después de lo cual un coro de pescadores compara sus ojos con las estrellas del cielo. Teseo, a solas con su consejero, analiza su abandono de Ariadna y se le advierte que esta decisión está justificada, ya que ella no será aceptable para el pueblo de Atenas como consorte de su gobernante.
Un coro saluda el amanecer cuando Ariadna, después de una noche de sueño agitado, regresa a la orilla con su compañera, Dorilla, y descubre que Teseo se ha marchado. Dorilla le ofrece consuelo. Desesperada ante la idea de que Teseo no regresará, Ariadna decide ir a la zona de aterrizaje para esperarlo. En un interludio pastoral , un coro canta las alegrías de la vida rural y expresa la esperanza de que Teseo no olvide a Ariadna. Ante la noticia de un enviado de que Ariadna está sola y afligida, el coro vuelve a cantar en simpatía por ella. En la playa, Ariadna canta su lamento por su amor perdido y se prepara para suicidarse. En este punto se escuchan fanfarrias que anuncian una llegada, lo que hace que Ariadna tenga la esperanza de que sea Teseo quien regresa. En otro interludio, el coro siente empatía, pero un segundo enviado anuncia que es Baco quien ha llegado, compadecido de Ariadna. Un baile cantado celebra el anticipado compromiso de Baco y Ariadna. En la escena final, Cupido reaparece y Venus emerge del mar antes de que Júpiter pronuncie su bendición desde los cielos. La unión se sella cuando Baco promete a Ariadna la inmortalidad en el cielo y una corona de estrellas.
La fecha de la boda de Gonzaga fue pospuesta repetidamente debido a problemas diplomáticos que retrasaron la llegada de la novia a Mantua hasta el 24 de mayo. [20] Las festividades de la boda comenzaron cuatro días después; [25] L'Arianna se representó el 28 de mayo de 1608, el primero de varios entretenimientos espectaculares. Para la ocasión se había construido un gran teatro temporal; según el cronista de la corte, Federico Follino, allí había 6.000 personas, una cifra que Carter considera poco probable. [26] Cualquiera que fuera su tamaño, la arena no podía albergar a todos los que deseaban estar presentes. El relato de Follino registra que, aunque el duque había limitado estrictamente el número de personas de su casa con derecho a estar allí, muchos visitantes extranjeros distinguidos no pudieron sentarse y se vieron obligados a aglomerarse alrededor de las puertas. [25]
Aunque contenida en un solo escenario, [26] la producción fue fastuosa, con 300 hombres empleados para manipular la maquinaria del escenario . [27] El informe de Follino describía el decorado como "un lugar rocoso salvaje en medio de las olas, que en la parte más alejada de la perspectiva se podía ver siempre en movimiento". Al comenzar la acción, Apolo se reveló "sentado sobre una nube muy hermosa... que, descendiendo poco a poco... alcanzó en un corto espacio de tiempo el escenario y... desapareció en un momento". A partir de entonces, todos los intérpretes demostraron excelentes en el arte del canto; "cada parte tuvo un éxito más que maravilloso". [25] El entusiasmo de Follino tuvo eco en otros informes presentados por dignatarios a sus propios tribunales. El embajador de la Casa de Este , que se refirió a la obra como "una comedia musical", mencionó en particular la actuación de Andreini que, en su lamento, "hizo llorar a muchos", y la de Francesco Rasi, que como Baco "cantó divinamente ". [28] El compañero compositor de Monteverdi, Marco da Gagliano, escribió que la música de Monteverdi había "conmovido a toda la audiencia hasta las lágrimas". [29] En total, la ópera duró dos horas y media. [25]
A pesar de la acogida positiva que tuvo L'Arianna en su estreno, el duque no solicitó una segunda proyección, como había hecho con L'Orfeo el año anterior". [30] El siguiente indicio de una representación de L'Arianna es de 1614 , cuando la corte de los Medici en Florencia solicitó una copia de la partitura, presumiblemente con la intención de ponerla en escena. Sin embargo, no hay constancia de tal interpretación allí. [31] A principios de 1620, Striggio le pidió a Monteverdi que le enviara la música para una actuación proyectada en Mantua como parte de la celebración del cumpleaños de la duquesa Caterina . Monteverdi se tomó la molestia y el gasto de preparar un nuevo manuscrito con revisiones; si hubiera tenido más tiempo, informó a Striggio, habría revisado la obra más [32] Al no saber nada más de la corte de Mantua, Monteverdi escribió a Striggio el 18 de abril de 1620, ofreciéndose a ayudar con la puesta en escena. Sin embargo, aproximadamente un mes después, se enteró de que las celebraciones de la duquesa se habían reducido y que No había habido representación de L'Arianna . [33]
Hay algunas pruebas que sugieren una posible actuación en Dubrovnik , en 1620 o algún tiempo después; en 1633 se publicó en Ancona una traducción croata del libreto . [16] Sin embargo, la única reposición conocida de la obra se produjo en Venecia, en 1640. La ópera del teatro público había llegado a la ciudad en marzo de 1637, cuando se fundó el nuevo Teatro San Cassiano Se inauguró con la interpretación de L'Andrómeda de Francesco Manelli . [34] La popularidad de esta y otras obras llevó a que más teatros convirtieran sus instalaciones para ópera; L'Arianna fue elegida para inaugurar el Teatro San Moisè como teatro de ópera durante el Carnaval de 1639-1640 (no se registra la fecha exacta de esta representación). En 1639 se publicó una versión revisada del libreto, con importantes recortes y revisiones de la versión de 1608 para eliminar pasajes demasiado específicamente vinculados a la boda de Mantua. [35] El compositor, que entonces tenía 73 años, había adquirido un prestigio considerable en Venecia, habiendo sido director de música en la Basílica de San Marcos desde 1613. La dedicatoria del libreto revisado y reeditado lo describe como "[el] más célebre Apolo del siglo y la inteligencia más alta de los cielos de la humanidad". [36] La ópera fue recibida con gran entusiasmo por un público veneciano ya familiarizado con el lamento, que se había publicado en la ciudad en 1623. [37] A las pocas semanas, el teatro reemplazó L'Arianna con la nueva ópera de Monteverdi Il ritorno d 'Ulisse in patria ', que resultó ser un éxito aún mayor. [38]
Después del renacimiento de Venecia de 1639-1640 no hay más registros de representaciones de L'Arianna . El libreto de Rinuccini, que se publicó en varias ocasiones durante la vida de Monteverdi, ha sobrevivido intacto, pero la música de la ópera desapareció algún tiempo después de 1640, con la excepción del lamento de la escena 6 de Ariadna, conocido como "Lamento d'Arianna". Con la pérdida de su música, la ópera comparte el destino de la mayoría de las obras teatrales de Monteverdi, incluidas seis de sus otras nueve óperas. La explicación de Carter para la alta tasa de desgaste es que "los recuerdos eran breves y las obras musicales a gran escala a menudo tenían una vigencia limitada más allá de sus circunstancias inmediatas"; esa música rara vez se publicaba y se descartaba rápidamente. [39] [40]
El lamento se salvó del olvido gracias a la decisión de Monteverdi de publicarlo independientemente de la ópera: primero en 1614 como madrigal a cinco voces, [41] luego en 1623 como monodia , [42] y finalmente en 1641 como himno sagrado, " Lamento de la Virgen". [43] La adaptación a cinco voces fue incluida en el Sexto Libro de Madrigales del compositor ; Hay pruebas de que este arreglo se hizo por sugerencia de un caballero veneciano anónimo que pensó que la melodía se beneficiaría del contrapunto . [44] En 1868, François-Auguste Gevaert publicó el lamento en París, y en 1910 el compositor italiano Ottorino Respighi publicó una transcripción orquestal editada, P 088. [45]
En su análisis del lamento, la musicóloga Suzanne Cusick afirma que "[E]n gran medida la fama y el estatus histórico de Monteverdi se basaron durante siglos en la apreciación universal de su logro en el célebre lamento [que] estuvo entre los más emulados, y por lo tanto influyentes, obras de principios del siglo XVII". [46] En opinión de Cusick, Monteverdi "creó el lamento como un género reconocible de música de cámara vocal y como una escena estándar en la ópera... que se volvería crucial, casi definitoria del género, para las óperas públicas a gran escala de La Venecia del siglo XVII" [46] y concluye señalando que las mujeres de Mantua habrían reconocido las transformaciones representadas en el lamento como representativas de sus propias historias de vida. Monteverdi, cree, buscó representar en la música el eventual triunfo de la piedad femenina sobre la promiscuidad: "La pérdida gradual de Arianna de su yo apasionado en el lamento constituye un castigo musical público de esta mujer imprudente que se atrevió a elegir su propia pareja". [46] En su estudio The Recitative Soliloquy , Margaret Murata registra que los lamentos de este tipo se convirtieron en una característica básica de las óperas hasta aproximadamente 1650, "a partir de entonces, más raramente hasta el triunfo total del aria alrededor de 1670". [47] Mark Ringer, en su análisis del drama musical de Monteverdi, sugiere que el lamento define la creatividad innovadora de Monteverdi de una manera similar a como, dos siglos y medio después, el "Preludio" y el " Liebestod " En Tristán und Isolda anunció el descubrimiento por parte de Wagner de nuevas fronteras expresivas. [48]
En su contexto operístico, el lamento toma la forma de un recitativo extendido de más de 70 líneas vocales, entregadas en cinco secciones divididas por comentarios corales. Parte del texto está prefigurado en la escena inmediatamente anterior en la que el Primer Enviado describe la difícil situación de Arianna ante un coro comprensivo de pescadores. El lamento describe las diversas reacciones emocionales de Arianna ante su abandono: tristeza, ira, miedo, autocompasión, desolación y una sensación de inutilidad. Cusick llama la atención sobre la manera en que Monteverdi es capaz de igualar en la música los "gestos retóricos y sintácticos" del texto de Rinuccini. [46] Las palabras iniciales repetidas "Lasciatemi morire" (Déjame morir) van acompañadas de un acorde de séptima dominante que Ringer describe como "una inolvidable puñalada cromática de dolor"; Monteverdi fue uno de los primeros usuarios de este dispositivo musical. Lo que sigue, dice Ringer, tiene un alcance y una profundidad "comparables a los soliloquios más inquisitivos de Shakespeare". Las palabras "Lasciatemi morire" van seguidas de "O Teseo, O Teseo mio" (O Teseo, mi Teseo"); las dos frases representan las emociones contrastantes de desesperación y anhelo de Arianna. A lo largo del lamento, la indignación y la ira están marcadas por la ternura, hasta que la iteración final de "O Teseo", después de la cual una línea descendente lleva el lamento a una tranquila conclusión. [48]
Entre otros compositores que adoptaron el formato y estilo del lamento de Arianna se encuentran Francesco Cavalli , cuya ópera Le nozze di Teti e di Peleo contiene tres de esas piezas; Francesco Costa, que incluyó una ambientación del texto de Rinuccini en su colección de madrigales Pianta d'Arianna ; [49] y Sigismondo d'India , quien escribió varios lamentos en la década de 1620 después de que se publicara la versión monódica del lamento de Arianna en 1623. [50] El propio Monteverdi utilizó el formato de lamento expresivo en cada una de sus dos últimas óperas, Il ritorno d' Ulisse in patria y L'incoronazione di Poppea , para los respectivos personajes de Penélope y Ottavia. En 1641 Monteverdi adaptó el lamento de Arianna en una canción sagrada con un texto en latín "Pianto della Madonna" (incipit: "Iam moriar, mi fili"), que incluyó en Selva morale e espirituale , la última de sus obras publicadas durante su vida. [51]
Hay muchas grabaciones disponibles tanto del madrigal a cinco voces como de la versión solista del "Lamento". Las grabaciones en solitario incluyen varias versiones que utilizan voz de tenor o barítono. Entre los principales cantantes que han publicado grabaciones se encuentran las sopranos Emma Kirkby y Véronique Gens , y las mezzosopranos Janet Baker y Anne Sofie von Otter . [52] [53]
Se publicaron al menos ocho versiones del libreto entre 1608 y 1640. La siguiente es una lista de las ediciones conocidas:
