El Concierto Pastoral o Le Concert Champêtre es una pintura al óleo de c. 1509 atribuido al maestro renacentista italiano Tiziano . [1] Anteriormente se atribuyó a su compañero veneciano y contemporáneo Giorgione . Está ubicado en el Museo del Louvre de París . [2]
Esta pintura fue creada aproximadamente entre 1509 y 1510; se desconoce la fecha exacta de su creación. [3] Este período también representa un período turbulento de la historia de Venecia, específicamente la Guerra de la Liga de Cambrai en 1509. [4] El historiador de arte Jonathan Unglaub sugiere que esta pintura fue pintada en respuesta a la guerra, proporcionando un "refugio idílico del estragos de la historia." [4]
El término "Concert Champêtre" fue utilizado por primera vez en 1754 por Nicolas Bernard Lépicié para describir esta pintura. Pero cuando ingresó al Louvre en 1792 se le dio el título de Fête champêtre , un género posiblemente basado en esta pintura. Se cree que muestra la admiración renacentista por la poesía clásica, un valor esencial del humanismo. [5] Esta pintura también se considera el origen de un género de pinturas pastorales , debido a su conexión con la poesía pastoral, como lo ven los jóvenes reunidos en la exuberante y pintoresca vegetación de la campiña italiana. [5] El concierto pastoral o género Fête Champêtre se describe como una reunión en un paisaje pintoresco. Por lo general, los jóvenes se reúnen en una búsqueda creativa, sentados sobre la hierba del paisaje. Las pinturas en sí son casi siempre alegorías o representaciones de personajes mitológicos. [2] Este es el género del siglo XVI; en el tipo del siglo XVIII liderado por los franceses, las mujeres son muy prominentes.
Esta pintura es un ejemplo de la escuela veneciana de arte del Renacimiento italiano. Las pinturas de Venecia se caracterizan por tener ricas combinaciones de colores que crean un "resplandor cálido" y enfatizan el naturalismo por encima de todo. La pintura veneciana también tiene especialidad en temas mitológicos y alegóricos. El uso único del color se conoce como colorito y se encuentra con mayor frecuencia en la pintura veneciana. [6]
Se desconoce el mecenazgo de esta pintura. Isabel de Este es una posible candidata a mecenas debido a una escena llamada bagno que encargó para su hermano Alfonso I de Este, duque de Ferrara . Aún así, se considera que la palabra bagno describe una pintura de Palma Vecchio , otro pintor veneciano activo durante el mismo período. [7]
El cuadro representa a tres jóvenes en el césped, tocando música juntos. Junto a ellos, una mujer de pie vierte agua de una palangana de mármol. Las mujeres están desnudas, aparte de sus ropajes, caídas sobre las piernas; Los dos hombres van vestidos con trajes venecianos contemporáneos del siglo XVI. En un vasto fondo pastoral, hay un pastor y un paisaje.
Como es habitual en las primeras pinturas venecianas, no hay dibujos que estén claramente asociados con esta pintura, pero es posible que algunos dibujos de figuras se hayan utilizado como fuente para figuras individuales. Probablemente proceden del círculo de Giorgione, al igual que el pintor. [8]
Se ha sugerido que la pintura puede ser un comentario sobre el debate académico durante el Renacimiento que intentó determinar si la pintura o la escultura eran la forma de arte superior. [9] [10] Venecia fue uno de los epicentros artísticos del modelo entre los conceptos disegno y colorito , siendo este último un sello distintivo del arte veneciano. [10] Se propone que esta pintura podría ser un argumento artístico, mostrando cómo la pintura y las técnicas del colorito son superiores al disegno, que era común al arte florentino . Algunos de los artistas coloritos más conocidos del Renacimiento veneciano incluyen a Giorgione , Tiziano , Giovanni Bellini y Jacopo Bellini . [10]
Se entiende que la pintura es un paisaje pastoral en la campiña italiana. Los documentos históricos no indican ni describen explícitamente dónde se encuentra exactamente esta pintura. Aún así, como viene de Venecia, hay muchas posibilidades en la campiña veneciana. [4] La principal especialidad de la pintura veneciana son las pinturas de paisajes, específicamente paisajes idílicos como Locus amoenus , que plantean temas en la campiña veneciana. Esta pintura muestra una pradera con un paisaje que tiene amplias pendientes hasta una fuente de agua. Entremezclado con este paisaje idílico con edificios que coinciden con el estilo típico de ciudad/villa de la ciudad-estado de Venecia del siglo XVI. [11]
Christiane Joost-Gaugier sugiere que el paisaje del cuadro era un escenario ficticio inspirado en las Églogas de Virgilio , concretamente en las números tres y ocho . [11] Los detalles del paisaje de la pintura sugieren este epílogo en particular porque la aparición de Shepard con una gaita alude a una posible escena que representa un concurso de canto de Teócrito de una de las Odas de Horacio o las Églogas de Virgilio (3,7). [11]
El tema era quizás una alegoría de la poesía y la música; las dos mujeres podrían ser una aparición imaginaria que representa la belleza ideal, derivada de la fantasía y la inspiración de los dos hombres. La mujer del jarrón de cristal sería la musa de la poesía trágica, mientras que la otra sería la poesía pastoril. De los dos hombres que tocaban, el del laúd representaría la poesía lírica exaltada, siendo el otro un letrista corriente, según la distinción que hace Aristóteles en su Poética . Otra interpretación sugiere que la pintura evoca los cuatro elementos del mundo natural (agua, fuego, tierra y aire) y su relación armónica. [12]
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Otra teoría es que el tema de esta pintura es una interpretación alegórica del poema de Teócrito sobre Dafnis , un pastor que se cree que es el fundador de la poesía pastoral. [7] Philipp Fehl hace referencia a este poema en su teoría sobre la identidad de las mujeres en las pinturas. [13] Teócrito describe Arcadia como la tierra de donde proviene el dios griego Pan . Arcadia fue imaginada como un "paraíso" por Jacopo Sannazaro en su poema pastoral Arcadia del siglo XV , popular en Venecia y las ciudades-estado circundantes. Se sugiere que las ninfas creen Arcadia a su alrededor, haciendo de Arcadia un estado de existencia espiritual que uno establece. [2] Philipp Fehl también propone que esta pintura simboliza Orlando Furioso de Ludovico Ariosto , un poema épico extremadamente popular de principios del siglo XVI. Uno de los mecenas más famosos de Ariosto fue Ippolito d'Este y su hermana mayor, Isabella d'Este, la posible mecenas de esta pintura. [13]
La teoría de Julia Marianne Koos sugiere que la pintura es una alegoría del discurso del amor. En el Renacimiento italiano se creía que la naturaleza era un "espejo del alma del amante y un lugar idílico de refugio". [9] Se creía que la alegoría de esta pintura específica sobre el discurso del amor se originaba en la reflexión poética de Pietro Bembo sobre el deseo, como su poema The Asolani . El concepto de "deseo" representado en el arte fue un acalorado debate en el siglo XVI, como se ve en escritos como el Trattato della pittura de Leonardo da Vinci . [9]
El historiador de arte Ross Kilpatrick sugiere que dos textos de la literatura antigua, las Epístolas de Horacio y la Elegía de Propercio , fueron las principales piezas de inspiración detrás de esta pintura. [11]
Phillipp Fehl propuso una teoría importante sobre las identidades de las mujeres en la pintura en 1957, postulando que las mujeres son ninfas , diosas griegas antiguas menores, y no humanas. Estipula que las ninfas han sido atraídas fuera del bosque hacia la música creada por los hombres de la pastoral. Fehl también sostiene que estas ninfas son invisibles para los hombres del cuadro pero son visibles para nosotros, el espectador. [13] También según Fehl, la obra poética más cercana que coincide con esta pintura es El sueño de una noche de verano de William Shakespeare (obviamente, completamente desconocida para Tiziano, ya que fue escrita mucho más tarde). Utiliza este pasaje de El sueño de una noche de verano para respaldar su teoría de que las ninfas son invisibles a los ojos humanos:
"¿ Pero quién viene aquí? Soy invisible y escucharé su conferencia".
El uso de ninfas de la mitología griega antigua es común en las pinturas del Renacimiento italiano debido al profundo aprecio por la antigüedad griega y romana, un aspecto común del Humanismo renacentista . [13]
Holberton está de acuerdo en que son ninfas del bosque atraídas por la belleza de la música, pero cree que son visibles para los hombres. [14]
Elhanian Motzkin identifica la figura femenina desnuda de la izquierda como Inspiración y la derecha como Euterpe , la musa griega de la música. Además de identificar las figuras femeninas, Motzkin también planteó la identidad de los hombres. Partiendo de las teorías originales de Phillipp Fehl, Motzkin identifica a los hombres como Apolo y Paris , y Apolo le enseña a Paris a tocar el laúd. [11] También postula que el pastor anteriormente no identificado en el fondo de extrema derecha es el padre adoptivo de Paris. Este último lo crió tras ser abandonado por sus padres Príamo y Hécuba . [4]
Hay múltiples cuestiones inciertas en esta pintura, la más destacada es la inclusión de la figura femenina a la izquierda vertiendo agua de una jarra transparente en un pozo. Ross Kilpatrick teorizó que si bien se desconoce la identidad de la mujer de la izquierda, la inspiración del artista puede derivar de las Epístolas de Horacio , que ubican a Horacio en la cuenca del Manantial Bandusiano, un cuerpo de agua místico que también aparece en la obra de Propercio. El concepto de "manantial místico" se presenta en las Epístolas , haciendo referencia a la musa griega Calíope . La ciudad de Villa Sabina incluida en las Epístolas 2.2 de Horacio tiene un manantial de agua dulce del que Calíope recoge agua. En el poema de Horacio, la propia ciudad tiene una fuente con la inscripción: "Primavera bandusiana, más reluciente que el cristal". Kirkpatrick sugiere que esta podría ser la inspiración para la inclusión de la figura vertiendo agua. [11]
La atribución de esta pintura ha sido durante mucho tiempo objeto de debate. Anteriormente se creía que el artista era Giorgione. Un análisis posterior de la pintura sugirió que Tiziano, inicialmente un seguidor de Giorgione, fue su creador. No hay documentación que demuestre la atribución. Christiane Joost Gaugier sugirió que Giorgione comenzara la pintura, pero murió en 1511 antes de terminarla. Cree que Tiziano, el protegido de Giorgione , completó la pintura en honor a su mentor fallecido. Gaugier afirma que el laudista vestido de rojo a la izquierda simboliza a un joven Giorgione que está enseñando a tocar el laúd al hombre rústico, un hombre que se cree que es un joven Tiziano. Gaugier entiende esta pintura como una alegoría de la relación mentor-protegido que compartían los dos artistas. [11]
La pintura también ha sido atribuida a Palma el Viejo , Sebastiano del Piombo , Domenico Mancini y Giovanni Bellini . [15] [2] Estas teorías, sin embargo, no son tan comunes como la atribución a Tiziano o Giorgione debido a la falta de evidencia histórica y esfuerzos de restauración. La teoría de la atribución a Domenico Mancini ha ganado terreno a medida que se han analizado evidencia contextual y documentos históricos. [2]
El Concierto Pastoral se atribuyó a Giorgione hasta el siglo XX, principalmente porque el propio Giorgione fue incluido en la Vida de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos de Giorgio Vasari . Si bien no se menciona explícitamente en el libro, se infiere este pasaje: "un músico que tocaba el laúd para músicos y disfrutaba continuamente de los placeres del amor". Este pasaje se refiere al artista porque la descripción coincide muy de cerca con el tema de esta pintura. En Concierto pastoral se hace referencia a una obra que se sabe que fue pintada por Giorgione, La Tempestad , mediante el uso de medias de colores usadas por los sujetos masculinos, un símbolo de la Compagnie della Calza , una orden patricia de jóvenes de élite. [7]
La pintura se atribuyó inicialmente a Giorgione, pero los críticos modernos la atribuyen más probablemente a una obra del joven Tiziano. La robustez de las figuras se considera más propia de su estilo. [16] Phillip Fehl utiliza la pintura de Tiziano Los Adrianos para mostrar el uso de detalles simbólicos por parte de Tiziano para atribuir esta pintura a Tiziano. Alfonso I de Este, duque de Ferrara, encargó Los Andrianos , hermano de Isabel de Este. La conexión de Tiziano con el patrocinio de la familia Casa de Este se considera una prueba de que Tiziano es el creador de esta pintura. [13]
La pintura en sí se acerca más al estilo artístico de Tiziano debido al uso que hace el artista de detalles minuciosos simbólicos y cuerpos rubenescos en el género de la pintura veneciana. [2]
Una teoría postulada por Charles Hope , y respaldada por Holberton, [17] sugiere que el autor del cuadro es Domenico Mancini , pintor contemporáneo y seguidor de Giorgione y Tiziano. El retablo de la Catedral de Lendinara de Mancini es estilísticamente similar al Concierto Pastoral , así como su Virgen con los Santos Francisco y Roque . Esta última pintura está fechada en 1511, muy cerca de la fecha de finalización de esta pintura. Como observó Hope, el Concierto Pastoral en sí no ha sido limpiado. Es imposible saber si la pintura podría ser de Mancini sin una restauración adecuada. [2] Como artista, Mancini era conocido por tomar prestados elementos e imitar el estilo de ciertos maestros italianos. Su pintura Virgen con los santos Francisco y Roque se inspira significativamente en el Retablo de San Zaccaria de Giovanni Bellini . [2]
La pintura no parece haber sido muy conocida hasta el siglo XVIII. [18] La familia Gonzaga, señores de Mantua , ciudad-estado italiana, era propietaria de la obra . La pintura fue vendida más tarde a Carlos I de Inglaterra alrededor de 1627, posiblemente adquirida a través de Henry Fitzalan, duodécimo conde de Arundel , un amigo cercano y cortesano de la corte de Carlos I. [19] [3] Cuando las colecciones reales inglesas se dispersaron tras la revolución de 1649, la pintura fue vendida en una subasta por la Commonwealth de Inglaterra al banquero y coleccionista de arte alemán Eberhard Jabach . Él, a su vez, se lo vendió a Jean-Baptiste Colbert en nombre de Luis XIV en 1671. [20] [7] Posteriormente, la pintura pasó a ser propiedad en 1736 de Françoise-Athénaïs de Rochechouart, hijo de la marquesa de Montespan, duque de Antin y su colección en el Palacio de Versalles . Después de 1792, la pintura fue transferida de la colección de arte real francesa al Museo del Louvre durante la Revolución Francesa . Permanece en su colección hasta el día de hoy. [7] [3]
Copias de esta pintura estaban ampliamente disponibles, principalmente en Holanda, y con frecuencia se encontraban reproducciones en el Mercado de Arte Holandés de Ámsterdam . [3]
El artista holandés Jan de Bisschop copió el Concierto Pastoral para un grabado como parte de su práctica tradicional de copiar el arte de los maestros del Renacimiento italiano. [3] También se dice que Eugène Delacroix hizo una copia de esta pintura después de presenciarla en el Louvre en 1824. La copia se ha perdido, pero se rumorea que la obra veneciana fue una de las inspiraciones para su pintura, Mujeres de Argel . [3] Se rumorea que otros artistas han copiado Pastoral Concert , entre ellos Edgar Degas y Henri Fantin-Latour . [3] Édouard Manet concibió su Le déjeuner sur l'herbe después de ver la obra anterior en el Louvre. [12]
Dante Gabriel Rossetti escribió un poema titulado Una pastoral veneciana, de Giorgione, en el Louvre , que estaba escrito explícitamente sobre este cuadro. Su poesía fue creada para mover al lector de forma triangular a través del lienzo, saltando de un tema a otro. Este soneto específico fue incluido en sus Poemas en 1870. [21]
Las tres figuras sentadas en la pintura fueron cortadas y pegadas en la portada del álbum Secret Messages de 1983 de Electric Light Orchestra .