Un tableau vivant ( en francés: [tablo vivɑ̃] ; a menudo abreviado como tableau ; pl. tableaux vivants ; en francés , 'imagen viviente') es una escena estática que contiene uno o más actores o modelos. Son estáticos y silenciosos, generalmente disfrazados, posan cuidadosamente, con accesorios y/o escenografía , y pueden estar iluminados teatralmente . Por lo tanto, combina aspectos del teatro y las artes visuales .
Eran una forma popular medieval que resurgió considerablemente a partir del siglo XIX, probablemente porque eran muy adecuadas para ser registradas mediante fotografías . Los participantes eran en su mayoría aficionados, que participaban en una forma rápida y sencilla de teatro amateur que se podía realizar en una velada y que requería poca habilidad para actuar o hablar. También eran populares para diversos tipos de eventos comunitarios y desfiles.
A finales del siglo XIX y principios del XX, también se utilizó un tipo de cuadro en el teatro profesional, que aprovechaba la libertad adicional que permitía la ley [ cita requerida ] para la exhibición de desnudez siempre que los actores no se movieran. Los cuadros presentaban poses plásticas ('poses flexibles') de modelos prácticamente desnudos, lo que proporcionaba una forma de entretenimiento erótico , tanto en el escenario como en la prensa. Los cuadros continúan hasta el día de hoy en forma de estatuas vivientes , artistas callejeros que actúan posando con disfraces. En el cine o el teatro en vivo, los artistas a veces se congelan brevemente en la posición para lograr un efecto de cuadro vivaz .
En la Edad Media, ocasionalmente, una misa estaba puntuada con breves escenas dramáticas y cuadros de aspecto pictórico . Eran un elemento principal de las festividades de bodas reales, coronaciones y entradas reales en las ciudades. A menudo, los actores imitaban estatuas o pinturas, muy a la manera de los artistas callejeros modernos, pero en grupos más grandes y montados en elaborados soportes temporales a lo largo del camino de la procesión principal. [1] Johan Huizinga , en El otoño de la Edad Media , describe el uso y diseño de tableaux vivants en la Baja Edad Media . Muchas pinturas y esculturas probablemente recrean tableaux vivants, por los cuales los historiadores del arte a veces explican grupos de figuras bastante estáticas. Los artistas eran a menudo los diseñadores de este tipo de espectáculos públicos.
La historia de las artes visuales occidentales en general, hasta la era moderna, se ha centrado en la presentación simbólica y ordenada y (aparte del retrato personal directo) dependía en gran medida de modelos estáticos de artistas vestidos con trajes, que pueden considerarse como cuadros vivos a pequeña escala con el artista como público temporal. El movimiento del Realismo , con representaciones más naturalistas , no comenzó hasta mediados del siglo XIX, como una reacción directa contra el Romanticismo y su fuerte dependencia del formato de cuadros estilizados .
La invención de la fotografía provocó un resurgimiento de esta forma de expresión. Al principio, la fotografía era cara y floreció en las fiestas de los ricos en las casas de campo inglesas . La reina Victoria fue una de las primeras en adoptarla (solo interpretaba el papel de la audiencia). A mediados de la década de 1850, los actores eran sus hijos, que representaron cuadros para el 14.º aniversario de bodas de sus padres en 1854. En la década de 1890, los escenarios se habían vuelto muy elaborados, como cuando su tercer hijo , el príncipe Arturo, duque de Connaught y Strathearn , su esposa y sus tres hijos posaron para una escena japonesa en 1891. [2]
Se hicieron populares para eventos comunitarios y festivales, muy a menudo utilizando niños, quienes podían desfilar antes de instalarse en un cuadro para el público y una cámara.
Antes de la radio , el cine y la televisión , los tableaux vivants eran formas populares de entretenimiento, incluso en las ciudades fronterizas estadounidenses. [3] Antes de la era de la reproducción de imágenes en color, el tableaux vivants se utilizaba a veces para recrear obras de arte en el escenario, basándose en un grabado o boceto de una pintura. Esto podía hacerse como una aventura amateur en un salón, o como una serie de tableaux producidos de manera más profesional presentados en un escenario de teatro, uno tras otro, generalmente para contar una historia sin requerir todos los adornos y la producción habituales de una actuación teatral completa. Por lo tanto, influyeron en la forma que adoptaron los espectáculos de linterna mágica de las eras victoriana y eduardiana posteriores, y quizás también las tiras cómicas narrativas secuenciales (que aparecieron por primera vez en forma moderna a fines de la década de 1890).
En Inglaterra, durante la época victoriana, se solían representar cuadros vivos en las obras de Navidad de las escuelas ; esta costumbre todavía se practica en la escuela secundaria de Loughborough (que se cree que es una de las escuelas secundarias para niñas más antiguas de Inglaterra). Todos los años se representan varios cuadros vivos en el servicio de villancicos de la escuela, incluida la representación de un grabado en grisalla (en el que los personajes están pintados y vestidos completamente de gris).
También se representaron cuadros en actos benéficos. La edición de febrero de 1917 de la revista estadounidense Harper's Bazar informó, con muchas fotografías, sobre dos actos celebrados en Londres en los que posaron damas de la alta sociedad, en su mayoría como cuadros. Uno de los actos se centró en cuadros de James McNeill Whistler y John Singer Sargent , posados por damas de origen estadounidense en Londres. El otro incluía a Violet Trefusis y Lady Diana Cooper . [4]
Por una peculiaridad de la ley inglesa, la desnudez en el escenario no estaba permitida a menos que los intérpretes permanecieran inmóviles mientras las cortinas del escenario estaban abiertas; la situación en lugares de los Estados Unidos era a menudo similar. A principios del siglo XX, los intérpretes aprovecharon esta excepción para poner en escena "representaciones plásticas", como se las llamaba a veces, centradas en la desnudez. La intérprete más persistente en esta línea fue la bailarina alemana Olga Desmond , que comenzó en Londres y que más tarde puso en escena "Noches de belleza" ( Schönheitsabende ) en Alemania, en las que posaba desnuda imitando obras de arte clásicas reales o imaginarias ("imágenes vivientes"). [5] La tradición inglesa en el entretenimiento atrevido continuó hasta que se modificó la ley inglesa en la década de 1960.
En el siglo XIX, los tableaux vivants tomaron títulos como "Ninfas bañándose" y "Diana la cazadora" y se podían encontrar en lugares como el Hall of Rome en Great Windmill Street , Londres. Otros lugares fueron el Coal Hole en el Strand y el Cyder Cellar en Maiden Lane. Las poses plásticas desnudas y semidesnudas también fueron una característica frecuente de los espectáculos de variedades en los EE. UU.: primero en Broadway en la ciudad de Nueva York , luego en otras partes del país. Las Ziegfeld Follies presentaron cuadros de este tipo a partir de 1917. El Windmill Theatre de Londres (1932-1964) presentó poses plásticas desnudas en el escenario; fue el primer, y durante muchos años el único, lugar para ellos en el Londres del siglo XX.
Los tableaux vivants solían incluirse en espectáculos de feria (como se vio en la película de 1961 A Taste of Honey ). Dichos espectáculos habían desaparecido en gran medida en la década de 1970, pero continúan en el Carnaval de Bridgewater en Somerset . [6] Los tableaux siguen siendo una atracción importante en el Pageant of the Masters anualen Laguna Beach, California . [7]
Jean-François Chevrier fue el primero en utilizar el término tableau en relación con una forma de fotografía artística, que comenzó en los años 1970 y 1980 en un ensayo titulado "Las aventuras de la forma de la imagen en la historia de la fotografía" en 1989. [8] La traducción inicial de este texto sustituye la palabra inglesa picture por la palabra francesa tableau . Sin embargo, Michael Fried conserva el término francés cuando se refiere al ensayo de Chevrier, porque según Fried (2008), no hay una traducción directa al inglés para tableau en este sentido. Si bien picture es similar, "... carece de las connotaciones de construcción, de ser el producto de un acto intelectual que conlleva la palabra francesa". (p. 146) [9] Otros textos [10] [11] y la teoría de la especificidad del medio de Clement Greenberg también tratan este tema.
Las características clave del cuadro fotográfico contemporáneo según Chevrier son, en primer lugar:
Están diseñadas y producidas para la pared, convocando una experiencia de confrontación por parte del espectador que contrasta marcadamente con los procesos habituales de apropiación y proyección mediante los cuales las imágenes fotográficas normalmente se reciben y "consumen" (p. 116) [8].
Con esto, Chevrier señala que la escala y el tamaño son obviamente importantes para que las imágenes "sostengan la pared". Pero el tamaño tiene otra función: distancia al espectador del objeto, lo que obliga a uno a alejarse de la imagen para captarla en su totalidad. Esta experiencia "confrontacional", señala Fried, [9] es en realidad una ruptura bastante grande con la recepción convencional de la fotografía, que hasta ese momento se consumía a menudo en libros o revistas.
El cuadro fotográfico no tiene sus raíces en el tableau vivant teatral , sino en la fotografía pictorialista , como la de Alfred Stieglitz , un movimiento con raíces en el esteticismo , que ya hacía un uso intensivo del cuadro como estilo de arte visual no teatral. El pictorialismo, según Jeff Wall [11] podría verse como un intento de los fotógrafos de imitar la pintura (quizás sin éxito):
La fotografía pictorialista se sintió deslumbrada por el espectáculo de la pintura occidental e intentó, en cierta medida, imitarla en actos de composición pura. Al carecer de los medios para hacer que la superficie de sus imágenes fuera impredecible e importante, la primera fase del pictorialismo, la fase de Stieglitz, emuló las bellas artes gráficas, reinventó la belleza, estableció estándares para la magnificencia de la composición y se desvaneció. (p. 75) [11]
Sin embargo, la fotografía sí tenía la capacidad de volverse impredecible y espontánea. Esto se logró al hacer fotografías relacionadas con las capacidades inherentes de la propia cámara. Y esto, sostiene Wall, [11] fue un resultado directo del fotoperiodismo y de las industrias de los medios de comunicación masivos y la cultura pop .
Al desprenderse de los estorbos y ventajas heredados de formas de arte más antiguas, el reportaje, o el aspecto espontáneo y fugaz de la imagen fotográfica, empuja hacia el descubrimiento de cualidades aparentemente intrínsecas al medio, cualidades que necesariamente deben distinguir al medio de otros y a través de cuyo autoexamen puede surgir como un arte modernista al mismo nivel que otros. (pp. 76–78) [11]
El argumento es que, a diferencia de la mayoría de las demás formas de arte, la fotografía puede beneficiarse de la captura de sucesos fortuitos. A través de este proceso —la instantánea, la imagen "accidental"— la fotografía inventa su propio concepto de imagen: una forma híbrida de la "imagen occidental" (fotografía pictorialista) y la instantánea espontánea. Esta es la etapa en la que Wall [11] sostiene que la fotografía entra en una "dialéctica modernista". Wall afirma que la imprevisibilidad es clave para la estética moderna. Este nuevo concepto de la imagen, que propone Wall, con los aspectos compositivos de la imagen occidental combinados con la imprevisibilidad que ofrece la cámara a través de su obturador, se puede ver en el trabajo de muchos artistas fotográficos contemporáneos, entre ellos Luc Delahaye , Andreas Gursky , Thomas Struth , Irene Caesar y Philip-Lorca diCorcia .
El cuadro como forma sigue dominando el mercado de la fotografía artística. Como señala Fried: "Se podría decir que el desarrollo más decisivo en el auge de la nueva fotografía artística ha sido la aparición, a partir de finales de los años setenta y ganando impulso en los años ochenta y después, de lo que el crítico francés Jean-François Chevrier ha llamado la " forma del cuadro " (p. 143). [9]
Sin embargo, parece que solo hay un puñado de artistas jóvenes y emergentes que trabajan dentro de la forma de tableaux . Algunos ejemplos son Florian Maier Aichen, Matthew Porter y Peter Funch . Más recientemente, la artista canadiense Sylvia Grace Borda ha trabajado desde 2013 para seguir presentando tableaux para la cámara dentro del motor Google Street View . [12] [13] Su trabajo crea imágenes de tableaux vivant inmersivas de 360° para que el espectador las explore. Gracias a sus esfuerzos por ser pioneros en la creación de tableaux vivant para la exploración en línea, ella y su colaborador, John M. Lynch, ganaron el Premio Lumen 2016 de Web Arts. [14]
En la película La ricotta de Pier Paolo Pasolini de 1963 , un cineasta intenta que actores representen dos pinturas, de Jacopo Pontormo y Rosso Fiorentino , de la Pasión de Jesús.
La película de 1969 El color de las granadas , dirigida por Sergei Parajanov, presenta una biografía suelta del poeta armenio Sayat Nova en una serie de cuadros vivos de trajes, bordados y rituales religiosos armenios que representan escenas y versos de la vida del poeta.
La película Passion (1982) de Jean-Luc Godard trata sobre la realización de una ambiciosa película de arte que utiliza recreaciones de pinturas clásicas europeas como tableaux vivants , ambientadas con música clásica europea. Las pinturas incluyen La ronda de noche de Rembrandt ; El quitasol , 3 de mayo de 1808 , La maja desnuda , Carlos IV de España y su familia de Goya ; La bañista de Valpinçon , El baño turco de Ingres ; La entrada de los cruzados en Constantinopla , Jacob luchando con el ángel de Delacroix ; La asunción de la Virgen de El Greco ; El embarque para Citera de Watteau .
A lo largo de la película Caravaggio (película de 1986) de Derek Jarman , muchas de las pinturas de Caravaggio se recrean en un cuadro vivant para explorar su relación con su vida.
La película de 1991 My Own Private Idaho presenta sus escenas de sexo utilizando este efecto.
La película de 2013, Un campo en Inglaterra , [15] hace uso de este efecto para añadirle un aspecto oculto general a la película.
Hay una película estonia de 2014 producida íntegramente en formato tableau titulada In the Crosswind . [16]
