Para tocar el violín se debe sostener el instrumento entre la mandíbula y la clavícula (ver más abajo variaciones de esta postura). Las cuerdas se hacen sonar al pasar el arco sobre ellas ( arco ) o al pulsarlas ( pizzicato ). La mano izquierda regula la longitud sonora de las cuerdas deteniéndolas contra el diapasón con los dedos, lo que produce diferentes tonos.
Es posible tocar el violín sujetándolo de diversas formas. La mayoría de los violinistas sostienen la parte inferior del instrumento entre el hombro izquierdo y la mandíbula, a menudo con la ayuda de una mentonera fijada de forma semipermanente y una hombrera desmontable . Si se sostiene correctamente debajo de la barbilla, el violinista puede soltar el instrumento con las manos y se mantendrá allí firmemente. Otras formas comunes de sostener el instrumento incluyen la actitud carnática sentada, [1] con la voluta apoyada en un pie, o la posición de " kit " o " pochette " del maestro de baile , a lo largo del antebrazo, por el margen inferior de la caja torácica, aunque estas no son posiciones muy tradicionales. Históricamente, es posible que el violín barroco se haya sostenido con frecuencia sin la barbilla y, a menudo, lo sostienen de esta manera los intérpretes de música histórica en la actualidad. [2] En Marruecos, el violín a menudo se sostiene completamente en posición vertical apoyado en el muslo del intérprete sentado con la mano izquierda estabilizando el equilibrio mientras se toca.
Los accesorios para la mentonera y el reposa hombros vienen en una gran variedad de estilos y formas, por lo que cada individuo puede encontrar la combinación que mejor se adapte a su complexión y estilo de tocar. La búsqueda de la combinación ideal puede ser larga en algunos casos. Sea cual sea el equipo, el músico normalmente intentará mantener una actitud equilibrada, natural y cómoda, con la columna recta, especialmente el mástil. Muchos violinistas tienen una marca rojiza en el mástil, el llamado "chupetón del violín" (o "chupetón del violinista") debido a la presión prolongada en ese punto. La mancha puede verse agravada por una reacción alérgica al niquelado de los herrajes de la abrazadera de la mentonera o por patógenos microbianos presentes en el instrumento. [3]
Mantener la muñeca izquierda relajada y casi "recta" permite la libertad de movimiento de los dedos y reduce la posibilidad de lesiones por esfuerzo repetitivo . Colapsar la muñeca para "sostener" el violín con el talón de la mano es un hábito desafortunado en el que caen muchos músicos novatos y puede llevar años de vigilancia constante superarlo. El antebrazo izquierdo estará bastante supinado y el codo izquierdo se desplazará medialmente, o hacia la derecha. A veces se les puede recomendar a los músicos que lleven el codo izquierdo hacia donde puedan verlo, para alcanzar las cuerdas más bajas con más facilidad.
Elevar uno de los hombros más allá de una posición relajada de forma natural es un hábito que se adquiere fácilmente sin darse cuenta. Como cualquier otra tensión injustificada, limita la libertad de movimiento y aumenta el riesgo de incomodidad, al tiempo que disminuye la calidad del sonido. Es útil prestar atención al "cuadrado" formado por el brazo derecho y el arco, manteniéndolo en un plano y notando qué partes "lideran" en los movimientos de cruce de cuerdas.
Mientras que los estudiantes principiantes de violín a menudo confían en cintas o marcadores colocados en el diapasón para la colocación correcta de los dedos de la mano izquierda, los intérpretes más competentes y experimentados colocan sus dedos en los lugares correctos sin tales indicaciones, sino con práctica y experiencia. Para lograr una buena entonación , los violinistas entrenan sus dedos para que caigan en los lugares correctos, aprendiendo a escuchar cuándo un tono está desafinado o desafinado, y cultivando la capacidad de corregir el tono rápida y automáticamente mientras se toca. "Cantar" el tono mentalmente ayuda a caer en el lugar correcto. (En la práctica, la entonación puede comprobarse haciendo sonar una cuerda abierta adyacente y escuchando el intervalo entre las dos notas). Aunque es posible ajustar el tono deseado después de colocar el dedo, la cantidad de ajuste necesario puede reducirse en gran medida entrenando los dedos para que caigan correctamente en primer lugar.
Los dedos se numeran convencionalmente del 1 (índice) al 4 (meñique). Especialmente en ediciones didácticas de música para violín, los números sobre las notas pueden indicar qué dedo se debe utilizar, siendo el "0" sobre la nota el que indica la cuerda "al aire", o tocar una cuerda sin manipular el tono con la mano izquierda. El segundo dedo puede ser "bajo" o "alto", lo que corresponde a G o G ♯ en la cuerda E en primera posición (sin dedos en la cuerda). De manera similar, el primer dedo puede llegar medio tono hacia abajo para el F, y los dedos 3.º y 4.º llegan hasta arriba para el A ♯ y el C respectivamente, como se muestra en el diagrama de patrones de dedos de Bornoff a la izquierda. (El patrón número cinco puede verse como el mismo que el patrón número tres, pero medio tono más abajo, o en "media posición").
El diagrama inferior de la izquierda muestra la disposición de las notas alcanzables en la primera posición. La colocación de los dedos de la mano izquierda es una cuestión de oídos y de mano, no de ojos, es decir, tiene fuertes componentes auditivos y táctiles/ kinestésicos , y las referencias visuales son sólo marginalmente útiles. Además (no se muestra en este diagrama), el espaciado entre las posiciones de las notas se hace más estrecho a medida que los dedos se mueven "hacia arriba" (en tono) desde la cejuela. Las barras azules a los lados del diagrama representan las posibilidades habituales para las colocaciones de la cinta para principiantes, en el 1.er, 2.º, 3.er (y 4.º) dedo alto, o el patrón número dos de Bornoff. Este patrón en particular da como resultado una escala de La mayor en las cuerdas La y Mi, que es un comienzo natural para melodías simples como "Twinkle Twinkle Little Star".
La colocación de la mano izquierda en el diapasón se caracteriza por "posiciones". La primera posición, en la que comienzan la mayoría de los principiantes (algunos métodos comienzan en la tercera posición), es la más cercana a la cejuela o extremo de la voluta y la más alejada de la cara del ejecutante. La nota más baja disponible en esta posición en la afinación estándar es un sol abierto; las notas más altas en la primera posición se detienen con el cuarto dedo en la cuerda mi, lo que hace sonar un si.
Así, en primera posición , el primer dedo colocado sobre la cuerda E da un F ♯ ; desde esta posición, el segundo dedo puede tocar un G o un G ♯ , el tercer dedo un A, y -como ya se ha dicho- el cuarto un B. La posición del primer dedo de forma que al presionarlo dé un G (aún sobre la cuerda E) se llama segunda posición , desde cuya posición se pueden tocar todas las notas ascendentes hasta C (por el cuarto dedo). La tercera posición se consigue cuando el primer dedo presiona un A, y así sucesivamente, con la quinta posición en una cuerda sonando las mismas notas que la primera posición en la cuerda de arriba. También hay una "media posición" en la que el primer dedo suena un semitono por encima de la cuerda al aire y los otros dedos un tono o semitono por debajo de sus posiciones normales, p. ej. (en la cuerda A) A ♯ -BC ♯ -D. Las mismas notas se pueden tocar en primera posición con el primer dedo moviéndose desde el "primero bajo" (A ♯ ) a B, pero esto produciría un primer dedo deslizante, lo que no siempre es deseable.
El límite superior del registro del violín está determinado en gran medida por la habilidad del intérprete. Un intérprete experto puede tocar más de dos octavas en una sola cuerda y cuatro octavas en el instrumento en su conjunto. Todas las notas, excepto las más graves y las más agudas, se pueden tocar en varias cuerdas en diferentes posiciones. Es decir, la nota B "aguda" a la que se hace referencia anteriormente se puede tocar no solo con el cuarto dedo en la cuerda E en primera posición, sino también con el cuarto dedo en quinta posición en la cuerda A, en novena posición en la cuerda D y en decimotercera posición en la cuerda G.
Los violinistas suelen cambiar de posición en las cuerdas más graves, a veces para consternación de los compositores y para gran confusión de los principiantes. Esto se hace generalmente para manejar un pasaje musical que de otra manera requeriría un cambio rápido (o "cruce") de cuerdas. También se hace para producir un timbre particular : la misma nota sonará sustancialmente diferente dependiendo de qué cuerda se use para tocarla. Ese si "agudo", cuando se toca en la cuerda mi (la más alta, generalmente una cuerda de metal de núcleo mono) puede tener un timbre claro y penetrante; el mismo si "agudo" tocado en la cuerda la, la cuerda re o la cuerda sol (generalmente cuerdas envueltas en lugar de cuerdas de núcleo mono) puede sonar "más cálido" o menos abrasivo. Por esta razón, los violinistas a menudo evitan tocar una sola nota en la cuerda mi dentro de una frase de notas en la cuerda la, ya que una nota de la cuerda mi se destacaría con un timbre diferente.
Cada cuerda tiene una calidad de sonido diferente, debido a su diferente composición física y a sus diferentes resonancias en el instrumento. La elección de los timbres en las distintas cuerdas es vital para la musicalidad del instrumento, y los intérpretes intermedios y avanzados suelen tocar deliberadamente en una posición más alta en una cuerda más baja para conseguir un efecto. Este efecto a veces lo indica el compositor o el arreglista. La indicación más común utiliza el nombre de la letra de la cuerda: por ejemplo, si un compositor quiere que un pasaje que de otro modo se tocaría en la cuerda D se toque en la cuerda G, escribe "sul G" o "G Saite" o "auf G" o "G corde" (o simplemente, "on G") en la parte. Ocasionalmente, se utilizan números o numerales romanos, por lo que el ejemplo podría escribirse "4. corde" o "IV corde" (como en el caso anterior, con la cuerda más alta siendo la n.° 1 y la más baja la n.° 4); la forma más sencilla de indicar qué cuerda tocar es escribir solo el número (por ejemplo, "IV" o "III").
Un timbre especial resulta de tocar una nota sin tocar su cuerda con un dedo, sonando así la nota más baja en esa cuerda. Se dice que una nota de este tipo se toca en una cuerda al aire . Las notas de cuerdas al aire (sol, re, la, mi) tienen un sonido muy distintivo que resulta de la ausencia de la acción amortiguadora de un dedo y del hecho de que el vibrato (ver más abajo) se produce de manera diferente a las notas digitadas. Aparte de la nota sol grave (que no se puede tocar de ninguna otra manera), a veces se seleccionan cuerdas al aire para lograr efectos especiales.
Un efecto sorprendente que emplea cuerdas abiertas es el bariolage . Se trata de la alternancia repetida de notas tocadas en dos o más cuerdas, donde una de las notas suele ser una cuerda abierta. Este cruce de cuerdas suele ser rápido y se ejecuta mejor con un movimiento sinuoso del brazo del arco. A veces, se tocará el mismo tono que una cuerda abierta en una cuerda adyacente, de modo que la alternancia sea entre la misma nota en dos cuerdas, una parada, una abierta, dando un efecto rítmico pulsante. El bariolage era un recurso favorito de Joseph Haydn , que lo utilizó, por ejemplo, en su cuarteto de cuerda Opus 50 n.º 6 y en la Sinfonía "Despedida" . También aparece de forma destacada en el Preludio de la Partita n.º 3 en mi mayor para violín solo de Bach .
Al tocar una cuerda al aire simultáneamente con una nota parada en una cuerda adyacente se produce un sonido similar a una gaita, un zumbido que los compositores suelen utilizar para imitar la música folclórica . A veces, las dos notas son idénticas (por ejemplo, al tocar una nota La digitada en la cuerda Re contra la nota La al aire), lo que produce un sonido resonante, como de "violín".
La doble parada es cuando se tocan notas paradas en dos cuerdas adyacentes, produciendo una armonía de dos notas. Esto es más difícil que tocar una sola cuerda de manera normal, ya que los dedos deben estar colocados con precisión en dos cuerdas simultáneamente. A veces, es necesario moverse a una posición más alta para que la mano izquierda pueda alcanzar ambas notas a la vez. La doble parada también se usa para significar tocar en tres o las cuatro cuerdas a la vez, aunque tales prácticas se denominan más apropiadamente triple o cuádruple parada . Colectivamente, la doble, triple y cuádruple parada se denomina parada múltiple . Sin embargo, la triple o cuádruple parada se denomina más comúnmente simplemente acorde. Hacer sonar una cuerda al aire junto con una nota digitada es otra forma de obtener armonía. Si bien a veces también se lo llama doble parada, se lo llama más apropiadamente bordón , ya que la nota del bordón (la cuerda al aire) puede sostenerse durante un pasaje de diferentes notas tocadas en la cuerda adyacente.
El vibrato es una técnica de la mano y el brazo izquierdos en la que el tono de una nota varía siguiendo un ritmo pulsante. Mecánicamente, se consigue mediante movimientos de las yemas de los dedos que alteran la longitud de la cuerda vibrante. Hay varios estilos diferentes de vibrato, que van desde el uso de solo los dedos hasta el uso de la muñeca o incluso de todo el antebrazo. Al emplear estas diferentes técnicas, se puede variar tanto la velocidad como la amplitud de las oscilaciones del vibrato para lograr un efecto musical.
El vibrato suele tener la impresión de crear un sonido más emotivo y se emplea mucho en la música de la época romántica . El efecto acústico del vibrato tiene que ver en gran medida con añadir interés y calidez al sonido, en forma de un brillo creado por las variaciones en la proyección del sonido más fuerte. Un violín bien hecho prácticamente dirige su patrón sonoro en diferentes direcciones según las ligeras variaciones en el tono.
Los violinistas oscilan hacia atrás o en un tono más bajo con respecto a la nota real cuando usan vibrato, ya que la percepción auditiva favorece el tono más alto en un sonido variable. El vibrato hace poco o nada para disimular una nota desafinada. A los estudiantes de violín, especialmente a los de nivel principiante, se les enseña a usarlo solo en notas prolongadas o durante puntos de tensión emocional. El vibrato puede ser difícil de aprender y puede llevarle al estudiante varios meses, si no años, dominarlo.
Tocar ligeramente la cuerda con la punta de un dedo en un nodo armónico mientras se hace un arco cerca del puente puede crear armónicos . Para que los armónicos produzcan el tono y el volumen más consistentes, el arco debe realizar golpes más largos y rápidos. En lugar del tono sólido normal, se escucha una nota armónica tenue de un tono más alto. Cada nodo está en una división entera de la cuerda, por ejemplo, exactamente a la mitad de la longitud de la cuerda, o exactamente a un tercio de la longitud de la cuerda. El tono producido en estos dos casos será una octava más alto en el caso de las mitades, y una octava y una quinta más alto en el caso de la cuerda que vibra en tercios. Un instrumento receptivo proporcionará numerosos nodos armónicos posibles a lo largo de la longitud de la cuerda.
Los armónicos se marcan en la música con un pequeño círculo sobre la nota que determina el tono del armónico. Hay dos tipos de armónicos: naturales y artificiales (también conocidos como "armónicos falsos").
Los armónicos artificiales son más avanzados que los armónicos naturales descritos anteriormente. Detener una nota en una cuerda, por ejemplo, el primer dedo "E" en la cuerda D, y tener otro dedo tocando la cuerda una cuarta más arriba, en este caso en la posición de la nota "A", produce el cuarto armónico de la "E", sonando un tono dos octavas por encima de la nota que se detiene, en este caso, E. La colocación y presión de los dedos, así como la velocidad del arco, la presión y el punto de sondeo son esenciales para lograr que suene el armónico deseado.
El "dedo armónico" también puede tocar en una tercera mayor por encima de la nota pulsada o una quinta más alta. Estos armónicos se utilizan con menos frecuencia porque es más difícil hacer que suenen bien. En el caso de la tercera mayor, el armónico está más arriba en la serie de armónicos y no habla con tanta facilidad; en el caso de la quinta, el estiramiento es mayor de lo que resulta cómodo para muchos violinistas. El tono de sonido del armónico de tercera mayor es de dos octavas y una tercera mayor por encima de la nota más baja, y en el caso de la quinta, es de una octava y una quinta por encima de la nota más baja.
La notación tradicional de armónicos artificiales utiliza dos notas en un palito: la nota inferior utiliza una cabeza de nota redonda que representa dónde se toca la cuerda con fuerza con el primer dedo, y la nota superior utiliza una cabeza de nota de diamante abierta que representa dónde se toca la cuerda ligeramente con el cuarto dedo.
Los armónicos también se tocan raramente en notas dobles, donde ambas notas son armónicas.
Se pueden encontrar pasajes elaborados en armónicos artificiales en la literatura virtuosa del violín, especialmente del siglo XIX y principios del XX.
El brazo, la mano y el arco derechos son responsables de la calidad del sonido, el ritmo , la dinámica , la articulación y ciertos cambios (pero no todos) en el timbre . El arco se sostiene en la mano derecha con el pulgar doblado debajo de la nuez para sostenerlo y los otros dedos tocando libremente la madera. Los dedos medio y anular generalmente se envuelven alrededor de la nuez, aunque en algunos casos (como en la práctica de interpretación barroca ) toda la mano sostiene la baqueta por encima de la nuez. Sostener el dedo meñique curvado y apoyado en la faceta cercana de la forma octogonal de la baqueta, junto a la faceta en la parte superior de la baqueta, permite que ese dedo "afloje" el peso del arco, utilizando el pulgar como punto de apoyo . La acción del arco debe iniciarse y depender únicamente del movimiento de la mano derecha, no del antebrazo, la parte superior del brazo y el hombro. La flexión y extensión de estas partes deben ser pasivas dirigidas por la acción de la mano derecha. De lo contrario, el control sutil y delicado del arco es imposible, lo que lleva a una tensión excesiva en el brazo derecho, lo que dificulta el control del arco. Esta tensión limita el movimiento necesario para tocar correctamente y dará lugar a una producción de sonido deficiente. Es muy importante que el brazo derecho permanezca relajado para que sea lo suficientemente flexible como para mover el arco correctamente.
Aumentar la presión sobre las cuerdas es la forma principal de producir notas más fuertes en el violín. La presión se agrega principalmente con el dedo índice de la mano que sostiene el arco. Otro método que se utiliza a veces para aumentar el volumen es usar una mayor velocidad del arco; sin embargo, un violinista puede aumentar la velocidad del arco y seguir tocando suavemente al mismo tiempo. Los dos métodos no son equivalentes, porque producen timbres diferentes; presionar la cuerda tiende a producir un sonido concentrado y más intenso.
El punto de sonoridad donde el arco se cruza con la cuerda también influye en el timbre. Tocar cerca del puente ( sul ponticello ) da un sonido más intenso de lo habitual, enfatizando los armónicos más altos; y tocar con el arco sobre el extremo del diapasón ( sul tasto ) produce un sonido delicado y etéreo, enfatizando la frecuencia fundamental . Suzuki se refirió al punto de sonoridad como la " autopista Kreisler "; uno puede pensar en los diferentes puntos de sonoridad como "carriles" en la autopista.
Existen varios métodos de "ataque" con el arco que producen diferentes articulaciones; esta lista no es de ninguna manera exhaustiva:
No importa qué ataque o golpe de arco se utilice, la mayoría de los violinistas profesionales utilizan un golpe de arco recto, manteniendo el arco perpendicular a la cuerda y paralelo al puente. Esto garantiza que el arco se mantendrá en el punto de sonido deseado y creará una calidad de sonido consistente. [9] Una técnica para lograr un arco recto es la siguiente. Al realizar un arco hacia abajo, concéntrese en el brazo superior, el brazo inferior y la mano/muñeca. Primero, mueva el brazo superior hacia atrás como si le diera un codazo a alguien en la nariz. Luego, continúe con el brazo inferior. Cerca del final del golpe de arco, gire la muñeca y la mano como si estuviera abriendo un frasco de maní. Cuando se usan correctamente, estos movimientos crearán un golpe de arco hacia abajo recto. Un paso crucial es observar el arco y asegurarse de que permanezca recto. Un arco hacia arriba se crea de la manera opuesta. Sin dejar de mirar el arco, mueva el brazo inferior en la dirección en la que vino. Siga con el brazo superior. Cerca del final de este golpe, gire la mano y la muñeca como si estuviera cerrando un frasco de maní.
Sin embargo, existe otra escuela de arco, popularizada por el pedagogo del violín Ivan Galamian , en la que el arco se mantiene en un ligero ángulo con respecto al puente. Cuando el intérprete tira del arco hacia abajo, debe mover la mano derecha gradualmente alejándola del cuerpo; cuando tira del arco hacia arriba, hacia el cuerpo. Según los defensores de este estilo, estos ligeros ángulos ayudan a crear un mayor contacto con el puente y, por lo tanto, producen un sonido más completo.
Cuando una nota está marcada como pizz. (abreviatura de pizzicato ) en la música escrita, se toca punteando la cuerda con un dedo de la mano derecha en lugar de hacerlo con el arco. Cuando la mano del arco está ocupada (o para lograr un efecto virtuoso), se puede utilizar la mano izquierda; esto se indica con un "+" (signo más) en la música. Esto permite a los intérpretes tocar simultáneamente notas con arco mientras puntean una cuerda diferente. Además, algunos intérpretes han adquirido el truco de tocar pasajes rápidos de pizzicato utilizando dos dedos alternados de la mano derecha. Los intérpretes continúan tocando el pizzicato hasta que hay una indicación para volver al arco (tocar con el arco).
Existen dos posiciones comunes para tocar pizzicato. Una es apretar el arco con la mano derecha, apoyar el pulgar derecho en el lado derecho del diapasón y luego pulsar la cuerda. Esta posición puede mejorar la calidad tonal del punteo y puede reducir la fatiga durante largos períodos de punteo. Otra posición de pizzicato es mantener el arco agarrado y luego pulsar las cuerdas con el dedo índice derecho. Esta posición es especialmente útil cuando el compositor alterna entre series de notas de arco y pizzicato, porque permite al violinista cambiar de estilo de manera rápida y precisa.
Los violinistas también pueden tocar una cuerda con la mano izquierda, lo que se indica en la partitura con un símbolo "+" encima de la nota deseada. El pizzicato para zurdos es generalmente menos flexible en cuanto a la altura que la técnica para diestros, pero permite que la mano derecha se quede donde está o toque simultáneamente, una técnica por la que era famoso el compositor y violinista Niccolo Paganini.
El pizzicato con chasquido , especificado por primera vez por Gustav Mahler , pero a menudo llamado pizzicato de Bartók ya que Béla Bartók fue el primero en utilizar la técnica de forma extensiva, requiere que el intérprete tire de la cuerda para alejarla del diapasón de modo que, al soltarla, rebote con fuerza sobre el diapasón, produciendo un sonido de chasquido agudo y percusivo. Se pueden encontrar ejemplos en los 44 dúos (n.º 42, canción árabe) y la Sonata para violín solista de Bartók .
Colocar un pequeño dispositivo de goma, madera o metal llamado "sordina" en el puente del violín altera el tono, suavizando el sonido del instrumento al agregar masa al puente y, por lo tanto, reduciendo su capacidad de vibrar libremente, disminuyendo el volumen y dando un tono más suave, con menos sobretonos audibles . En las interpretaciones, puede dar un efecto apagado deseado. Las sordinas se utilizan principalmente en orquestas con toda la sección de cuerdas tocando con sordinas, lo que da como resultado una calidad de sonido suave y silenciosa. Las partes que se deben tocar con sordina están marcadas con sord. , para el sordino italiano o, ocasionalmente, mit Dämpfer en alemán. (La instrucción para quitar la sordina es senza sord. , a veces marcada simplemente senza u "ohne Dämpfer" en alemán). En francés, se dan instrucciones para la aplicación de sordinas al comienzo de los pasajes con sordina, " mettez les sourdines ", y para la eliminación al final " ôtez les sourdines ".
Con el mismo nombre pero con un propósito completamente diferente, existen "sordinas de práctica" o "sordinas de hotel" de metal, goma o madera. Estas sordinas se utilizan para reducir drásticamente el volumen cuando se practica en lugares donde se puede molestar a otras personas.
Los violines se afinan girando las clavijas en el clavijero debajo de la voluta, o girando los tornillos del afinador fino en el cordal . Un violín siempre tiene clavijas, pero los afinadores finos (también llamados ajustadores finos ) son opcionales para tener solo uno. Los afinadores finos permiten ajustar el tono de la cuerda en cantidades muy pequeñas mucho más fácilmente que usando las clavijas. La mayoría de los afinadores finos funcionan girando un pequeño tornillo de metal, que mueve una palanca que está unida al extremo de la cuerda. (A veces se encuentra otro tipo de afinador, que utiliza un tornillo para engarzar un segmento corto de la longitud posterior de la cuerda cerca del cordal, generalmente en instrumentos más pequeños). Los afinadores finos generalmente se recomiendan para músicos más jóvenes, instrumentos de tamaño fraccionario, aquellos que usan cuerdas de alta tensión o de metal, o principiantes. Los afinadores finos son más útiles con cuerdas de metal sólido; dado que no se estiran tanto como las sintéticas, las cuerdas de núcleo sólido pueden ser delicadas para afinar solo con clavijas. Los afinadores finos no son útiles cuando se usan cuerdas de tripa; Como estas cuerdas son más "elásticas", los afinadores no tienen el recorrido suficiente para marcar una diferencia de tono significativa, y las esquinas afiladas de las puntas pueden hacer que la cuerda se rompa en el lugar donde pasa por encima. La mayoría de los músicos utilizan un afinador fino en la cuerda E, incluso si las otras cuerdas no están equipadas con él.
La cuerda A se afina primero con una fuente de tono de referencia como un diapasón o, en la mayoría de las orquestas , el oboe , típicamente a 440 Hz , aunque algunas orquestas afinan a otro estándar A como 442, o incluso tan alto como 445 o 446 Hz para producir un sonido más brillante . Los grupos de música antigua interesados en una interpretación auténtica pueden usar un estándar A más bajo. Al tocar con un instrumento de tono fijo como un piano o acordeón , el violinista debe afinar para adaptarse a ese instrumento. Luego, las otras cuerdas se afinan en el A en intervalos de quintas perfectas al tocarlas con el arco en pares. Esto pone las cuerdas abiertas en entonación justa , lo que significa que las cuerdas más bajas pueden sonar planas en comparación con sus equivalentes nominales de temperamento igual . En la práctica, esto significa que se deben hacer algunos compromisos y que las cuerdas no siempre están afinadas en quintas perfectas, particularmente en la viola y el violonchelo , donde la cuerda más baja es la C, a tres quintas partes de la A de referencia, lo que hace que la diferencia sea más evidente.
También se pueden realizar pequeños ajustes de afinación temporales estirando una cuerda con la mano. Se puede aplanar una cuerda tirando de ella por encima del diapasón o afilarla presionando la parte de la cuerda en el clavijero. Estas técnicas pueden resultar útiles en la interpretación, ya que reducen los efectos nocivos de una cuerda desafinada hasta que llegue el momento de hacer un silencio u otra oportunidad para afinar correctamente.
Afinar el violín, especialmente con las clavijas, puede hacer que el puente se incline, generalmente hacia el diapasón. Si se deja así, se deformará. Después de afinar, los músicos experimentados suelen comprobar que el puente esté derecho y centrado entre las muescas internas de los agujeros en forma de f , ya que los puentes pueden moverse libremente y se mantienen en su lugar solo por la fricción y la tensión de las cuerdas. Los violinistas expertos saben cómo enderezar y centrar un puente; esto se puede hacer fácilmente con la tensión normal de las cuerdas sin dañar el instrumento.
La afinación GDAE se utiliza en la gran mayoría de la música para violín. Sin embargo, en ocasiones se emplean otras afinaciones (por ejemplo, afinar la cuerda G hasta la A), tanto en música clásica , donde la técnica se conoce como scordatura , como en algunos estilos folclóricos, donde se denomina "afinación cruzada". Existen numerosas afinaciones de este tipo, que a menudo reciben su nombre de una melodía destacada interpretada en esa afinación. Un buen ejemplo de scordatura en el repertorio clásico para violín solista es el Primer concierto para violín en mi bemol mayor de Paganini , donde la parte del violín está escrita en re mayor y se supone que el violinista debe afinar un semitono más alto para que coincida con la tonalidad de mi bemol mayor de la orquesta. Otro ejemplo notable es la Danza macabra , que requiere que la cuerda E se afine un semitono más abajo.