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El arte románico es el arte de Europa desde aproximadamente el año 1000 d. C. hasta el surgimiento del estilo gótico en el siglo XII, o más tarde, dependiendo de la región. El período anterior se conoce como período prerrománico . El término fue inventado por los historiadores del arte del siglo XIX, especialmente para la arquitectura románica , que conservaba muchas características básicas del estilo arquitectónico romano (sobre todo arcos de medio punto, pero también bóvedas de cañón , ábsides y decoración de hojas de acanto ), pero también había desarrollado muchas características muy diferentes. En el sur de Francia, España e Italia hubo una continuidad arquitectónica con la Antigüedad tardía, pero el estilo románico fue el primer estilo que se extendió por toda la Europa católica, desde Sicilia hasta Escandinavia. El arte románico también estuvo muy influenciado por el arte bizantino , especialmente en la pintura, y por la energía anticlásica de la decoración del arte insular de las Islas Británicas . A partir de estos elementos se forjó un estilo altamente innovador y coherente.
Aparte de la arquitectura románica, el arte de la época se caracterizó por un vigoroso estilo tanto en escultura como en pintura. Esta última siguió siguiendo modelos iconográficos bizantinos en lo esencial para los temas más comunes en las iglesias, que siguieron siendo Cristo en Majestad , el Juicio Final y escenas de la vida de Cristo . En los manuscritos iluminados se ve más originalidad, ya que era necesario representar nuevas escenas. Los manuscritos más profusamente decorados de este período fueron las biblias y los salterios . La misma originalidad se aplicó a los capiteles de las columnas, que a menudo estaban tallados con escenas completas con varias figuras. El gran crucifijo de madera fue una innovación alemana al comienzo del período, al igual que las estatuas exentas de la Virgen entronizada. El alto relieve fue el modo escultórico dominante del período.
Los colores eran muy llamativos y en su mayoría primarios. En la actualidad, estos colores solo se pueden ver con su intensidad original en muestras de vidrieras y manuscritos bien conservados. Las vidrieras se utilizaron ampliamente, aunque hoy en día sobreviven pocas. [ cita requerida ] En una invención de la época, los tímpanos de los portales de las iglesias importantes se tallaron con esquemas monumentales, a menudo Cristo en Majestad o el Juicio Final , pero tratados con más libertad que las versiones pintadas, ya que no había modelos bizantinos equivalentes.
Las composiciones solían tener poca profundidad y debían ser flexibles para adaptarse a las formas de las iniciales historiadas , los capiteles de las columnas y los tímpanos de las iglesias; la tensión entre un marco que encierra todo el conjunto, del que a veces escapa la composición, es un tema recurrente en el arte románico. Las figuras a menudo variaban de tamaño en relación con su importancia. Los fondos de paisajes, si es que se utilizaban, estaban más cerca de las decoraciones abstractas que del realismo, como en los árboles de la "Hoja de Morgan". Los retratos apenas existían. [ cita requerida ]
Durante este período, Europa se volvió cada vez más próspera y el arte de la más alta calidad ya no se limitaba, como en gran medida en los períodos carolingio y otoniano , a la corte real y a un pequeño círculo de monasterios. Los monasterios siguieron siendo extremadamente importantes, especialmente los de las nuevas órdenes expansionistas de la época, el cisterciense , el cluniacense y el cartujo , que se extendieron por toda Europa. Pero las iglesias de las ciudades, las que se encontraban en las rutas de peregrinación y muchas iglesias en pequeñas ciudades y pueblos estaban decoradas con gran esmero y con un estándar muy alto; estas son a menudo las estructuras que han sobrevivido, cuando se han reconstruido catedrales e iglesias de las ciudades. En realidad, no ha sobrevivido ningún palacio real románico.
El artista laico se estaba convirtiendo en una figura valorada: Nicolás de Verdún parece haber sido conocido en todo el continente. La mayoría de los albañiles y orfebres eran ahora laicos, y los pintores laicos como el Maestro Hugo parecen haber sido mayoría, al menos entre los que hacían el mejor trabajo, a finales de este período. La iconografía de su obra eclesiástica se elaboró sin duda consultando a asesores eclesiásticos.
Los objetos preciosos en estos medios tenían un estatus muy alto en la época, probablemente mucho más que las pinturas: se conocen los nombres de más creadores de estos objetos que los de pintores, iluminadores o arquitectos-albañiles contemporáneos. La metalistería, incluida la decoración en esmalte , se volvió muy sofisticada. Han sobrevivido muchos santuarios espectaculares hechos para guardar reliquias, de los cuales el más conocido es el Santuario de los Tres Reyes en la Catedral de Colonia por Nicolás de Verdún y otros ( c. 1180-1225 ). El Tríptico de Stavelot y el Relicario de San Mauro son otros ejemplos de esmaltado mosano . Los grandes relicarios y frontales de altar se construyeron alrededor de un marco de madera, pero los ataúdes más pequeños eran todos de metal y esmalte. Han sobrevivido algunas piezas seculares, como estuches de espejos, joyas y broches, pero sin duda estos representan una cantidad insuficiente de la fina metalistería que poseía la nobleza.
El candelabro de bronce de Gloucester y la pila bautismal de latón de 1108-1117 que se conservan en Lieja son magníficos ejemplos, muy diferentes en estilo, de fundición de metales. El primero es muy intrincado y enérgico, y se inspira en la pintura manuscrita, mientras que la pila bautismal muestra el estilo mosano en su forma más clásica y majestuosa. Las puertas de bronce, una columna triunfal y otros accesorios de la catedral de Hildesheim , las puertas de Gniezno y las puertas de la basílica de San Zeno en Verona son otros restos importantes. El aguamanil , un recipiente para lavarse con agua, parece haber sido introducido en Europa en el siglo XI. Los artesanos a menudo daban a las piezas formas zoomorfas fantásticas ; los ejemplos supervivientes son en su mayoría de latón. Muchas impresiones de cera de sellos impresionantes sobreviven en cartas y documentos, aunque las monedas románicas no suelen tener un gran interés estético.
La Cruz de los Claustros es un crucifijo de marfil de un tamaño inusualmente grande, con una talla compleja que incluye muchas figuras de profetas y otros, que se ha atribuido a uno de los relativamente pocos artistas cuyo nombre se conoce, el Maestro Hugo , que también iluminó manuscritos. Como muchas piezas, originalmente estaba parcialmente coloreada. Las piezas de ajedrez de Lewis son ejemplos bien conservados de marfiles pequeños, de los que quedan muchas piezas o fragmentos de báculos , placas, cruces pectorales y objetos similares.
Con la caída del Imperio Romano de Occidente, la tradición de tallar grandes obras en piedra y esculpir figuras en bronce se extinguió, como efectivamente ocurrió (por razones religiosas) en el mundo bizantino (romano oriental). Evidentemente, algunas esculturas de tamaño natural se hicieron en estuco o yeso, pero los ejemplos sobrevivientes son comprensiblemente raros. [1] La obra escultórica de gran tamaño sobreviviente más conocida de la Europa protorrománica es el Crucifijo de madera de tamaño natural encargado por el arzobispo Gero de Colonia en aproximadamente 960-965, aparentemente el prototipo de lo que se convirtió en una forma popular. Estos se colocaron más tarde en una viga debajo del arco del presbiterio , conocido en inglés como rood , del siglo XII acompañado de figuras de la Virgen María y San Juan Evangelista a los lados. [2] Durante los siglos XI y XII, la escultura figurativa revivió con fuerza, y los relieves arquitectónicos son un sello distintivo del período románico posterior.
La escultura figurativa se basó en otras dos fuentes en particular: la iluminación de manuscritos y la escultura a pequeña escala en marfil y metal. Se ha propuesto que los extensos frisos esculpidos en las iglesias armenias y siríacas también son otra influencia probable. [3] Estas fuentes juntas produjeron un estilo distintivo que se puede reconocer en toda Europa, aunque los proyectos escultóricos más espectaculares se concentran en el suroeste de Francia, el norte de España e Italia.
Las imágenes que se producían en la metalistería se grababan con frecuencia en relieve. La superficie resultante tenía dos planos principales y detalles que normalmente estaban incisos. Este tratamiento se adaptó a la talla en piedra y se ve particularmente en el tímpano sobre el portal, donde la imagen de Cristo en Majestad con los símbolos de los Cuatro Evangelistas se extrae directamente de las cubiertas doradas de los Evangelios medievales . Este estilo de puerta se encuentra en muchos lugares y continuó hasta el período gótico. Una rara supervivencia en Inglaterra es la de la "Puerta del Prior" en la Catedral de Ely . En el suroeste de Francia , muchas han sobrevivido, con ejemplos impresionantes en Saint-Pierre, Moissac , Souillac , [4] y La Madeleine, Vézelay , todas ellas casas hijas de Cluny, con otras esculturas extensas que permanecen en claustros y otros edificios. Cerca de allí, la Catedral de Autun tiene un Juicio Final de gran rareza, ya que ha sido firmado exclusivamente por su creador, Giselbertus . [5] [6]
Una característica de las figuras en las iluminaciones de manuscritos es que a menudo ocupan espacios reducidos y están contorsionadas para encajar. La costumbre de los artistas de hacer que la figura se ajuste al espacio disponible se prestó a una facilidad para diseñar figuras para adornar postes de puertas y dinteles y otras superficies arquitectónicas similares. Las túnicas de las figuras pintadas eran comúnmente tratadas en un estilo plano y decorativo que guardaba poca semejanza con el peso y la caída de la tela real. Esta característica también se adaptó a la escultura. Entre los muchos ejemplos que existen, uno de los más bellos es la figura del profeta Jeremías del pilar del portal de la Abadía de Saint-Pierre , Moissac , Francia, de alrededor de 1130. [6]
Uno de los motivos más significativos del diseño románico, que aparece tanto en la escultura figurativa como en la no figurativa, es la espiral. Una de las fuentes pueden ser los capiteles jónicos . Las vides en espiral eran un motivo común tanto en el diseño bizantino como en el romano, y pueden verse en mosaicos en las bóvedas de la iglesia de Santa Costanza del siglo IV , en Roma. Los manuscritos y las tallas arquitectónicas del siglo XII tienen motivos de vides en espiral muy similares.
Otra fuente de la espiral son claramente los manuscritos iluminados de los siglos VII al IX, en particular los manuscritos irlandeses como el Libro del Evangelio de San Gall , difundido en Europa por la misión hiberno-escocesa . En estas iluminaciones, el uso de la espiral no tiene nada que ver con vides u otras formas vegetales. El motivo es abstracto y matemático. El estilo fue retomado luego en el arte carolingio y se le dio un carácter más botánico. Es en una adaptación de esta forma que la espiral aparece en los paños tanto de la escultura como de las vidrieras . De todos los muchos ejemplos que aparecen en los portales románicos, uno de los más destacados es el de la figura central de Cristo en La Madeleine, Vézelay . [6]
Otra influencia del arte insular son los animales enredados y enganchados, que se utilizan a menudo con un efecto magnífico en capiteles (como en Silos) y, a veces, en una columna misma (como en Moissac). Gran parte del tratamiento de animales en pares, enfrentados y enganchándose en la decoración románica tiene orígenes insulares similares, al igual que los animales cuyos cuerpos se enroscan en formas puramente decorativas. (A pesar de la adopción de las tradiciones hiberno-sajonas en los estilos románicos de Inglaterra y del continente, la influencia fue principalmente unidireccional. El arte irlandés durante este período permaneció aislado, desarrollando una amalgama única de estilos nativos irlandeses y vikingos que se extinguirían lentamente y serían reemplazados por el estilo románico dominante a principios del siglo XIII tras la invasión anglonormanda de Irlanda. [7] )
La mayor parte de la escultura románica es pictórica y bíblica. En los capiteles se encuentran una gran variedad de temas, entre los que se incluyen escenas de la Creación y la Caída del Hombre , episodios de la vida de Cristo y aquellas escenas del Antiguo Testamento que prefiguran su Muerte y Resurrección , como Jonás y la Ballena y Daniel en el foso de los leones . Aparecen muchas escenas de la Natividad , siendo especialmente popular el tema de los Reyes Magos . Los claustros de la Abadía de Santo Domingo de Silos , en el norte de España, y Moissac son buenos ejemplos que sobreviven completos, al igual que las esculturas en relieve de las numerosas pilas de Tournai que se encuentran en las iglesias del sur de Inglaterra, Francia y Bélgica.
Una característica de algunas iglesias románicas es el extenso esquema escultórico que cubre el área que rodea el portal o, en algunos casos, gran parte de la fachada. La catedral de Angulema en Francia tiene un esquema escultórico muy elaborado dentro de los amplios nichos creados por las arcadas de la fachada. En la región española de Cataluña, un elaborado esquema pictórico en bajorrelieve rodea la puerta de la iglesia de Santa María en Ripoll . [6]
El propósito de los esquemas escultóricos era transmitir un mensaje de que el creyente cristiano debe reconocer sus malas acciones, arrepentirse y ser redimido. El Juicio Final recuerda al creyente que debe arrepentirse. El Crucifijo tallado o pintado , que se exhibe de manera destacada dentro de la iglesia, recuerda al pecador la redención.
A menudo, la escultura es alarmante en su forma y en su temática. Estas obras se encuentran en capiteles, ménsulas y claves, o entrelazadas en el follaje de las molduras de las puertas. Representan formas que no son fácilmente reconocibles en la actualidad. Los motivos comunes incluyen Sheela na Gig , temibles demonios , ouroboros o dragones que se tragan sus colas y muchas otras criaturas míticas con un significado oscuro. Las espirales y los motivos emparejados originalmente tenían un significado especial en la tradición oral que se ha perdido o rechazado por los eruditos modernos.
Los siete pecados capitales, entre ellos la lujuria, la gula y la avaricia, también se representan con frecuencia. La aparición de muchas figuras con genitales de gran tamaño puede equipararse al pecado carnal, al igual que las numerosas figuras que se muestran con la lengua saliente, que son una característica de la puerta de la catedral de Lincoln . Tirarse de la barba era un símbolo de masturbación, y abrir bien la boca también era un signo de lascivia. Un tema común que se encuentra en los capiteles de este período es un atizador de lengua o un acariciador de barba que es golpeado por su esposa o atrapado por demonios. Los demonios que luchan por el alma de un malhechor, como un avaro, es otro tema popular. [8]
Se considera que la arquitectura gótica comienza con el diseño del coro de la abadía de Saint-Denis , al norte de París, obra del abad Suger , consagrado en 1144. El comienzo de la escultura gótica suele datarse un poco más tarde, con el tallado de las figuras que rodean el portal real de la catedral de Chartres , Francia, entre 1150 y 1155. El estilo escultórico se extendió rápidamente desde Chartres, superando a la nueva arquitectura gótica. De hecho, muchas iglesias del románico tardío son posteriores al edificio de Saint-Denis. El estilo escultórico, basado más en la observación y el naturalismo que en el diseño formalizado, se desarrolló rápidamente. Se cree que una de las razones del rápido desarrollo de la forma naturalista fue la creciente conciencia de los restos clásicos en los lugares donde eran más numerosos y una imitación deliberada de su estilo. La consecuencia es que hay portales que son románicos en su forma y, sin embargo, muestran un naturalismo asociado con la escultura gótica temprana. [6]
Uno de ellos es el Pórtico da Gloria , de 1180, en Santiago de Compostela . Este portal es interior y está particularmente bien conservado, incluso conserva el color de las figuras e indica el aspecto llamativo de gran parte de la decoración arquitectónica que ahora se percibe como monocroma. Alrededor de la puerta hay figuras que se integran con las columnillas que forman las molduras de las puertas. Son tridimensionales, pero ligeramente aplanadas. Son muy individualizadas, no solo en apariencia sino también en expresión y guardan un gran parecido con las que rodean el pórtico norte de la Abadía de Saint Denis, que data de 1170. Debajo del tímpano hay una fila de figuras talladas de manera realista que tocan una variedad de instrumentos musicales diferentes y fácilmente identificables.
En el manuscrito iluminado románico temprano convergieron varias escuelas regionales : la "escuela del Canal" de Inglaterra y el norte de Francia estuvo fuertemente influenciada por el arte anglosajón tardío , mientras que en el sur de Francia el estilo dependía más de la influencia ibérica, y en Alemania y los Países Bajos , los estilos otonianos continuaron desarrollándose y también, junto con los estilos bizantinos, influyeron en Italia. En el siglo XII ya había habido influencias recíprocas entre todas ellas, aunque naturalmente se mantuvo la distinción regional.
Los focos típicos de la iluminación románica eran la Biblia, donde cada libro podía ser precedido por una gran inicial historiada , y el Salterio , donde las iniciales principales estaban iluminadas de manera similar. En ambos casos, los ejemplos más suntuosos podían tener ciclos de escenas en páginas completamente iluminadas, a veces con varias escenas por página, en compartimentos. Las Biblias en particular a menudo tenían un, y podían estar encuadernadas en más de un volumen. Los ejemplos incluyen el Salterio de St. Albans , el Salterio de Hunterian , la Biblia de Winchester (la "Hoja de Morgan" que se muestra arriba), la Biblia de Fécamp , la Biblia de Stavelot y la Biblia de Parc Abbey . A finales del período, los talleres comerciales laicos de artistas y escribas estaban adquiriendo importancia, y la iluminación, y los libros en general, se volvieron más accesibles tanto para los laicos como para el clero.
Las grandes superficies de las paredes y las bóvedas lisas y curvas del período románico se prestaban a la decoración mural. Desafortunadamente, muchas de estas primeras pinturas murales han sido destruidas por la humedad o las paredes han sido revocadas y pintadas. En Inglaterra, Francia y los Países Bajos, estas imágenes fueron destruidas sistemáticamente o encaladas en brotes de iconoclasia de la Reforma . Muchos murales en Dinamarca , así como en Suecia y en otros lugares han sido restaurados desde entonces. En Cataluña (España) , hubo una campaña para salvar tales murales a principios del siglo XX (a partir de 1907) retirándolos y transfiriéndolos a un lugar seguro en Barcelona , lo que dio como resultado la espectacular colección del Museo Nacional de Arte de Cataluña . En otros países han sufrido la guerra, el abandono y el cambio de moda.
Un esquema clásico para la decoración pintada completa de una iglesia, derivado de ejemplos anteriores, a menudo en mosaico , tenía, como punto focal en la semicúpula del ábside, a Cristo en Majestad o Cristo Redentor entronizado dentro de una mandorla y enmarcado por las cuatro bestias aladas, símbolos de los Cuatro Evangelistas , comparándose directamente con ejemplos de las cubiertas doradas o las iluminaciones de los Libros del Evangelio de la época. Si la Virgen María era la dedicada de la iglesia, podría reemplazar a Cristo aquí. En las paredes del ábside de abajo estarían los santos y apóstoles, tal vez incluyendo escenas narrativas, por ejemplo del santo al que estaba dedicada la iglesia. En el arco del santuario había figuras de apóstoles, profetas o los veinticuatro " ancianos del Apocalipsis ", mirando hacia un busto de Cristo, o su símbolo el Cordero, en la parte superior del arco. La pared norte de la nave contendría escenas narrativas del Antiguo Testamento, y la pared sur del Nuevo Testamento. En el muro posterior oeste se encontraría un Juicio Final , con un Cristo entronizado y juzgando en la parte superior. [9]
Uno de los esquemas mejor conservados que existen es el de Saint-Savin-sur-Gartempe , en Francia. La larga bóveda de cañón de la nave proporciona una superficie excelente para los frescos y está decorada con escenas del Antiguo Testamento , que muestran la Creación , la Caída del Hombre y otras historias, incluida una representación animada del Arca de Noé completa con un temible mascarón de proa y numerosas ventanas a través de las cuales se puede ver a Noé y su familia en la cubierta superior, pájaros en la cubierta intermedia, mientras que en la inferior están las parejas de animales. Otra escena muestra con gran vigor el hundimiento del ejército del Faraón en el Mar Rojo . El esquema se extiende a otras partes de la iglesia, con el martirio de los santos locales mostrados en la cripta, y el Apocalipsis en el nártex y Cristo en Majestad . La gama de colores empleados se limita a azul verdoso claro, ocre amarillo, marrón rojizo y negro. Existen pinturas similares en Serbia , España, Alemania, Italia y otras partes de Francia. [10]
Las pinturas de Arlanza , en la provincia de Burgos (España), que hoy se encuentran dispersas, aunque proceden de un monasterio, son de temática secular y muestran bestias míticas enormes y vigorosas sobre un friso en blanco y negro con otras criaturas. Ofrecen una idea poco común de lo que habrían contenido los palacios románicos decorados.
En Inglaterra y Francia , el período románico vio el surgimiento de los pigaches , zapatos con forma de "cola de escorpión" o "cuerno de carnero", muy criticados por el clero de la época. Orderic Vitalis, en particular, los culpó por el supuesto aumento de la sodomía y la homosexualidad de la época. [11] Los zapatos ahora se recuerdan principalmente como precursores de las mucho más extravagantes poulaines que se hicieron populares después de la Peste Negra .
El bordado románico es más conocido por el Tapiz de Bayeux en Bayeux , Francia o el Tapiz de la Creación en Girona , España, [12] pero muchas piezas más trabajadas de Opus Anglicanum ("trabajo inglés", considerado el mejor de Occidente) y otros estilos han sobrevivido, principalmente como vestimentas de iglesia .
Los fragmentos más antiguos conocidos de vidrieras pictóricas medievales parecen datar del siglo X. Las primeras figuras intactas son cinco vidrieras de Augsburgo, que datan de finales del siglo XI. Las figuras, aunque rígidas y formalizadas, demuestran una considerable habilidad en el diseño, tanto pictóricamente como en el uso funcional del vidrio, lo que indica que su creador estaba muy acostumbrado a este medio. En las catedrales de Le Mans , Canterbury y Chartres, y Saint-Denis , han sobrevivido varios paneles del siglo XII. En Canterbury, estos incluyen una figura de Adán cavando y otra de su hijo Seth de una serie de Antepasados de Cristo . Adán representa una representación altamente naturalista y vivaz, mientras que en la figura de Seth, las túnicas se han utilizado con un gran efecto decorativo, similar a la mejor talla de piedra de la época. Los artesanos del vidrio fueron más lentos que los arquitectos a la hora de cambiar su estilo, y gran parte del vidrio de al menos la primera parte del siglo XIII puede considerarse esencialmente románico. Especialmente bellas son las figuras de gran tamaño del año 1200 procedentes de la catedral de Estrasburgo (algunas hoy trasladadas al museo) y de alrededor de 1220 de la iglesia de San Kunibert en Colonia .
La mayor parte de las magníficas vidrieras de Francia, incluidas las famosas vidrieras de Chartres, datan del siglo XIII. Son mucho menos las grandes vidrieras que quedan intactas del siglo XII. Una de ellas es la Crucifixión de Poitiers, una notable composición que se eleva a través de tres niveles, el más bajo con un cuadrifolio que representa el Martirio de San Pedro, el nivel central más grande dominado por la crucifixión y el nivel superior que muestra la Ascensión de Cristo en una mandorla. La figura de Cristo crucificado ya muestra la curva gótica. George Seddon describe la vidriera como de "belleza inolvidable". [13] Muchos fragmentos sueltos se encuentran en museos, y una vidriera de la iglesia de Twycross en Inglaterra está formada por importantes paneles franceses rescatados de la Revolución Francesa . [14] El vidrio era caro y bastante flexible (ya que se podía añadir o reorganizar) y parece que se reutilizaba a menudo cuando se reconstruían iglesias en estilo gótico: el vidrio inglés más antiguo del que se tiene conocimiento, un panel de la catedral de York de un árbol de Jesé probablemente anterior a 1154, se ha reciclado de esta manera.
