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El retablo de Mérode [A] (o tríptico de la Anunciación ) es un tríptico al óleo sobre tabla de roble , que ahora se encuentra en The Cloisters , en la ciudad de Nueva York . No está firmado ni fechado, pero se atribuye al pintor neerlandés temprano Robert Campin y a un asistente. [B] Los tres paneles representan, de izquierda a derecha, a los donantes arrodillados en oración en un jardín, el momento de la Anunciación a María , que se desarrolla en un entorno doméstico contemporáneo, y a San José , un carpintero con las herramientas de su oficio. Los numerosos elementos del simbolismo religioso incluyen el lirio y la fuente (que simbolizan la pureza de María) y el Espíritu Santo representado por los rayos de luz que salen de la ventana de la izquierda del panel central.
El panel central se completó después de 1422, probablemente entre 1425 y 1428, [C] se cree que fue obra de un miembro del taller de Campin. Una versión anterior, ahora en Bruselas, puede ser el panel original de Campin. Los paneles de las alas exteriores son añadidos posteriores por un miembro del taller, probablemente a petición del donante que buscaba elevar el panel central a un tríptico y ubicarse en el espacio pictórico. Contienen vistas de la ciudad de Lieja , en la actual Bélgica.
El tríptico es una obra fundacional e importante en el estilo gótico tardío y neerlandés temprano, que estaba surgiendo en ese momento, y ha sido descrito como un "hito entre dos períodos; resume a la vez la tradición medieval y sienta las bases para el desarrollo de la pintura moderna". [2]
La atribución del tríptico de Nueva York ha sido objeto de un amplio debate académico. Parece haber sido completado el mismo año que el retablo de Gante , en 1432, lo que convierte al pintor en contemporáneo de Jan van Eyck . [2] Se suele aceptar que pertenece a un grupo de pinturas asociadas con el Maestro de Flémalle, que se supone que fue Robert Campin . [3] Durante un tiempo se atribuyó al aprendiz de Campin , Rogier van der Weyden [4] [5] basándose en el estilo realista que se convertiría en el sello distintivo de van der Weyden. [2] Hay otra versión del panel de la Anunciación en Bruselas , ligeramente anterior pero dañada, [5] que puede representar la versión original de Campin. [6]
El examen técnico de los paneles de madera sugiere que el tríptico fue realizado por varias manos. La madera del panel central es diferente y anterior a la de las alas, mientras que las bisagras sugieren además que el panel central no fue concebido como parte de un tríptico. El panel central es probablemente una copia de una composición anterior de Campin, mientras que las alas fueron probablemente un encargo posterior del donante para unirlas al panel principal y formar un pequeño retablo devocional privado. [6] Se han retrabajado áreas de los paneles; tanto la donante femenina como el hombre barbudo en el ala izquierda fueron pintados sobre un paisaje, mientras que la ventana detrás de la Virgen fue pintada originalmente en oro. [7]
Campbell no está convencido por la asociación con el grupo Flémalle y, por lo tanto, con Robert Campin. Describe el Mérode como "incoherente en su diseño", carente del rasgo habitual de Campin de continuidad espacial, como se encuentra en el Tríptico de Seilern . [5] El cielo abierto visto a través de las ventanas del panel central es incongruente en el punto de vista con la escena callejera en el panel donante. Campbell destaca el pobre dominio de la perspectiva en el panel donante y observa que es "desafortunado que una línea de una de las hiladas de mortero en el muro del jardín desaparezca en la boca del donante". [8] Campbell describe los paneles laterales como pedestres y producto de manos menores. Da prominencia al panel de Bruselas, que atribuye cautelosamente al Maestro de Flémalle. [5]
El tríptico es relativamente pequeño, lo que indica que fue encargado para uso privado y doméstico; el panel central mide 64 × 63 cm y cada ala mide 65 × 27 cm. Los paneles comparten una perspectiva muy inclinada, en la que el espectador parece estar mirando hacia abajo a las figuras desde un punto de vista elevado. En otros aspectos, la perspectiva está poco desarrollada; ni la Virgen ni Gabriel parecen descansar sobre tierra firme, mientras que la donante femenina parece flotar y parece apenas poder caber en el espacio en el que está posicionada. [9]
Los paneles están en buen estado, con poca sobrepigmentación, brillo, capas de suciedad o pérdidas de pintura. [6] Están realizados casi en su totalidad al óleo y establecen muchas de las invenciones que harían que la técnica fuera tan exitosa y adaptable durante los siglos siguientes. [10] La serenidad de las obras se logra, en parte, mediante el predominio de tonos pálidos y opacos de blanco, rojo y azul. El tamaño de los paneles y la atención a veces minuciosa al detalle son similares al enfoque de las miniaturas contemporáneas, del tipo que parecen en los dos manuscritos iluminados del panel central. [10]
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El panel es una de las primeras representaciones de la Anunciación a María en un interior contemporáneo del norte de Europa, [10] que parece ser un comedor. Esta es la principal innovación de Campin, que muestra a una Virgen leyendo, con el cabello suelto en un entorno familiar, una imagen que dio lugar a muchas adopciones, la más famosa de las cuales es la Magdalena leyendo de Rogier van der Weyden . [11] Los colores de la parte superior del panel central están dominados por los grises fríos del yeso y el marrón de la pared de madera, [12] mientras que la mitad inferior es principalmente de verdes y rojos parduzcos más cálidos y profundos. [2] Los historiadores del arte sugieren que el éxito del panel se debe al contraste entre los rojos cálidos de la túnica de la Virgen y los tonos azul pálido de la vestimenta del arcángel Gabriel . [13]
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La perspectiva de los paneles es inusualmente inclinada y está distribuida de forma desigual. El ángulo de la mesa, en particular, es ilógico. El historiador de arte Lorne Campbell describe estas distorsiones como "perturbadoras". [8]
Muestra el momento anterior a la tradicional escena de la Anunciación, cuando María todavía no es consciente de la presencia de Gabriel. [13] Lleva un vestido rojo en lugar del azul más habitual, y está en una pose relajada, leyendo un libro de horas , con el pelo suelto. Inusualmente para una representación medieval de la Anunciación, la paloma del Espíritu Santo no es visible. En cambio, está representada por la luz apagada de la vela y el haz de luz que cae desde la ventana de la izquierda, que lleva al Niño Jesús sosteniendo una cruz. [14] El Niño Jesús vuela hacia María desde el óculo izquierdo, lo que significa su fecundación por Dios Padre . La mira directamente y sostiene una cruz. La mesa plegable contiene una vela recientemente apagada, [15] y muestra humo en espiral y una mecha aún encendida . Esto puede ser una referencia al Espíritu Santo, quien, según algunos escritores de finales de la Edad Media, descendió a los apóstoles "como una ráfaga de viento". [16]
El lirio blanco en una jarra de barro toscano [10] sobre la mesa representa la virginidad y pureza de María, al igual que la toalla blanca y ocre . La jarra contiene una serie de letras enigmáticas en latín y hebreo, descifradas por algunos historiadores del arte como De Campyn , que suponen que es la firma del artista. [16] Un manuscrito abierto se coloca en la bolsa de terciopelo verde. Inusualmente, el libro está colocado al lado de la Virgen en lugar de en el estante. Las páginas parecen gastadas y manipuladas, lo que indica que ha sido muy leído. [16] Se ha sugerido que el libro refleja la idea del cartujo Ludolf de Sajonia sobre la vida aislada de la Virgen: que antes vivió con "las Sagradas Escrituras como su única compañera". [17]
La mitad derecha de la pared trasera tiene tres ventanas, una de las cuales contiene una celosía . [2] Las vigas del techo están sostenidas por una serie de ménsulas . [18] El cielo visible a través de las ventanas es un añadido posterior, que fue pintado sobre un fondo dorado anterior . Los escudos heráldicos también son añadidos posteriores. [10]
El donante y su esposa se muestran arrodillados en oración en el panel izquierdo, mirando a través de una puerta entreabierta hacia el Hortus conclusus de la Virgen . [2] La puerta presenta una rareza de continuidad; aunque se puede ver que se abre hacia la habitación de la Virgen desde el panel izquierdo, no se ve tal entrada en la puerta en el panel central. Al abordar esto, los historiadores de arte Rose-Marie y Rainer Hagen suponen que el donante está "imaginando que ella ha entrado en su casa. Desde afuera, ha abierto la puerta; con sus propios ojos contempla a la Madre de Dios y le pide una familia". [19]
El asistente vestido con un traje festivo [20] es de un artista posterior, tal vez fue añadido después del matrimonio del donante. [21] El espacio de la izquierda contiene una entrada sin llave que conduce a una escena callejera minuciosamente detallada. [15] El panel es más llamativo ya que la puerta que conduce a la cámara de la Virgen está abierta de par en par, enormemente presuntuosa incluso para un encargo de mediados del siglo XV, y sugiere el acceso a las puertas del cielo. [22]
Los donantes son identificables como burgueses de la cercana Malinas , y están documentados en Tournai en 1427, identificables a partir del escudo de armas en la vidriera del panel central. [6]
Se supone que este panel fue un encargo posterior al taller de Campin y no formaba parte del diseño original de un solo panel. Se ha especulado con la posibilidad de que lo completara el joven Rogier van der Weyden . [23]
El retablo fue encargado por el empresario Jan Engelbrecht o por el comerciante nacido en Colonia Peter Engelbrecht y su esposa Margarete Scrynmaker. [24] [25] Engelbrecht se traduce del alemán como "ángel trae", mientras que Scrynmaker significa "ebanista", lo último quizás influyendo en la elección de José en el panel de la derecha. [24]
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San José , carpintero de profesión, ocupa el panel de la derecha. Se le muestra trabajando, perforando agujeros en uno de los instrumentos de la Pasión. Una característica inusual es que, aunque María y José no se casaron hasta después de la Anunciación, aparentemente viven juntos y comparten el mismo espacio. José aparece con las herramientas de su oficio, entre las que se incluyen un hacha, una sierra, una vara y un pequeño escabel sentado ante un fuego de leña ardiendo. La presencia de José puede tener la intención de invocar el versículo 10:15 del Libro de Isaías : "¿Se enorgullecerá el hacha contra el que con ella corta? ¿Se enorgullecerá la sierra contra el que la sacude? Como si la vara se sacudiera contra los que la alzan, o como si el bastón se levantara como si no fuera madera". [26] Las palabras de Isaías tenían un carácter incitativo y revolucionario, fueron seguidas por un tratado para la salvación de Israel y protestaban contra un rey asirio que él consideraba grosero y vanidoso. [26] En vista de esto, los historiadores del arte ven a José como una presencia tranquilizadora, que aleja al diablo del panel central. [27]
José es representado como un hombre relativamente mayor [27] que viste un abrigo de color berenjena y un turbante azul, en un panel vestido con colores oscuros y cálidos, enmarcado por sombras proyectadas desde las contraventanas de la ventana. [2] Trabaja en una trampa para ratones, probablemente un símbolo de la cruz en la Crucifixión , [28] en el sentido de que representa una captura imaginaria pero literal del Diablo, del que se dice que retuvo a un hombre como rescate por el pecado de Adán . [29] En algunos textos, la carne desnuda de Cristo sirvió como cebo para el diablo; "Se regocijó en la muerte de Cristo, como un alguacil de la muerte. Lo que le regocijó fue entonces su propia perdición. La cruz del Señor fue la trampa para ratones del diablo; el cebo con el que fue atrapado fue la muerte del Señor". [30]
El fondo muestra un paisaje urbano, probablemente ficticio, que muestra las agujas de dos iglesias, una de las cuales se ha perdido: las iglesias de San Pedro (izquierda) y Santa Cruz (derecha) en Lieja. [D] [3]
La iconografía contiene un simbolismo religioso complejo, aunque su extensión y naturaleza exacta son motivo de debate: Meyer Schapiro fue pionero en el estudio del simbolismo de la ratonera [31] y Erwin Panofsky amplió más tarde, o quizás sobreextendió, el análisis de los símbolos para abarcar muchos más detalles del mobiliario y los accesorios. Existen debates similares en relación con muchas pinturas de los primeros flamencos, y varios de los detalles que se ven por primera vez aquí reaparecen en Anunciaciones posteriores de otros artistas.
Los elementos simbólicos del panel central se relacionan principalmente con la Anunciación, la Misa y el sacramento de la Eucaristía . [32] María se sienta en el suelo para mostrar su humildad. El pergamino y el libro frente a María simbolizan el Antiguo y el Nuevo Testamento , y los papeles que María y el niño Jesús desempeñaron en el cumplimiento de la profecía. Los lirios en el jarrón de barro sobre la mesa representan la virginidad de María. Otros símbolos de su pureza incluyen el jardín cerrado ( Hortus conclusus ), [24] y la toalla blanca, mientras que las pequeñas ventanas a la derecha y las ventanas entrecerradas en la parte trasera sirven para enfatizar la vida tranquila y virginal que ha vivido. [19] [25]
Los remates de león en el banco pueden tener un papel simbólico (en referencia al Trono de la Sabiduría o trono de Salomón ); esta característica se ve a menudo en otras pinturas, religiosas o seculares (como el Retrato de Arnolfini de Jan van Eyck ). Los arreglos para lavarse en la parte posterior de la habitación, que se consideran inusuales para un interior doméstico, pueden estar relacionados con los arreglos similares de una piscina para que el sacerdote oficiante se lave las manos durante la misa . Los dieciséis lados de la mesa pueden aludir a los dieciséis profetas hebreos principales; la mesa generalmente se ve como un altar, y el arcángel Gabriel viste las vestimentas de un diácono . [33] La palangana puede representar tanto la pureza de la Virgen como la purificación del acto cristiano del bautismo . [34]
En el panel de la derecha, san José , un carpintero, ha construido una trampa para ratones que simboliza la captura y la derrota del diablo por parte de Cristo, una metáfora utilizada tres veces por san Agustín : "La cruz del Señor era la trampa para ratones del diablo; el cebo con el que fue atrapado fue la muerte del Señor". [35] La iconografía del panel de la derecha ha sido estudiada en detalle por Russell. [36] Muestra que el objeto en el que trabaja José es un scandalum o piedra de tropiezo, un bloque con púas que corta las piernas de una víctima de castigo que camina con él colgando de una cuerda alrededor de su cintura. Los instrumentos de carpintería de José se muestran de una manera constantemente antinatural, lo que sugiere que han sido planificados para adaptarse a una agenda específica; por ejemplo, los instrumentos de carpintería en la mesa están colocados de manera que representan las tres cruces de Cristo y los dos ladrones.
Su historia temprana es oscura. El tríptico fue propiedad de las familias aristocráticas belgas Arenberg y Mérode desde 1820 hasta 1849 antes de llegar al mercado del arte, y ha estado en la colección de los Cloisters , Nueva York desde 1956. Hasta su adquisición había estado en una colección privada durante muchos años y, por lo tanto, inaccesible tanto para los académicos como para el público. Su compra fue financiada por John D. Rockefeller Jr. y fue descrita en su momento como un "acontecimiento importante para la historia del coleccionismo en los Estados Unidos". [37]
