La pintura coreana ( coreano : 한국화 ) incluye pinturas hechas en Corea o por coreanos en el extranjero en todas las superficies. Las pinturas coreanas más antiguas que se conservan son murales en las tumbas de Goguryeo , de las cuales sobreviven cantidades considerables, las más antiguas de hace unos 2.000 años (en su mayoría ahora en Corea del Norte ), con escenas variadas que incluyen bailarines, caza y espíritus. [1] Se ha planteado la hipótesis de que la Tumba Takamatsuzuka en Japón, del final del siglo VII del período Goguryeo , tiene pinturas con influencia de Goguryeo , ya sea realizadas por artistas de Goguryeo o japonesas entrenadas por gente de Goguryeo. [2] Dado que muchas influencias llegaron a la península de Corea desde China durante el período de los Tres Reinos. Hasta la dinastía Joseon, las principales influencias provinieron de la pintura china , aunque con paisajes coreanos, rasgos faciales, temas budistas y un énfasis en la observación celeste en consonancia con el rápido desarrollo de la astronomía coreana.
La pintura del período Goryeo (918-1392) estuvo dominada por las pinturas en rollo budistas , adaptando estilos chinos; unos 160 sobreviven de la época. En este período se estableció la escuela o academia de artistas real, la Dohwaseo , con exámenes para artistas y dirigida por burócratas de la corte. [3] Hacia el comienzo del período Joseon (1392-1897), se introdujo la tradición de la pintura con tinta en gran medida monocromática , ya establecida desde hace mucho tiempo en China, y ha seguido siendo una corriente importante en la pintura coreana y japonesa, con la versión local de el estilo shan shui de la pintura de paisajes de montaña es tan importante como en China.
A partir de entonces, la pintura coreana incluyó diferentes tradiciones, de obras monocromáticas con pincelada negra, a veces realizadas por aficionados, obras profesionales con color, incluidas muchas escenas de género, y pintura de animales y pájaros y flores , y un colorido arte popular llamado minhwa , así como una continua tradición de rollos devocionales budistas llamados taenghwa , artes rituales, pinturas de tumbas y artes festivas que tenían un uso extensivo del color. Esta distinción a menudo se basaba en clases: los estudiosos, particularmente en el arte confuciano , sentían que se podía ver el color en pinturas monocromáticas dentro de las gradaciones y sentían que el uso real del color toscaba las pinturas y restringía la imaginación. Se consideraba que el arte popular coreano y la pintura de marcos arquitectónicos iluminaban ciertos marcos exteriores de madera, y nuevamente dentro de la tradición de la arquitectura china y las primeras influencias budistas de profusos y ricos halos y colores primarios inspirados en el arte indio .
Los pintores coreanos del período posterior a 1945 han asimilado algunos de los enfoques occidentales. Ciertos artistas europeos con una técnica de empaste grueso y pinceladas en primer plano captaron primero el interés coreano. Artistas como Gauguin , Monticelli , Van Gogh , Cézanne , Pissarro y Braque han sido muy influyentes, ya que han sido los más enseñados en las escuelas de arte, con libros fácilmente disponibles y traducidos al coreano desde el principio. Y de ellos se han extraído las paletas tonales de los artistas coreanos modernos: amarillo ocre, amarillo cadmio, amarillo Nápoles, rojo tierra y siena. Todos pintados de forma espesa, con trazos toscos y, a menudo, mostrando lienzos con mucha textura o papeles gruesos hechos a mano con guijarros.
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Los géneros esperados del arte budista que muestran a Buda, o a los monjes budistas, y el arte confuciano de los eruditos en reposo o estudiando en entornos tranquilos, a menudo montañosos, siguen las tendencias artísticas generales del este de Asia. Los colores Nimbus no son necesariamente dorados y pueden ser sugeridos por colores más claros. Los rostros tienden al realismo y muestran humanidad y edad. Las cortinas se hacen con mucho cuidado. El rostro es generalmente bidimensional, el ropaje tridimensional. Como en el arte occidental medieval y renacentista, las cortinas y los rostros suelen ser realizados por dos o tres artistas que se especializan en una habilidad pictórica en particular. La iconografía sigue la iconografía budista .
Los eruditos tienden a tener los tradicionales sombreros de copa u otros sombreros de rango, y túnicas monocromáticas de erudito. Por lo general, descansan en casas de té cerca de las montañas o en albergues de montaña, o aparecen fotografiados con sus maestros o mentores.
Las escenas de caza, familiares en todo el mundo, se ven a menudo en el arte cortesano coreano y recuerdan las escenas de caza de Mongolia y Persia. Se cazaban jabalíes, ciervos y ciervos, así como tigres siberianos. Los jinetes utilizaron lanzas y mazas con mango de lanza particularmente letales dentro de los cotos de caza después de que los arqueros en el suelo lideraran la provocación inicial de los animales como golpeadores. Los budas tienden a tener rasgos faciales coreanos y se encuentran en posiciones fáciles de descansar.
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Los templos y ermitas budistas de todo el país son ricos archivos de pinturas populares, que van desde grandes imágenes de iconos para uso ritual hasta ilustraciones de sutras y anécdotas sobre monjes famosos y sus retratos. Estas pinturas de templos se caracterizan por sus composiciones simples y colores brillantes. [4]
Las pinturas populares de esta categoría incluían diseños de personajes de los temas populares de la lealtad y la piedad filial, imágenes que representaban las historias de vida de eruditos de renombre y representaciones de una carpa saltando desde el río para transformarse en un dragón que simboliza la aspiración a logros académicos distinguidos y un carrera exitosa en la burocracia. [4]
La gran mayoría de las pinturas populares antiguas se utilizaban con fines decorativos. Estas pinturas generalmente repiten motivos populares con técnicas relativamente pobres, pero dan testimonio de la tradición religiosa de la nación que armoniza varias religiones como el chamanismo, el taoísmo, el budismo y el confucianismo. [4]
El arte Goguryeo , conservado en gran parte en pinturas de tumbas, destaca por el vigor de sus imágenes. Se puede ver arte finamente detallado en las tumbas de Goguryeo y otros murales. Muchas de las obras de arte tienen un estilo de pintura original.
Los murales de las tumbas de Goguryeo datan aproximadamente del año 500 d.C. durante el período Goguryeo, del 37 a.C. al 668 d.C. Estos magníficos murales, todavía de colores intensos, muestran la vida cotidiana y las mitologías coreanas de la época. Hasta 2005, se habían encontrado 70 murales, la mayoría en la cuenca del río Taedong cerca de Pyongyang , el área de Anak en la provincia de Hwanghae del Sur .
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Durante la dinastía Goryeo se produjeron pinturas de excepcional belleza al servicio del budismo; Las pinturas del bodhisattva Avalokiteshvara (coreano: Gwaneum Bosal) destacan especialmente por su elegancia y espiritualidad. [5] El patrocinio de las principales familias de Goryeo dio como resultado la producción de pinturas budistas de alta calidad, como pinturas refinadas y detalladas de santos o monjes budistas.
El rey Gongmin de Goryeo (1330-1374) fue un pintor importante de la época. Yi Nyeong, un pintor de la corte, y Yi Je-hyeon , un pintor erudito, son considerados artistas importantes de Goryeo fuera de la tradición budista.
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La influencia del confucianismo reemplazó a la del budismo en este período, sin embargo, los elementos budistas permanecieron y no es cierto que el arte budista decayera, continuó y fue alentado, pero no por los centros reales de arte, ni por el gusto aceptado públicamente por la dinastía Joseon. ; sin embargo, en los hogares privados y, de hecho, en los palacios de verano de los reyes de la dinastía Joseon, se valoraba mucho la simplicidad del arte budista, pero no se lo veía como arte urbano.
Durante el período de transición que condujo a la dinastía Joseon, algunos pintores budistas coreanos partieron hacia Japón. Yi Su-mun (1400?–1450?), considerado el fundador de la escuela Soga de Japón, [6] era un compañero de barco del mayor sacerdote-pintor, Shubun de Shokokuji , cuando regresó de Corea a Japón en 1424. La tradición japonesa declaró que Yi era tan hábil después de su pintura "Bagre y calabaza" que el shogun Yoshimochi afirmó que era hijo del legendario Josetsu , como honorífico adoptivo. Yi pintó junto con los originales del arte zen japonés e influyó en ellos ; y era conocido en Japón por su nombre japonés Ri Shubun o el coreano Shubun . Toda la tradición de las puntas de aguja en el arte japonés comenzó con Yi y continuó a través de sus estudiantes, conocidos como la Escuela Soga, un grupo de artistas más natural que la escuela cortesana patrocinada por los shogun Ashikaga .
Si bien la dinastía Joseon comenzó bajo auspicios militares, se dejó que los estilos Goryeo evolucionaran y la iconografía budista (bambú, orquídea, ciruela y crisantemo; y los familiares símbolos anudados de buena suerte) todavía formaban parte de las pinturas de género. Ni los colores ni las formas sufrieron ningún cambio real, y los gobernantes se mantuvieron al margen de los edictos sobre el arte. Los ideales Ming y las técnicas importadas continuaron en las obras idealizadas de las primeras dinastías. Los pintores de la primera dinastía incluyen a An Gyeon , un pintor del siglo XV.
Los estilos de pintura de mediados de la dinastía avanzaron hacia un mayor realismo. Comenzó un estilo de pintura nacional de paisajes llamado " visión verdadera ", pasando del estilo tradicional chino de paisajes generales idealizados a lugares particulares representados exactamente. Si bien no fue fotográfico, el estilo fue lo suficientemente académico como para establecerse y apoyarse como un estilo estandarizado en la pintura coreana. Los pintores de mediados de la dinastía incluyen a Hwang Jipjung (nacido en 1533).
La dinastía Joseon de mediados a finales se considera la edad de oro de la pintura coreana. Coincide con el impacto del colapso de los vínculos de la dinastía Ming con el ascenso al poder de los emperadores manchúes en China, y con el forzamiento de los artistas coreanos a construir nuevos modelos artísticos basados en el nacionalismo y una búsqueda interior de sujetos coreanos particulares. En ese momento China dejó de tener una influencia preeminente, el arte coreano tomó su propio curso y se volvió cada vez más distintivo.
Las pinturas de género de finales de la dinastía Joseon y las pinturas de paisajes reales se han vuelto célebres y emblemáticas, pero también muestran la modesta realidad del pueblo coreano y su pasado, no solo aquellos que ocupan altas posiciones de poder sino también aquellos que trabajan bajo sus órdenes. los plebeyos o las clases bajas y aparentemente incluso las mujeres (Park JP, 2018). En la Corea moderna, estas pinturas se exhiben y conservan como recuerdos que muestran la conmovedora y armoniosa sociedad próspera de finales de la dinastía Joseon. Con estas pinturas, también se cree que trajeron a los ojos del espectador una proyección de un pasado sencillo y nostálgico, estas nada menos que obras maestras creadas por Kim Hong-do (1745 – c. 1810 ) y Sin Yun. -Bok (1758 –?) se promociona como una espléndida colección de arte que describe el estado, el pueblo y la historia de Corea. El trabajo realizado en estas pinturas muestra la atención académica invertida en la comprensión del pasado de Corea, y esa motivación podría extenderse al espectador, ya que el arte de Corea se ha convertido en una parte integral de los estudios y el conocimiento de Corea y su historia.
Algunos estudios modernos relacionan las particularidades históricas de la época, como el panorama cultural e ideológico, con la motivación e inspiración de los artistas coreanos, ya que la atención que se puso en sus obras de arte fomentó la popularización de estas pinturas. Entre ellos se incluyen los diferentes puntos de vista sobre cómo se hicieron populares en ese momento, uno de los cuales es el análisis de que las pinturas de género coreanas son producto del orgullo y la confianza de los coreanos en el pasado después de que comenzaron a tratar su propia cultura como heredera legítima de la Alta Civilización de China (Park JP, 2018). La desaparición de la civilización confuciana tardía y la caída de los Ming en China continental bajo Manchu Qing , estos eventos llevaron a los artistas de finales de la era Joseon a recapturar y redefinir los valores del paisaje de Joseon Corea y su sociedad en estas nuevas pinturas (Park JP, 2018). Otro punto de vista sería un enfoque interpretativo del creciente interés por el aprendizaje en ese momento, que proporcionó a los artistas de la era Joseon la motivación y la inspiración necesarias para ver las escenas de la vida cotidiana en Corea y los cambios en el panorama social desde una nueva perspectiva, como Los artistas de Joseon dedicaron mucho tiempo a sus estudios prácticos académicos, las personas y sus vidas fueron un factor clave en la contribución a sus obras de arte, así como su determinación de representar y observar a las personas que encontraron a su alrededor.
Entre muchos de los artistas de mediados a finales de la era Joseon que pintaron escenas cotidianas del pueblo de Corea, un artista yangban se destacó y fue descrito como el padre fundador de este género, y ese artista es Yun Duseo (1668 – 1715). Yun Duseo pintaría muchos dibujos basados en el trabajo, el comportamiento, el ocio y las emociones de la gente común que observaba a su alrededor. Esto comenzaría a conmover a la gente, ya que no tenía precedentes en ese período, y el tema de estas obras de arte se convertiría en motivos principales en lugar de adiciones decorativas como en épocas anteriores.
La lista de pintores importantes es larga, pero los nombres más notables incluyen:
La caligrafía que se utiliza suele estar realizada de forma discreta.
Otros artistas importantes de la "escuela de literatos" incluyen:
Chaekgeori es un género de pintura de naturaleza muerta del período Joseon de Corea que presenta los libros como tema dominante. [7] Chaekgeori floreció desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta la primera mitad del siglo XX y fue disfrutado por todos los miembros de la población, desde el rey hasta los plebeyos, revelando el enamoramiento por los libros y el aprendizaje de la cultura coreana. [8]
Los artistas coreanos desde mediados de la década de 1880 hasta 1945 vivieron tiempos muy difíciles antes de que Corea fuera liberada por los aliados tras la rendición incondicional de Japón.
A partir de la década de 1880, la popularidad emergente del arte occidental en Japón llevó a una mala opinión del arte tradicional coreano. Sin embargo, la creación del museo de artesanía coreana en 1924 por el filósofo japonés Yanagi Sōetsu es un claro ejemplo de los estetas japoneses que todavía apreciaban el arte coreano.
Japón también celebró una exposición de arte coreano que produjo muchos artistas jóvenes coreanos como Park Su-geun . Hasta la fecha no ha habido una muestra retrospectiva del arte oculto bajo la ocupación japonesa, ni una discusión sobre los conflictos entre aquellos que se vieron obligados a comprometerse bajo las demandas artísticas japonesas. Es una cuestión delicada, en la que los artistas que estudiaron y trabajaron en Japón y pintaron al estilo japonés se vieron obligados a defenderse y justificar el compromiso sin otras alternativas.
Entre el final de la dinastía Joseon y el período de ocupación japonesa se encontraban artistas notables como Chi Un-Yeong (1853-1936).
La teoría del color se ha utilizado sobre la perspectiva formal, y todavía no ha habido una superposición entre el arte pictórico y los gráficos pop, ya que la influencia principal en los pintores es la cerámica coreana .
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