El arte autodestructivo (ADA) es una forma de arte inventada por Gustav Metzger , un artista nacido en Baviera que se mudó a Gran Bretaña en 1939. Surgió después de la Segunda Guerra Mundial y Metzger quería mostrar la destrucción creada por la guerra a través de sus obras de arte. Este movimiento tuvo lugar en Inglaterra y fue lanzado por Metzger en 1959. [1] Este término fue inventado a principios de la década de 1960 y puesto en circulación por su artículo "Máquina, arte autocreativo y autodestructivo" en la edición de verano de 1962 de la revista Ark .
Este movimiento surgió después de la Primera Guerra Mundial. Después de la Primera Guerra Mundial, los artistas comenzaron a introducir nuevos estilos de arte que utilizaban diferentes medios y técnicas. El cubismo y el dadaísmo estaban en el corazón de estas nuevas técnicas. El arte autodestructivo sigue estas técnicas más nuevas al tomar objetos cotidianos y causarles daños. El arte destructivo es similar al dadaísmo en la forma en que rechaza conceptos pasados para no solo redefinir el arte, sino también para arrojar luz sobre los problemas. Aunque similar al dadaísmo, el ADA fue un movimiento propio debido al estilo y al período de tiempo. Después de la Segunda Guerra Mundial, muchos artistas recurrieron al expresionismo abstracto , pero el ADA se diferenciaba por su enfoque en la destrucción.
El arte autodestructivo estuvo muy influenciado por la Segunda Guerra Mundial. Después de las muchas víctimas y la destrucción masiva, la gente de todo el mundo estaba angustiada y horrorizada. En comparación con la Primera Guerra Mundial, la Segunda Guerra Mundial tuvo una influencia diferente en el arte debido al uso extensivo de aeronaves y la introducción de armas nucleares . Estas armas inspiraron en gran medida a los artistas a abordar el arte utilizando nuevos medios como la corrosión, el estrés o el calor. ADA representa la guerra y sus víctimas. Los artistas de este período de tiempo querían explorar temas de nuevas formas. Para explorar estos temas en la sociedad industrial, Metzger alentó a los artistas a trabajar con científicos e ingenieros. [2]
El propósito del arte autodestructivo era llamar la atención sobre la destrucción de creencias previas. Al permitir que el estrés y las fuerzas naturales creen daños después de una marca inicial, el arte se crea automáticamente. Esto representa cómo el hombre provocó y creó la destrucción. La destrucción también representa el caos causado por el gobierno. La política fue una fuerza impulsora importante de los artistas de ADA. En entrevistas, Metzger expresó su desagrado por la política y el comercialismo . Metzger creía que la "estética de la repulsión" se sumaría a la idea del sistema capitalista corrupto . [3] Al dañar el arte en sí, Metzger puede cuestionar la idea de lo que es el arte. Va en contra de la idea del egocentrismo en el mundo artístico. Metzger creía que para sacar a la luz la corrupción en la política, debe alejarse a sí mismo y a su trabajo del arte. [4] Incluso afirma en su manifiesto que "el arte autodestructivo refleja el perfeccionismo compulsivo de la fabricación de armas: pulir hasta el punto de destrucción". [5] Este extracto refleja la idea que compartían muchos artistas de ADA. Querían retirarse de la producción en masa, del comercialismo y de la manufactura.
Gustav Metzger creció durante el Holocausto, lo que inspiró en gran medida su obra de arte. En 1943, Metzger perdió a sus padres en los ataques nazis. Metzger cita: "Enfrentarme a los nazis y a los poderes del estado nazi marcó mi vida como artista". Metzger encendería la chispa de la pieza de arte para representar la destrucción de la humanidad. Luego permitió que las fuerzas naturales tomaran el control, lo que simbolizaba cómo la chispa de la humanidad puede resultar en mucha más destrucción de la prevista. Metzger más tarde utilizó su arte para hablar en contra de la violencia que nos hacemos unos a otros y a la naturaleza. [6] En su pieza de 2009, Flailing Trees (Árboles que se desploman) , Metzger arrancó y volcó una serie de árboles para simbolizar la brutalidad que se le hace al mundo natural. [7]
Junto con Metzger, John Latham fue otro influyente artista destructivo. Latham tenía interés en la "temporalidad" y la destrucción "basada en el tiempo". [8] Su pieza más reconocida fue Skoob Tower Ceremonies . Latham utilizó pilas de libros para crear torres que luego incendió. Esta demostración fue controvertida debido a los recientes ataques nazis y las quemas de libros que tuvieron lugar. Latham señaló que no estaba en contra del contenido de los libros, sino más bien de la idea de que los libros son la única fuente de conocimiento. [9]
El artista Jean Tinguely también fue una figura poderosa en el arte destructivo con su uso de la mecánica en 1953. Más adelante en su trabajo, Tinguely quería centrarse en la "desmaterialización" mediante la creación de máquinas que eventualmente se destruirían a sí mismas. [10] Una pieza muy significativa fue Homenaje a Nueva York . Esta pieza incluía una máquina que creaba ruido, pinturas y humo antes de ser detenida por un bombero. La pieza estaba destinada a autodestruirse y, aunque no pudo completar sus acciones, aún así tuvo éxito como obra de arte. Tinguely creía que esta pieza simbolizaba una liberación de lo material porque una vez que terminaba la actuación, se limpiaba y no quedaba nada. [11] Después de esta pieza, Tinguely pudo construir dos máquinas más exitosas que sí se autodestruían. [12]
No sólo se veía arte destructivo en el arte tradicional, sino también en el arte escénico. Jeff Keen, un cineasta, incluyó formas de destrucción en sus "películas collage". Keen cortaba y editaba escenas de la cultura pop, cómics y otras películas para crear "proyecciones multipantalla". Sus películas eran vistas como inconexas y desordenadas, lo que confundía a los espectadores. Keen simboliza la destrucción en sus habilidades de corte y edición de obras anteriores. Al utilizar otras fuentes y editarlas juntas, Keen ha destruido lo viejo y ha creado algo nuevo. [13]
Se utilizaron muchas estrategias para crear (o más bien, destruir) arte. Metzger utilizó ladrillos, telas y otros objetos como base para su obra. Luego utilizó múltiples tipos de materiales dañinos, como ácido o fuego, para crear la destrucción. Para una pieza, Metzger arrojó ácido clorhídrico sobre una lámina de nailon y notó que, si bien el ácido destruía la lámina, también creaba formas. [14] Aunque esta pieza no tenía un nombre, fue recreada más tarde en 2004 como parte de la exposición de la Tate Britain, Art and the Sixties: This was Tomorrow. [15] Otros artistas exploraron el uso de objetos cotidianos como libros o mecanismos, lo que amplió el concepto de cómo se pueden usar objetos aparentemente mundanos para demostrar cómo se debe destruir el materialismo y la manufactura.
Un impacto de la ADA fue la creación del " Simposio de Destrucción en el Arte " (DIAS). Metzger estaba en contra del sistema de comerciantes de arte y pretendía conseguir financiación pública para el arte autodestructivo, pero el gobierno no proporcionó fondos. Metzger estaba en contra de la venta de arte porque los comerciantes no estaban interesados en el "cambio técnico fundamental". Esto dio lugar a que Metzger y John Sharkey organizaran DIAS en 1966, que era un evento basado en voluntarios que mostraba diferentes formas de arte de diversos individuos de todo el mundo. Una actuación significativa en este evento fue la pieza "Cut" de Yoko Ono . [16] En esta pieza, presentada en el Museo de Arte Moderno en 1971, Ono se sentó y permitió que el público cortara trozos de su ropa. Permitir que el público cortara su ropa no solo representaba la vulnerabilidad femenina, sino que también destruía la relación tradicional entre el espectador y el artista. [17] Pete Townshend de The Who relacionaría más tarde la destrucción de su guitarra en el escenario con el arte autodestructivo. El miembro de la banda Keith Moon siguió dramáticamente el ejemplo colocando explosivos en sus tambores (en algunos puntos casi estallando en pedazos). [18] En 2013, el Museo Hirshhorn y el Jardín de Esculturas en Washington, DC, abrirían una exhibición que se enfoca en la destrucción en el arte. La exhibición Control de daños: arte y destrucción desde 1950 , incluyó una variedad de arte que demuestra cómo la destrucción ha impactado el arte actual. [19] Aunque no es muy reconocido ni enseñado, el arte autodestructivo todavía tiene un impacto en todo tipo de artistas hasta el día de hoy. Sigue inspirando a los artistas a desconectarse de los estilos de arte tradicionales para llamar la atención sobre problemas mundanos.