El canto llano, también conocido como canto llano, y más específicamente canto gregoriano , ambrosiano y galicano , se refiere en general a un estilo de canto cristiano primitivo, monofónico y sin acompañamiento, interpretado por monjes y desarrollado en la Iglesia Católica Romana principalmente durante el período 800-1000. Las diferencias pueden ser marginales, o incluso grandes, en algunos casos. Estas diferencias reflejan la gran diversidad étnica, cultural y lingüística que existía después de la caída del Imperio Romano en la península italiana. Diferentes tradiciones monásticas surgieron dentro de la Iglesia Católica Romana en toda Italia, pero en diferentes lugares y en épocas más antiguas. Incluso un no especialista musical puede escuchar la diferencia, por ejemplo, entre la producción de tono directo en los cantos ambosianos de Milán y los cantos de Benevento , que muestran un distintivo temblor ornamental "oriental" en la voz, que refleja las tradiciones vocales de la Iglesia Ortodoxa Griega . Sin embargo, a pesar de las diferencias, las similitudes son grandes. En cualquier caso, el canto gregoriano formal se impuso en toda Italia hacia el año 1100, aunque la música de los ritos griegos siguió escuchándose en varios lugares de la península, especialmente en aquellos lugares que antaño habían ocupado Bizancio , como Rávena o en la península sur, que había sido refugio de aquellos griegos que huían de las grandes controversias iconoclastas bizantinas antes del año 1000. Obviamente, donde se practicaban ritos griegos, los cantos se cantaban en lengua griega y no en latín , como se hacía en la liturgia católica romana.
El Trecento , que se extendió desde aproximadamente 1300 hasta 1420, fue un período de intensa actividad en Italia en las artes, incluidas la pintura, la arquitectura, la literatura y la música. La música del Trecento fue pionera en nuevas formas de expresión, especialmente en el canto profano y en el uso de la lengua vernácula, el italiano . En estos aspectos, la música del Trecento puede parecer más un fenómeno renacentista ; sin embargo, el lenguaje musical predominante estaba más estrechamente relacionado con el de finales de la Edad Media , y los musicólogos generalmente clasifican el Trecento como el final de la era medieval. [1]
La música profana anterior al año 1500 era en gran medida obra de juglares, trovadores y mimos. Esta fue la época de la gran vernacularización del lenguaje en Italia (de hecho, en toda Europa), es decir, la gente empezó a escribir y cantar canciones en su lengua materna, que no era el latín, sino cualquier variante del neolatín medieval vernáculo que se hablara en su zona. Así, Dante demostró con la Divina Comedia en 1300 que la lengua común (la suya se llamaba "toscana" y no "italiana" hasta tan tarde como el siglo XVIII) podía ser un vehículo para la buena literatura. Lógicamente, eso se extendió a las letras de las canciones que cantaba la gente.
Dos puntos merecen ser mencionados a este respecto: (1) sabemos mucho más sobre las palabras de las canciones que sobre el sonido real de la música. Las palabras se escribían con mucha más facilidad que las melodías. (Véase notación musical ). Así, sabemos que había una vibrante tradición trovadoresca en el siglo XII en la Provenza en su lengua y sabemos que a 1.000 millas de distancia, en la isla de Sicilia, también había una vibrante tradición trovadoresca en la corte Hohenstaufen de Federico II , canciones cantadas en el dialecto del pueblo (muy influenciado, por ejemplo, por el árabe ), pero es una conjetura cómo sonaba exactamente cada una de ellas. Sólo sabemos que la música folclórica del sur de Francia, hoy en día, suena bastante diferente de la música folclórica siciliana. Puesto que la música folclórica es relativamente conservadora en el sentido de que resiste el cambio rápido, podemos suponer que al menos algunas de las diferencias obvias en melodía, escalas y enfoque de la vocalización que existen ahora, existían entonces. La naturaleza de llamada y respuesta de mucho canto coral popular en la Edad Media (es decir, un solista canta una línea que luego es respondida por un grupo) encontró su camino en la música de iglesia medieval como una forma de involucrar a todos los miembros de la congregación.
Las complicadas polifonías de lo que se denomina Ars Nova comenzaron a escucharse en los siglos XIV y XV; piezas populares como los madrigales empleaban superposiciones cada vez más densas de diferentes melodías cantadas al mismo tiempo, con el objetivo de crear una textura de sonido entrelazada y eufónica; esto NO es lo mismo que la armonía , el sonido de muchas notas juntas para formar un acorde. Se trata de una invención posterior. Sin embargo, el paso de los sonidos monofónicos de los cantos a las muchas melodías simultáneas de la polifonía representa una revolución en nuestras percepciones musicales: es decir, se puede tener más de una cosa sonando al mismo tiempo y aún así resultar agradable de escuchar.
La mayoría de la gente no piensa en música cuando escucha el término Renacimiento . Sin embargo, en el mismo sentido en que los arquitectos, pintores y escultores del siglo XVI rindieron homenaje a los valores recién redescubiertos de la Grecia clásica , los poetas y músicos de ese período intentaron hacer lo mismo. Los años entre 1500 y 1600 son el período más revolucionario de la historia musical europea; es el siglo en el que se desarrolló la armonía y el siglo que dio origen a la ópera .
Estos dos desarrollos están relacionados. Los lectores habrán notado el paso de la monofonía de los cantos gregorianos a las complicadas polifonías de los madrigales y otras músicas de los pocos siglos anteriores a 1500. El siguiente cambio en la percepción musical implica un término menos común: la homofonía; es decir, el sonido de un acorde armónico o una progresión de acordes, que no está destinado a destacarse, sino que respalda una melodía obvia sobre la armonía.
El deseo (o quizás la necesidad ) de música homofónica surgió de varios factores. En primer lugar, se rechazó la polifonía excesivamente complicada de muchas melodías diferentes que se ejecutaban al mismo tiempo; en segundo lugar, surgió una nueva estética musical general de la época, que se resume mejor en las palabras de Leonardo da Vinci en 1500, quien dijo que la música era "la conjunción simultánea de partes proporcionales", es decir, la unión de notas basadas en proporciones aritméticas simples como 2:1 (que produce el sonido de una octava), 3:2 (que produce el sonido de una quinta) y 5:4 (que produce el sonido de una tercera mayor). De modo que si se generan notas a 400, 600, 800 y 1000 ciclos por segundo, se obtienen todas las notas del sonido más simple y armonioso de nuestra música: el acorde mayor. Realmente es así de simple. (Véase Acústica musical .) En tercer lugar en la lista de factores que hacen que el siglo XVI sea tan importante fue el deseo renacentista de contar una historia, de poner a la gente en un pequeño escenario y hacer que canten canciones sobre la mitología griega (la historia de Orfeo , por ejemplo). Eso es difícil de hacer si todo el mundo canta una melodía al mismo tiempo; así, la polifonía dio paso a la homofonía, y la ópera primitiva consistía en melodías relativamente simples con textos sobre la mitología griega, cantadas en italiano y respaldadas por armonías simples. La ciudad importante en Italia en este desarrollo de la música en el siglo XVI fue Florencia . (Véase también: Camerata florentina , Vincenzo Galilei , Jacopo Peri , Claudio Monteverdi , Palestrina , Arcangelo Corelli .)
Además de Florencia, otras dos ciudades italianas merecen una mención especial en el período de alrededor de 1600. Existe una especie de rivalidad amistosa entre los defensores de las dos ciudades en cuanto a cuál es más importante en la historia del desarrollo de la música en Italia. Venecia reclama con justicia su lugar como la cuna de la ópera comercial; Nápoles señala su propia historia de conservatorios de música patrocinados por la Iglesia, instituciones que se convirtieron en "sistemas de alimentación", proporcionando compositores e intérpretes para gran parte de la vida musical en Italia y, de hecho, en Europa en su conjunto. (Véase también: Música de Venecia y Música de Nápoles .)
El período que va desde aproximadamente 1600 hasta 1750 abarca la era barroca de la música . En este período sucedieron muchas cosas importantes. Una de ellas fue el regreso a las complejidades melódicas de la polifonía; sin embargo, las melodías se desarrollaban dentro de un sistema de armonía moderno y establecido basado en acordes y escalas mayores y menores. Este último elemento es una extensión del concepto de música homofónica y permitió que la complejidad melódica de cualquier variación surgiera para dominar la importancia del texto. La lucha por el dominio entre el texto y la música se remonta a la música de los griegos y todavía continúa en todas las formas de música artística y música popular europea. Este nuevo dominio de la melodía dentro de la armonía a expensas del texto condujo a grandes cambios, incluida la expansión e invención de los recursos instrumentales de la orquesta; el teclado se extendió en ambas direcciones; la fabricación de instrumentos como los de Stradivarius se convirtió en una gran industria en Cremona; y la música instrumental comenzó a desarrollarse como una "pista" separada, bastante al margen del papel tradicional de acompañar a la voz humana. Las formas instrumentales incluyen elementos como la sonata y la fuga. Entre las figuras musicales más conocidas e influyentes de este período en Italia se encuentran Alessandro y Domenico Scarlatti , Benedetto Marcello y Antonio Vivaldi , que representan la importancia de Nápoles y Venecia, respectivamente, durante este período.
Desde principios del siglo XVIII hasta finales de ese siglo abarca lo que los historiadores llaman "música clásica". (Tenga en cuenta que este uso del término "clásica" no se corresponde con lo que los no historiadores quieren decir cuando hablan de "música clásica", es decir, toda la ópera y la música sinfónica, en contraposición a la "música popular").
El término "clásico" es apropiado para este período de la música, ya que marca la estandarización de formas musicales como la sinfonía y el concierto . Así, el término "clásico" se utiliza en el sentido renacentista de la filosofía griega clásica: forma platónica , la idea de que cosas como la belleza existen eternamente como ideales, y que el trabajo del artista (en este caso, el trabajo del compositor) es darle forma a ese ideal. Así, tenemos, por ejemplo, una sinfonía formalizada como una obra estándar en cuatro movimientos para orquesta, y así sucesivamente.
La estructura física para la composición y la interpretación de música en Italia avanzó mucho durante este siglo. Es el período en el que se construyeron los grandes teatros de ópera en Nápoles y Milán: el Teatro San Carlo y La Scala , respectivamente. Es también la época del ascenso a la prominencia de la ópera cómica napolitana (y luego italiana) . También es importante el restablecimiento de un cierto sentido de equilibrio entre texto y música en la ópera, en gran parte a través de los libretos de Metastasio .
Compositores italianos importantes en este siglo son: Giovanni Battista Pergolesi , Niccolò Piccinni , Giovanni Paisiello , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Muzio Clementi , Luigi Cherubini , Giovanni Battista Viotti y Niccolò Paganini . Es también la época en la que la "música italiana" se hizo internacional, por así decirlo, y muchos de estos compositores italianos comenzaron a trabajar en el extranjero.
Este es el siglo del Romanticismo en la literatura, el arte y la música europeos. El Romanticismo en la música está marcado por muchas de las mismas características que definen la literatura y la pintura de ese siglo: menos atención a las formalidades del clasicismo, más participación de las pasiones humanas como el amor, el heroísmo, el coraje, la libertad, etc., todo lo cual es una consecuencia directa del humanismo de la Ilustración francesa . La ópera italiana tiende a abandonar la ligereza de la ópera cómica por el estilo más serio del Romanticismo lírico italiano. Aunque el siempre popular Rossini es ciertamente una excepción a eso, la música italiana del siglo XIX está dominada al principio por artistas como Bellini , Donizetti y luego, por supuesto, durante los últimos cincuenta años del siglo por Giuseppe Verdi , el mayor ícono musical de la historia italiana. También es la época de la carrera temprana de Giacomo Puccini , quizás el mayor compositor de melodía pura en la historia de la música italiana, y ciertamente el último. Puccini es el puente hacia la era de la nueva música del siglo XX.
El Romanticismo en toda la música europea ciertamente se mantuvo hasta finales del siglo XX. En Italia, la música de Verdi y Puccini siguió dominando durante varios años. Otros compositores románticos italianos (al menos los compositores que continuaron componiendo en las tradiciones tonales de la música occidental, en oposición a la nueva atonalidad y las disonancias de la Europa posterior a la Primera Guerra Mundial) que "lograron llegar" al siglo XX incluyen a Arrigo Boito , Ruggiero Leoncavallo , Pietro Mascagni , Francesco Cilea y Ottorino Respighi .
Sin embargo, era inevitable que los compositores italianos reaccionaran a los valores en decadencia del Romanticismo y al cinismo provocado en muchos círculos artísticos europeos por cuestiones como la Primera Guerra Mundial y fenómenos culturales y científicos como el psicoanálisis, en el que —al menos según Robert Louis Stevenson— «todos los hombres tienen pensamientos secretos que avergonzarían al infierno». El Romanticismo —a pesar de su persistente popularidad entre los aficionados a la ópera— murió en la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, no se puede decir que la música romántica en Italia haya muerto por su propio peso, como se podría decir de las obras demasiado largas y sobreorquestadas de la música romántica tardía en Alemania que dieron paso a la música minimalista . Pero la abstracción y la atonalidad y, simplemente, la música «difícil» llegaron a Italia después de la muerte de Puccini. Entre los nombres italianos más importantes de la música del siglo XX se encuentran Luciano Berio , Luigi Dallapiccola , Goffredo Petrassi y Luigi Nono .