Cristo entre los doctores es una pintura al óleo de Alberto Durero , que data de 1506 y que se encuentra actualmente en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid , España . La obra pertenece a la época de la estancia de Durero en Italia y, según su inscripción, fue ejecutada casualmente en cinco días mientras trabajaba en el retablo de la Fiesta del Rosario en Venecia. La obra estuvo influenciada por Leonardo da Vinci y posiblemente se basó en la pintura más probablemente anterior de Cima da Conegliano sobre el mismo tema. [1]
,_RP-P-OB-1422.jpg/1280px-De_twaalfjarige_Christus_in_de_tempel_Leven_van_Maria_(serietitel),_RP-P-OB-1422.jpg)
El tema de la pintura sobre tabla es el episodio del Hallazgo en el Templo , de la infancia de Jesús, que se encuentra en el Evangelio de Lucas (2:41-52). En una peregrinación anual de la sagrada familia a Jerusalén para la Pascua, el niño de doce años se perdió y fue encontrado de nuevo después de tres días en un templo debatiendo con eruditos que ejecutaban los asuntos de su Padre .
El tema ya había sido tratado por Durero en un panel del Políptico de los Siete Dolores (1494-1497) ejecutado por su taller, y unos diez años después en un grabado en madera de la serie de la Vida de la Virgen . Sin embargo, en esta obra el artista alemán adoptó una composición densa de medias figuras, que fue introducida por Andrea Mantegna en su La Presentación en el Templo (c. 1454, Berlín) y posteriormente presente en todas las escuelas del norte de Italia, incluida Venecia . [2] Aunque Durero enfatizó aún más el enfoque en los rostros y las manos (y los libros). [3]
No fue hasta su segundo viaje a Italia que Durero realizó estudios detallados de modelos vivos antes de elaborar una composición final para pinturas y grabados por igual. [4] [5] Los primeros dibujos preparatorios se originaron en Venecia, todos con la misma técnica: tinta oscura dibujada con un pincel, resaltada con témpera blanca , sobre grandes hojas de papel teñido de azul veneciano ( carta azzurra ). El color azul sirve como tono medio, un método que aplicó anteriormente en la Pasión verde de 1504, y en dibujos donde lavó el fondo alrededor de las figuras para obtener el mismo efecto. [6] Han sobrevivido cuatro dibujos preparatorios para la pintura, uno de la cabeza del niño (originalmente con la cabeza del ángel que toca el laúd para el panel del Rosario en una hoja ahora cortada) y una mano sosteniendo un libro (ambos en la Albertina , Viena), un estudio de las manos contando argumentos, y otro dibujo con dos pares de manos sosteniendo un libro, de los cuales solo uno Durero finalmente incorporó a la imagen (ambos en el Germanische Nationalmuseum , Nuremberg). [7] [8] [9]
El panel de Jesús entre los doctores tiene un dibujo subyacente habitual, preparado con temple al huevo , pero cubierto por una tenue capa de pintura al óleo. [11] De hecho, está hecho "de manera casi improvisada, con una fina capa de color aplicada con pinceladas amplias y fluidas, totalmente diferente de la pincelada normalmente meticulosa de Durero", como lo describió Erwin Panofsky . [12] Christof Metzger, conservador jefe de la Colección Gráfica de la Albertina de Viena, afirmó que el panel ni siquiera estaba terminado. Ambos pares de manos en el centro muestran aún los contornos y los sombreados del dibujo subyacente y apenas están coloreados. Las dos cabezas del fondo, la de la esquina superior derecha y la que mira hacia fuera del cuadro, parecen inacabadas. [13] Las copias del panel en Alemania de alrededor de 1600 sirven como evidencia de que la imagen era conocida al norte de los Alpes, por lo que Durero podría haber llevado la pintura consigo a Nuremberg. [14]
La paleta de colores es bastante limitada, esencialmente dos tonos verdes para los mantos de Jesús y dos de los eruditos, y una gama de tonos marrones, desde los rostros oscurecidos en el fondo en sombras, las tapas de los libros y el manto rojo del doctor de la derecha, el gorro amarillento de la figura de la izquierda, hasta los colores de piel más claros y los tonos blancos rotos del pelo, el papel y la camisa que sobresale en la muñeca en la esquina inferior izquierda y en la mano derecha del doctor de perfil; su gorro finalmente es la parte brillante más grande de la composición. La gama de colores es expresivamente restringida en comparación con su interpretación en el retablo de los Siete Dolores o el esplendor de la Fiesta del Rosario y la rica concepción del color del arte renacentista italiano. [15]
Como era habitual, Durero firmaba sus obras con su monograma y una fecha, que aparecían sobre un objeto dentro del decorado, como una pequeña placa ( cartellino ) o un trozo de papel, un recurso verista para invitar al espectador a entrar en el espacio del cuadro y, por tanto, en el drama representado, en lugar de limitarse a firmar una composición esencialmente bidimensional de pinceladas sobre la superficie de un trozo de madera. La inscripción de Jesús entre los doctores está escrita en un marcapáginas que sobresale del folio en la parte inferior del cuadro, a la izquierda. Dice: 1506/AD/Opus quinque dierum , "hecho en cinco días".
Realizó la pintura en este tiempo, en verdad bastante corto para terminar una pintura al óleo, de modo que valió la pena la inscripción, probablemente debido al hecho de que tuvo que trabajar de manera prominente en la Fiesta del Rosario , encargada por la comunidad alemana en Venecia que residía en el Fondaco dei Tedeschi para su iglesia (lo que le trajo una fama inmediata que también se extendió hasta Núremberg). Y con la Virgen con el Jilguero y varios retratos encargados había mucho trabajo por hacer. Pero la inscripción no puede haber tenido en cuenta el tiempo de la concepción, ni los estudios preparatorios ni el dibujo subyacente. [16] Los "cinco días" pueden ser también una alusión irónica a los "cinco meses" que necesitó para terminar el retablo del Rosario, como escribió en su inscripción. [17]
La comparación de las dos pinturas revela dos tipos de trabajo, realizados en diferentes "modos de creación": el retablo, sin duda más logrado, fue planeado y ejecutado meticulosamente, mientras que el otro fue realizado rápidamente siguiendo una inspiración instantánea, como un golpe de genio . Durero expresó mucho más tarde esta idea "inaudita", [18] como escribió en un "discurso extraño" ( seltsame Red ) incluso para él, de que un artista puede esbozar algo en un día, que otro no logrará en un año, estableciendo así una nueva evaluación "puramente artística" de una obra de arte, en lugar del material necesario y la cantidad de tiempo empleado. A diferencia de Alberti , cuyos escritos estudió, Durero se dio cuenta de la "diferencia fundamental entre el valor estético del objeto representado en una obra de arte y el valor estético de la obra de arte en sí" (Panofsky), en el que algo feo podía ser representado bellamente por una mano hábil. "Y este don es milagroso" ( Und diese Gab ist wunderlich ), dijo Durero. [19] Ya desde muy joven era consciente de su excepcional talento y seguramente esa sea la principal motivación detrás de su monograma característico, además de sus preocupaciones por los derechos de autor relacionados con su obra impresa. Sin embargo, incluso firmó con él sus dibujos preparatorios, lo que de otro modo habría sido innecesario.
Los personajes ocupan todo el panel, sumergidos en un fondo oscuro que intensifica la atmósfera tensa. Especialmente si se compara con sus anteriores interpretaciones de la escena, con sus composiciones espaciosas y su concepción tradicional, se hace evidente la puesta en escena casi "pesadilla" (Panofsky). Aquí, el joven Jesús se ve asediado por seis filósofos que lo rodean, dispuestos en al menos cuatro planos diferentes, cada uno con diferente textura de piel, pose y expresión, como si se tratara de estudios de personajes. Contrastan marcadamente con la apariencia completamente suave y contenida del niño inocente. Incluso su aureola no se muestra como un disco dorado, sino que de su cabeza emanan delicadas líneas doradas en forma de cruz facetada, como si estuviera iluminado por la luz divina. Así, se mantiene firme en el eje central del cuadro, reflexionando sobre sus argumentos y contándolos con los dedos, mientras los doctores tienen en sus manos los libros listos para citarlos.
Cada uno de los doctores reacciona de manera diferente a las palabras de Jesús. El de la parte superior izquierda está representado con la cabeza sobre los ojos, literalmente ciego a los nuevos pensamientos, obstinadamente enterrado en la escritura. El hombre de la parte inferior izquierda con un cartucho en la boina, representación habitual de los fariseos , [20] por el contrario ha cerrado su libro y comienza a prestar atención tratando de sondear los argumentos del Niño. El más anciano de los filósofos, visto de perfil a la derecha junto a Jesús, refuta sus pensamientos e incluso se pone físico con sus imponentes manos que interrumpen el gesto argumentativo del Niño. Estos dos pares de manos forman una especie de adorno en el centro del cuadro (de hecho, ligeramente desviado), resumiendo el tema del panel de una manera abstracta. [21] Las manos gesticulantes eran un motivo italiano característico para la representación de eruditos y maestros. [22]
La cabeza del "viejo erudito malvado" que se muestra de perfil "difícilmente puede imaginarse sin algún conocimiento" de los dibujos caricaturescos de Leonardo da Vinci . Por la forma en que mostró la discusión y la representación contrastante de "extrema belleza y extrema fealdad", Durero bien pudo haber seguido las instrucciones de Leonardo en su Trattato della Pintura . [23] De hecho, el tratado era conocido en Venecia, y probablemente también por Durero. Y aunque Leonardo estaba en Milán en ese momento, Durero fue a Florencia por un corto período y probablemente visitó el taller de Leonardo, donde sus aprendices todavía estaban ocupados, por lo que pudo haber visto su trabajo. [24]
La exhibición de lo grotesco se vio por todas partes en la cultura medieval del norte, desde las gárgolas y los capiteles de las grandes catedrales hasta los tableaux vivants , las obras de misterio al aire libre y el teatro cómico con sus actores aficionados haciendo muecas y distorsionando sus cuerpos, que inspiraron a los artistas a adoptarlos principalmente para miniaturas en textos iluminados. Pero no parecían tener necesariamente una inclinación moral, sino que eran una expresión vivaz de la variedad de la creación de Dios. [25] Esta tradición fue continuada por los contemporáneos de Durero, prominentemente por su colega Hieronymus Bosch o en las innumerables farsas de Hans Sachs . Y se sabe a través de sus cartas que Durero también podía ser vulgar. Bialostocki concluyó: "Al lograr algunos atisbos incidentales de las extrañas invenciones de Leonardo, los artistas del norte vieron en ellas solo lo que deseaban ver: su propia tradición. Y esta tradición del norte es dominante en el repertorio fisonómico del cuadro de Durero [Lugano]". [26]
Durero mismo adoptó algunas ideas fundamentales de la estética renacentista italiana, pero tampoco orientó su obra hacia ella de lleno. Llegó a entender el arte como una ciencia, en particular gracias a Leonardo, pero su Jesús entre los doctores no tiene nada que ver con esto, y por eso a menudo se lo considera todavía " gótico ". [27] Durero expresa la bondad del Niño a través de su gratitud, pero rechaza el concepto italiano de belleza ideal derivado de la Antigüedad. Estaba convencido de que la belleza era múltiple y relativa al ojo individual, y que sólo Dios podía conocer la belleza absoluta. [28] En lugar de ello, enfatizó la inmaculada moral del joven Jesús con la yuxtaposición inmediata de lo viejo y lo feo. Y tal vez se sintió confirmado por Leonardo en este asunto.
La concepción de una composición con varias medias figuras (altura máxima) en un espacio oscuro neutro fue introducida por Andrea Mantegna, pero se remonta a los relieves de Donatello . [29] No hay añadidos como muebles o arquitectura que constituyan un espacio, sólo la ropa de las figuras y los accesorios sobre ellas o sostenidos en sus manos transmiten significado, pero el aspecto dramático del tema se muestra exclusivamente por la expresión facial, el gesto y la relación espacial entre las figuras.
Mantegna probablemente pintó La Presentación en el Templo alrededor de 1455, cuando se casó con la hermana de Giovanni Bellini , o con motivo del nacimiento de su primer hijo. Los protagonistas de la escena son María, el Niño Jesús, José (ligeramente subordinado en el centro) y Simeón, que está a punto de reconocer al Mesías. Las dos figuras añadidas a veces se consideran retratos del propio Mantegna y su esposa (ya que la mujer es demasiado joven para ser la Ana de 84 años de la historia, que propaga la noticia). Décadas más tarde, el cuñado de Mantegna pintó una versión de La Presentación en el Templo calcada del original. Ampliada con dos figuras más, a menudo se consideró de manera similar un retrato de la familia Bellini (incluido Mantegna). [30]
Mantegna murió en Mantua en 1506 y no hay fuentes que confirmen que Durero lo conociera personalmente, pero a través de Bellini se enteró de su obra. En 1494, Durero copió al menos dos grabados de Mantegna, La batalla de los dioses del mar y Bacanal con Sileno. [31]
Durero conoció a Bellini en su (disputada) primera estancia en Venecia a mediados de la década de 1490. Se respetaban mucho. Bellini le pidió a Durero que pintara una pieza para él, y se consideró que Durero tal vez le había regalado el Cristo entre los Doctores . [32] Durero escribió a su amigo humanista Willibald Pirckheimer en Núremberg que Bellini era "viejo, pero que todavía era el mejor" ( "Er ist sehr alt und ist noch, der best in Gemäl" ). Cuando Durero llegó a Venecia en el verano de 1505, se erigió el retablo de San Zaccaria de Bellini y seguramente fue un evento del que se habló no solo en los círculos de artistas. Durero le rindió homenaje incorporando la figura del ángel tocando el laúd sentado frente al trono de María en su Fiesta del Rosario . [33] La libre interpretación de la figura original de Bellini muestra cómo Durero solía responder de forma autónoma a las ideas inspiradoras de los demás. [34] (La cabeza del ángel la había preparado Durero con un estudio dibujado en la misma hoja de papel veneciano que la cabeza del joven Cristo, ahora separada.) [35]
Se dice que la media figura del extremo derecho de Cristo entre los doctores es quizás una cita de Giovanni Bellini , pero es más probable que la figura fuera copiada de una pintura de Mantegna. En su Adoración de los Magos de alrededor de 1500, concebida también como una sacra conversazione que llena la imagen , la figura también está colocada en la esquina inferior derecha. Durero utilizó esta figura varias veces; en la Fiesta del Rosario en la que también estaba trabajando en ese momento, la cabeza aparece algo escondida en el extremo izquierdo del panel.
En los dos paneles de la Presentación de Mantegna y Bellini, todos los personajes y el espectador están casi a la misma altura, mientras que Durero había inclinado el plano del suelo, lo que dio como resultado una vista en perspectiva desde arriba, aparentemente para ganar profundidad de espacio y rectificar la escena abarrotada. Pero la composición está "concebida de manera plana, y las relaciones espaciales entre las figuras están tan descuidadas que debemos interpretar esta falta de tridimensionalidad como intencional". [36] Quizás esto se debió al poco tiempo que dedicó a ello, o tal vez se propuso deliberadamente hacer una declaración de contraste con el sentido veneciano de calma y composición armónica, así como con su propia Fiesta del Rosario . Sin falta, enfatizó el drama a su manera nórdica. [37]
Se calcula que el cuadro de Cristo entre los doctores de Cima da Conegliano precedió al de Durero uno o dos años aproximadamente. Cima siguió la tradición local establecida por Mantegna y Bellini. Se conocen unas treinta copias y variaciones de su composición solamente. [38] Y la concepción con medias figuras sobre un fondo neutro se presta a otros episodios bíblicos y conversaciones sagradas producidas en el norte de Italia.
Cima sacó la escena de su contexto narrativo y creó una composición simbólica autónoma. El tema principal es el conocimiento divino a través de Cristo como Alfa y Omega . Dejó a María y José fuera del cuadro y concentró la imagen en el debate teológico, enfatizado por el motivo tradicional de las manos enumerando los puntos de los dedos ( computus digitalis ). El gesto está representado ligeramente descentrado hacia la derecha, la mano derecha alcanzando la izquierda, al igual que en la pintura de Durero. Pero aquí forma una diagonal con la cabeza de Cristo, que se repite en paralelo elegantemente a lo largo de toda la composición. Y los personajes, cuya diversidad se ilustra por sus ropas, forman un semicírculo alrededor del Niño Jesús, generando ya un espacio más profundo que los paneles de Mantegna y Bellini. Aún se pueden ver más similitudes con el panel de Durero en el lado izquierdo de la pintura de Cima, donde un erudito intenta interrumpir a Jesús tocándole el brazo, mientras que el médico en el extremo izquierdo parece haber entendido al niño y comienza a arrancar las páginas de su folio. Dado que la "composición clásica de Cima no pudo haber sido producida como un eco de la inquietud "gótica" de Durero", [39] parece más probable que Durero desarrollara su composición a partir de la de Cima, que al revés.
El tema de Jesús entre los doctores se hizo popular en Italia en el siglo XVI. En 1504 Isabella d'Este encargó a Leonardo que pintara al Niño Jesús, pero no se consiguió nada. Se supuso que la pintura posterior de Bernardino Luini se inspiró en una supuesta composición perdida de Leonardo o incluso la copió. Pero se rechaza esta dependencia y se descarta la obra perdida de Leonardo, a pesar de cierta semejanza, en particular del niño Jesús, con el estilo de Leonardo. [40] Aparte de eso, la obra de Luni parece más una imagen devocional de un modo tradicional. Cristo se encuentra en primer plano, se enfrenta al espectador y se dirige a él, dejando a los doctores detrás de él simplemente como personal , y el conflicto se silencia. [41]
,_Albertina_3106.jpg/1280px-D%C3%BCrer_-_Kopf_des_Jesusknaben_(Detail_aus_Christus_unter_den_Schriftgelehrten),_Albertina_3106.jpg)
![Dos pares de manos, 15,7 × 13,7 cm, Germanisches Nationalmuseum (Hz5481), reproducción en blanco y negro[10]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/cb/D%C3%BCrer,_Albrecht_-_Zwei_Paar_H%C3%A4nde_mit_Buch_-_1506.jpg/1280px-D%C3%BCrer,_Albrecht_-_Zwei_Paar_H%C3%A4nde_mit_Buch_-_1506.jpg)
_-_Adoration_of_the_Magi_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Andrea_Mantegna_(Italian_(Paduan)_-_Adoration_of_the_Magi_-_Google_Art_Project.jpg)