Una galería de arte es una sala o un edificio en el que se exhibe arte visual . En las culturas occidentales de mediados del siglo XV, una galería era cualquier pasaje cubierto, largo y estrecho a lo largo de una pared, utilizado por primera vez en el sentido de un lugar para el arte en la década de 1590. [1] La larga galería en las casas isabelinas y jacobeas sirvió para muchos propósitos, incluida la exhibición de arte. Históricamente, el arte se muestra como evidencia de estatus y riqueza, y el arte religioso como objetos de ritual o la representación de narrativas. Las primeras galerías se encontraban en los palacios de la aristocracia o en las iglesias. A medida que crecieron las colecciones de arte, los edificios se dedicaron al arte y se convirtieron en los primeros museos de arte.
Entre las razones modernas por las que se puede exhibir el arte se encuentran el disfrute estético , la educación , la preservación histórica o con fines de marketing . El término se utiliza para referirse a establecimientos con distintas funciones sociales y económicas, tanto públicas como privadas. Las instituciones que conservan una colección permanente pueden denominarse "galería de arte" o "museo de arte". En este último caso, las salas donde se exhibe arte dentro del edificio del museo se denominan galerías. Las galerías de arte que no mantienen una colección son empresas comerciales para la venta de obras de arte o espacios similares operados por cooperativas de arte u organizaciones sin fines de lucro . Como parte del mundo del arte , las galerías de arte desempeñan un papel importante en el mantenimiento de la red de conexiones entre artistas, coleccionistas y expertos en arte que definen las bellas artes .
Los términos "museo de arte" y "galería de arte" pueden usarse indistintamente como se refleja en los nombres de instituciones de todo el mundo, algunas de las cuales se llaman galerías (por ejemplo, la Galería Nacional y la Neue Nationalgalerie ), y otras se llaman museos ( por ejemplo, el Museo de Arte Moderno y el Museo Nacional de Arte Occidental ). Sin embargo, los establecimientos que exhiben arte para otros fines, pero que no cumplen funciones de museo , solo se denominan galerías de arte.
La función distintiva de un museo es la preservación de artefactos con valor cultural, histórico y estético mediante el mantenimiento de una colección de objetos valiosos. Los museos de arte también funcionan como galerías que exhiben obras de la propia colección del museo o prestadas de las colecciones de otros museos. Los museos pueden ser de propiedad pública o privada y pueden ser accesibles para todos o tener restricciones de acceso. Aunque se ocupan principalmente de las artes visuales , los museos de arte se utilizan a menudo como lugar para otros intercambios culturales y actividades artísticas donde el objeto de arte es reemplazado por prácticas como artes escénicas , danza, conciertos de música o lecturas de poesía .
El mundo del arte comprende a todos los involucrados en la producción y distribución de bellas artes. [2] : xxiv El mercado de las bellas artes depende de mantener su distinción como alta cultura , aunque durante las últimas décadas la frontera entre la alta cultura y la popular ha sido erosionada por el posmodernismo . [3]
En el caso de obras históricas o de viejos maestros , esta distinción se mantiene según la procedencia de la obra ; prueba de su origen e historia. [4]
Para trabajos más recientes, el estatus se basa en la reputación del artista. La reputación incluye ambos factores estéticos; asistencia a escuelas de arte, pertenencia a un movimiento estilístico o histórico, opiniones de historiadores y críticos de arte; y factores económicos; inclusión en exposiciones colectivas e individuales y éxito pasado en el mercado del arte. Los marchantes de arte, a través de sus galerías, han ocupado un papel central en el mundo del arte al reunir muchos de estos factores; como "descubrir" nuevos artistas, promover sus asociaciones en exposiciones colectivas y gestionar la valoración de mercado. [5]
Las exposiciones de arte que funcionan de manera similar a las galerías actuales para comercializar arte aparecieron por primera vez a principios del período moderno , aproximadamente entre 1500 y 1800 d.C. En la Edad Media anterior, los pintores y escultores eran miembros de gremios que buscaban encargos para producir obras de arte para mecenas aristocráticos o iglesias. El establecimiento de academias de arte en el siglo XVI representó esfuerzos de pintores y escultores para elevar su estatus desde meros artesanos que trabajaban con sus manos al de las artes clásicas como la poesía y la música, que son actividades puramente intelectuales. Sin embargo, la exhibición pública de arte tuvo que superar el prejuicio contra la actividad comercial, que en muchas sociedades europeas se consideraba inferior a la dignidad de los artistas. [6]
Las galerías de arte comerciales estaban bien establecidas en la época victoriana , lo que fue posible gracias al creciente número de personas que buscaban poseer objetos de valor cultural y estético. [7] A finales del siglo XIX y principios del XX también se produjeron los primeros indicios de valores modernos en relación con el arte; el arte como inversión frente a la estética pura, y la mayor atención a los artistas vivos como una oportunidad para dicha inversión. [8]
Las galerías comerciales propiedad de un marchante de arte o "galerista" o "galeristas" [9] ocupan el nivel medio del mercado del arte y representan la mayoría de las transacciones, aunque no aquellas con los valores monetarios más altos. Las galerías de arte, que alguna vez estuvieron limitadas a los principales mundos del arte urbano como Nueva York, París y Londres, se han vuelto globales. Otra tendencia de la globalización es que, aunque mantienen sus establecimientos urbanos, las galerías también participan en ferias de arte como Art Basel y Frieze Art Fair . [3]
Las galerías de arte son la conexión principal entre artistas y coleccionistas . En el extremo superior del mercado, un puñado de casas de subastas y marchantes de élite venden el trabajo de artistas famosos; en el nivel más bajo, los artistas venden su trabajo desde su estudio o en lugares informales como restaurantes. Las galerías de punto de venta conectan a artistas con compradores organizando exposiciones e inauguraciones. Las obras de arte están en consignación y el artista y la galería se dividen las ganancias de cada venta. Dependiendo de la experiencia del propietario y del personal de la galería, y del mercado particular, la obra de arte mostrada puede ser más innovadora o más tradicional en estilo y medios. [10]
Las galerías pueden operar en el mercado primario de obras nuevas de artistas vivos, o en los mercados secundarios de obras de períodos anteriores propiedad de coleccionistas, propiedades o museos. Los períodos representados incluyen los viejos maestros , el moderno (1900-1950) y el contemporáneo (1950-presente). Lo moderno y lo contemporáneo pueden combinarse en la categoría de Arte de posguerra ; mientras que lo contemporáneo puede limitarse al siglo XXI o a los "artistas emergentes". [11]
Leo Castelli estableció un modelo duradero para las galerías contemporáneas . En lugar de ser simplemente un intermediario de ventas, Castelli se involucró activamente en el descubrimiento y desarrollo de nuevos artistas, esperando seguir siendo un agente exclusivo para su trabajo. Sin embargo, también se centró exclusivamente en obras nuevas, sin participar en la reventa de obras más antiguas de los mismos artistas. [12]
Todas las ventas de arte posteriores a la primera forman parte del mercado secundario, en el que no participan el artista ni el marchante original. Muchas de estas ventas se realizan de forma privada entre coleccionistas o las obras se venden en subastas. Sin embargo, algunas galerías participan en el mercado secundario dependiendo de las condiciones del mercado. Como ocurre con cualquier mercado, las principales condiciones son la oferta y la demanda. Como el arte es un bien único, el artista tiene el monopolio de la producción, que cesa cuando el artista muere o deja de trabajar. [13]
Algunas empresas operan como galerías de vanidad y cobran a los artistas una tarifa por exhibir su trabajo. Al carecer de un proceso de selección para garantizar la calidad de las obras de arte y al tener pocos incentivos para promover las ventas, se evitan las galerías de vanidad por considerarlas poco profesionales. [14]
Algunas organizaciones sin fines de lucro o gobiernos locales albergan galerías de arte para el enriquecimiento cultural y para apoyar a los artistas locales. Las organizaciones sin fines de lucro pueden comenzar como espacios de exhibición para colectivos de artistas y expandirse hasta convertirse en programas artísticos completos. Otras organizaciones sin fines de lucro incluyen las artes como parte de otras misiones, como brindar servicios a vecindarios de bajos ingresos. [15]
Históricamente, las actividades del mundo del arte se han beneficiado de la agrupación en ciudades [3] o en áreas remotas que ofrecen belleza natural.
La proximidad de las galerías de arte facilitó una tradición informal de inauguraciones de exposiciones de arte la misma noche, que se han coordinado oficialmente como " eventos del primer viernes " en varios lugares.
Las galerías que venden obras de artistas reconocidos pueden ocupar espacio en áreas comerciales establecidas de una ciudad. Históricamente, los nuevos estilos artísticos se han sentido atraídos por los bajos alquileres de los barrios marginales. Ya en 1850 existía una colonia de artistas en Greenwich Village , y las viviendas construidas alrededor de Washington Square Park para albergar a inmigrantes después de la Guerra Civil también atrajeron a artistas jóvenes y galerías de arte de vanguardia . [16] La gentrificación resultante impulsó a artistas y galerías a mudarse al vecindario adyacente "al sur de Houston" ( SoHo ), que a su vez se aburguesó. [17]
Al intentar recrear este proceso natural, los gobiernos locales han creado intencionalmente distritos artísticos en asociación con desarrolladores privados como una estrategia para revitalizar los vecindarios. Estos desarrollos suelen incluir espacios para que los artistas vivan y trabajen, así como galerías. [18]
Una práctica contemporánea ha sido el uso de espacios comerciales vacíos para exposiciones de arte que duran desde un solo día hasta un mes. Ahora llamadas "galerías emergentes", [19] un precursor fue Artomatic que tuvo su primer evento en 1999 y ha ocurrido periódicamente hasta el presente, principalmente en el área metropolitana de Washington .