La frase sinestesia en el arte se ha referido históricamente a una amplia variedad de experimentos de artistas que han explorado la cooperación de los sentidos (por ejemplo, ver y oír; la palabra sinestesia proviene del griego antiguo σύν (syn), "juntos" y αἴσθησις (aisthēsis), "sensación") en los géneros de música visual , visualización musical , arte audiovisual , cine abstracto e intermedia (Campen 2007, Jewanski & Sidler 2006, Moritz 2003, 1999, Berman 1999, Maur 1999, Gage 1994, 1999). Las antiguas visiones artísticas sobre la sinestesia tienen algunas coincidencias con la visión neurocientífica actual sobre la sinestesia neurológica , pero también algunas diferencias importantes, por ejemplo, en los contextos de las investigaciones, los tipos de sinestesia seleccionados y las definiciones. Mientras que en los estudios neurocientíficos la sinestesia se define como la obtención de experiencias perceptivas en ausencia de una estimulación sensorial normal, en las artes el concepto de sinestesia se define más a menudo como la percepción simultánea de dos o más estímulos como una experiencia gestáltica (Campen 2009). . Por tanto, el uso del término sinestesia en el arte debe diferenciarse de la sinestesia neurológica en la investigación científica. La sinestesia no es exclusiva de los artistas o músicos. Sólo en las últimas décadas se han puesto a disposición métodos científicos para evaluar la sinestesia en las personas. Para la sinestesia en artistas anteriores a esa época hay que interpretar información (auto)biográfica. Por ejemplo, ha habido un debate sobre la sinestesia neurológica de artistas históricos como Kandinsky y Scriabin (cf. Jewanski y Sidler 2006, Ione 2004, Dann 1999, Galeyev 2001). Además, el arte sinestésico puede referirse al arte creado por sinestésicos o al arte creado para provocar una experiencia sinestésica en la audiencia general.
Cuando se habla de sinestesia en el arte, es necesario hacer una distinción entre dos posibles significados:
Estas distinciones no son mutuamente excluyentes, ya que, por ejemplo, el arte de un sinestésico también podría evocar experiencias similares a la sinestesia en el espectador. Sin embargo, no se debe suponer que todo el arte "sinestésico" refleja fielmente la experiencia sinestésica. Para obtener más información sobre artistas que eran sinestésicos o que intentaron crear mapeos similares a la sinestesia en su arte, consulte la lista de personas con sinestesia .
Varios artistas visuales contemporáneos han discutido extensamente su proceso artístico y cómo la sinestesia los ayuda en esto. [1]
Linda Anderson , considerada según NPR "una de las pintoras más destacadas de la memoria viva", crea con crayones al óleo sobre papel de lija de grano fino representaciones de la sinestesia auditivo-visual que experimenta durante ataques severos de migraña. [2] [3]
Carol Steen experimenta múltiples formas de sinestesia, incluyendo grafema → sinestesia de color, música → sinestesia de color y tacto → sinestesia de color. Ella utiliza con mayor frecuencia su música → sinestesia de color y tacto → sinestesia de color en la creación de sus obras de arte, lo que a menudo implica intentar capturar, seleccionar y transmitir sus experiencias sinestésicas en sus pinturas. Steen describe cómo su experiencia sinestésica durante una sesión de acupuntura la llevó a la creación del cuadro Visión .
Un día, hace muchos años, estaba recibiendo un tratamiento de acupuntura y estaba acostada boca arriba, en un futón, llena de agujas. Tenía los ojos cerrados y observaba atentamente, como siempre lo hago, esperando ver algo mágico, lo cual no siempre ocurre. A veces lo que veo simplemente no es interesante ni hermoso. Tumbado allí, observé el fondo negro, suave y ondulado que siempre veo cuando cierro los ojos, atravesado por un color rojo brillante que comenzó a formarse en medio de la rica negrura aterciopelada. El rojo comenzó como un pequeño punto de color intenso y creció bastante rápidamente, ahuyentando gran parte de la oscuridad. Vi aparecer formas verdes en medio del color rojo y moverse alrededor de los campos rojo y negro. Esta es la primera visión que pinté exactamente como la vi...
— La artista Carol Steen, recordando la experiencia que llevó a la creación de Vision . [1]
En lugar de intentar crear representaciones de lo que experimenta, la "reflexionista" Marcia Smilack utiliza su experiencia sinestésica para guiarla hacia la creación de imágenes que le resulten estéticamente agradables y atractivas. Smilack toma fotografías de objetos reflejados, principalmente usando la superficie del agua, y dice sobre su estilo fotográfico:
Aprendí a tomar fotografías disparando cada vez que experimento una reacción sinestésica a lo que veo: si experimento una sensación de textura, movimiento o sabor, tomo la fotografía. Si el reflejo provoca el sonido del violonchelo, tomo la fotografía. Fotografío reflejos sobre el agua en movimiento. Funciona así: observo la superficie del mar hasta que experimento una de mis respuestas sinestésicas. Cuando lo hago, confío en que será una señal confiable que me indique que es el momento adecuado para tomar la fotografía, así que aprieto el obturador. Dentro del proceso creativo, pienso en mis respuestas sinestésicas como mensajeros vitales que llegan más rápido de lo que se piensa para entregar un mensaje urgente al que siempre presto atención: la belleza está al acecho.
— La reflexionista Marcia Smilack sobre su técnica fotográfica [4]
Anne Salz, música y artista visual holandesa, percibe la música en patrones de colores. Ella describe su pintura inspirada en el Concierto para cuatro violines de Vivaldi :
La pintura representa la apertura del concierto para cuatro violines. Escucho la música mientras pinto. Primero, la música me da un sentimiento optimista, feliz y percibo los colores rojo, amarillo y naranja en una gran variedad y con poco contraste. Parece un campo de estos colores. Percibo el campo de color como un acorde musical. Puedes compararlo con los colores de una manta o funda hecha de hojas de otoño.
Ella explica que la pintura no es una copia de lo que escucha; más bien, cuando escucha música, percibe texturas más coloridas de las que normalmente percibe y es capaz de representarlas en la pintura. También expresa el movimiento de la música, ya que su energía influye en la composición pictórica. Ella explica cómo percibe la pintura:
Los animados movimientos de la música se convierten en una corriente de brillantes tonos naranjas. La estructura negra aporta cadencia y revela su significado y carácter. Es una base indispensable para los colores en movimiento. El cuadro vuelve a evocar mis sentimientos cuando vuelvo a escuchar la música. Escucho las melodías en mi mente cuando lo miro. [5]
Anne Patterson, una artista radicada en Nueva York con experiencia en diseño de escenografía teatral, describe la génesis de su instalación de 20 millas de cintas de seda suspendidas de los arcos del techo abovedado de la Catedral Grace de San Francisco , que se inspiró en una interpretación de violonchelo de Bach. :
Cuando escucho música, veo colores y formas, ya sean angulares o circulares, y tengo una idea de si la pieza es horizontal o vertical. La pieza de Joshua era toda azul y verde. [6]
Brandy Gale, pintora y fotógrafa canadiense radicada en Santa Cruz, California, "experimenta una unión o cruce involuntario de cualquiera de sus sentidos: oído, visión, gusto, tacto, olfato y movimiento. Gale pinta a partir de la vida en lugar de fotografías y explorando el panorama sensorial de cada lugar intenta capturar, seleccionar y transmitir estas experiencias personales." [7]
Al crecer con este don, pensé que todos lo tenían. Pero resulta que no es tan común, y fue necesario que el psicólogo de la escuela descubriera por qué la letra "A" siempre me resultaba amarilla, o el pasto recién cortado de camino a la escuela activaba una melodía en mi cabeza, o por qué ciertas formas tenían personalidades y olores. Artista, Brandy Gale [8]
Además de su trabajo de campo, Gale también pinta en vivo, a veces realizando su experiencia pictórica en vivo ante una audiencia con acompañamiento musical, como lo hizo en la Conferencia EG de 2013 en Monterey, CA. con el violonchelista Philip Sheppard, [9] en el Oakland Garden of Memory en junio de 2014 con su esposo, el guitarrista y compositor Henry Kaiser , [10] y con Kaiser y la guitarrista Ava Mendoza en The Stone en Nueva York. [11] La exposición individual de Gale de 2014 Sinestesia costera: pinturas y fotografías de Hawaii, Fiji y California se llevó a cabo en Gualala Arts Gallery, Gualala, CA. [12]
Hay poder, alegría y desafío físico en pintar al aire libre alla prima , especialmente para una sinestésica de espectro completo como Brandy [Gale], cuyas visiones de sus cinco sentidos totalmente cruzados se transmiten a los demás a través de la intensidad policromática de su trabajo al aire libre . [13]
Quizás la obra más famosa que se podría pensar que evoca experiencias similares a la sinestesia en una audiencia no sinestésica es la película de Disney de 1940 Fantasía , aunque se desconoce si esto fue intencional o no. Otro ejemplo clásico es el uso del órgano de color que proyecta luces de colores junto con las notas musicales, para crear una experiencia sinestésica en la audiencia (Campen 2007, Jewanski & Sidler 2006).
Wassily Kandinsky, que trabajó en la década de 1920, puede no haber sido sinestésico, a pesar de su fama por su obra de arte sinestésica. Muchas de sus pinturas y piezas escénicas se basaron en un sistema establecido de correspondencias entre colores y timbres de instrumentos musicales específicos. El propio Kandinsky, sin embargo, afirmó que sus correspondencias entre colores y timbres musicales no tienen una base "científica", sino que se basan en una combinación de sus propios sentimientos personales, los prejuicios culturales predominantes actualmente y el misticismo (Kandinsky 1994 ; Dann 1998; Riccò 1999, págs. 138-142 Jewanski y Sidler 2006, Campen 2007).
El interés por la sinestesia es al menos tan antiguo como la filosofía griega. Una de las preguntas que se hicieron los filósofos clásicos fue si el color (croia, lo que ahora llamamos timbre) de la música era una cualidad física que podía cuantificarse (Campen 2007, Gage 1994, Ferwerda & Struycken 2001, Jewanski 1999). El primer experimento conocido para comprobar las correspondencias entre sonido y color fue realizado por el artista milanés Giuseppe Arcimboldo a finales del siglo XVI. Consultó con un músico de la corte de Rodolfo II en Praga para crear un nuevo experimento que buscaba mostrar los colores que acompañan a la música. Decidió colocar tiras de papel pintado de diferentes colores sobre el gravicembalo, un instrumento de teclado (Gage, 1994). También fue un artista que creó extraños retratos a partir de objetos inusuales, como Four Seasons in One Head . El problema de encontrar un sistema matemático para explicar la conexión entre la música y el color ha inspirado y frustrado a artistas y científicos a lo largo de los siglos. El físico del siglo XVII Isaac Newton intentó resolver el problema suponiendo que los tonos musicales y los tonos de color tienen frecuencias en común. Intentó vincular las oscilaciones del sonido con las respectivas ondas de luz. Según Newton, la distribución de la luz blanca en un espectro de colores es análoga a la distribución musical de los tonos en una octava. Entonces, identificó siete entidades de luz discretas, que luego comparó con las siete notas discretas de una octava (Campen 2007, Peacock 1988).
Inspirándose en la teoría de Newton sobre las correspondencias música-color, el jesuita francés Louis-Bertrand Castel diseñó un clavecín de color (clavecin oculaire) con tiras de papel de colores que se elevaban por encima de la cubierta del clavecín cada vez que se pulsaba una tecla en particular (Campen 2007, Franssen 1991 ). Maestros de renombre como Telemann y Rameau participaron activamente en el desarrollo de un clavecins oculaire. La invención de la luz de gas en el siglo XIX creó nuevas posibilidades técnicas para el órgano cromático. En Inglaterra, entre 1869 y 1873, el inventor Frederick Kastner desarrolló un órgano al que llamó Pirófono. El inventor británico Alexander Rimington, profesor de bellas artes en Londres, documentó por primera vez la frase "órgano de color" en una solicitud de patente en 1893. Inspirado por la idea de Newton de que tanto la música como el color se basan en vibraciones, dividió el espectro de colores en intervalos análogos a las octavas musicales y colores atribuidos a las notas. Las mismas notas en una octava más alta produjeron el mismo tono de color pero luego en un valor más claro (Peacock 1988). A principios de siglo se ofrecían con bastante regularidad conciertos con luces e instrumentos musicales. Una vez superados la mayoría de los problemas técnicos, las cuestiones psicológicas relativas a los efectos de estas actuaciones pasaron a primer plano. El compositor ruso Alexander Scriabin estaba particularmente interesado en los efectos psicológicos que el público experimentaba cuando experimentaba sonido y color simultáneamente. Su teoría era que cuando se percibiera el color correcto con el sonido correcto, se crearía "un poderoso resonador psicológico para el oyente". Su obra sinestésica más famosa, que todavía se representa hoy en día, es Prometeo, poema de fuego. En la partitura de Prometeo, escribió junto a los instrumentos partes separadas para el tastiere per luce, el órgano de color (Campen 2007, Galeyev 2001, Gleich 1963).
En la segunda mitad del siglo XIX comenzó a aparecer una tradición de pinturas musicales que influyó en los pintores simbolistas (Campen 2007, Van Uitert 1978). En las primeras décadas del siglo XX, un grupo de artistas alemán llamado El Jinete Azul ( Der Blaue Reiter ) ejecutó experimentos sinestésicos que involucraban a un grupo compuesto de pintores, compositores, bailarines y productores de teatro. El grupo se centró en la unificación de las artes mediante "Obras de arte totales" ( Gesamtkunstwerk ) (Von Maur 2001, Hahl-Koch 1985, Ione 2004). La teoría de la sinestesia de Kandinsky , tal como la formuló en el folleto "Sobre lo espiritual en el arte" (1910), ayudó a sentar las bases para estos experimentos. Kandinsky no fue el único artista en ese momento interesado en la percepción sinestésica. Un estudio del arte de principios de siglo revela en la obra de casi todos los artistas progresistas o de vanguardia un interés por las correspondencias entre la música y las artes visuales. Los artistas modernos experimentaron con la percepción multisensorial, como la percepción simultánea del movimiento en la música y el cine (Von Maur 2001, Heyrman 2003).
Desde finales de la década de 1950, la música electrónica y el arte visual electrónico han coexistido en el mismo medio digital (Campen 2007, Collopy 2000, Jewanski & Sidler 2006, Moritz 2003). Desde entonces, la interacción de estos campos del arte ha aumentado enormemente. Hoy en día, los estudiantes de arte y música tienen a su disposición software digital que utiliza imágenes tanto musicales como visuales. Dada la capacidad de Internet para publicar y compartir producciones digitales, esto ha llevado a una enorme avalancha de arte inspirado en la sinestesia en Internet (Campen 2007) (cf. sitio web RhythmicLight.com sobre la historia de la música visual). Por ejemplo, Stephen Malinowski y Lisa Turetsky de Berkeley, California, escribieron un programa de software, titulado Music Animation Machine, que traduce y muestra piezas musicales en medidas de colores.
Con el conocimiento y los aparatos de prueba actuales, se puede determinar con mayor certeza si los artistas contemporáneos son sinestésicos. La evidencia científica en artistas a menudo es insuficiente para respaldar las afirmaciones de la sinestesia, y se justifica cautela al evaluar obras de arte basadas en tales afirmaciones. Al entrevistar a estos artistas, uno puede obtener una idea del proceso de pintar música (cf. Steen, Smilack, Salz). Algunos artistas contemporáneos son miembros activos de asociaciones de sinestesia en Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Italia, España, Bélgica y otros países (cf. Arte Citta) [1]. Dentro y fuera de estas asociaciones que albergan a científicos y artistas, el intercambio de ideas y colaboraciones entre artistas y científicos ha crecido rápidamente en las últimas décadas (cf. la bibliografía en línea de Leonardo Synesthesia in Art and Science) [2], y esto es sólo una Pequeña selección de trabajos sinestésicos en las artes. Cada año aparecen nuevos proyectos artísticos sobre la sinestesia. Por ejemplo, capturan sus percepciones sinestésicas en pintura, fotografías, trabajos textiles y esculturas. Además de estos materiales "clásicos" para hacer arte, se observa una producción aún mayor de obras inspiradas en la sinestesia en el campo del arte digital (Campen 2007).