La escuela Kanō (狩野派, Kanō-ha ) es una de las escuelas de pintura japonesa más famosas . La escuela de pintura Kanō fue el estilo de pintura dominante desde finales del siglo XV hasta el período Meiji que comenzó en 1868, [1] momento en el cual la escuela se había dividido en muchas ramas diferentes. La propia familia Kanō produjo una serie de artistas importantes a lo largo de varias generaciones, a los que se puede sumar un gran número de artistas no relacionados que se formaron en los talleres de la escuela. Algunos artistas se casaron con miembros de la familia y cambiaron sus nombres, y otros fueron adoptados. Según el historiador del arte japonés Robert Treat Paine, "otra familia que en línea directa produjera tantos hombres genios... sería difícil de encontrar". [2]
La escuela comenzó reflejando una influencia renovada de la pintura china , pero desarrolló un estilo de colores brillantes y contornos firmes para grandes paneles que decoraban los castillos de la nobleza que reflejaban tradiciones distintivamente japonesas, mientras continuaban produciendo pinturas monocromáticas con pincel en estilos chinos. Fue apoyado por el shogunato , representando efectivamente un estilo de arte oficial, que "en el siglo XVIII casi monopolizó la enseñanza de la pintura". [3] Se inspiró en la tradición china de la pintura literata realizada por eruditos-burócratas , pero los pintores Kanō eran artistas firmemente profesionales, muy generosamente pagados si tenían éxito, que recibieron una formación formal en el taller familiar, de manera similar a los pintores europeos. del Renacimiento o del Barroco. [4] Trabajaron principalmente para la nobleza, shōguns y emperadores, abarcando una amplia gama de estilos, temas y formatos. Inicialmente innovadores y en gran medida responsables de los nuevos tipos de pintura del período Azuchi-Momoyama (1573-1614), a partir del siglo XVII los artistas de la escuela se volvieron cada vez más conservadores y académicos en su enfoque.
La escuela fue fundada por el longevo Kanō Masanobu (1434-1530), hijo de Kagenobu, un samurái y pintor aficionado. [6] Masanobu fue contemporáneo de Sesshū (1420-1506), un líder del resurgimiento de la influencia china, que de hecho había visitado China a mitad de su carrera, alrededor de 1467. Sesshū pudo haber sido un estudiante de Shūbun , registrado desde aproximadamente 1414 (como aprendiz) y 1465, otra figura clave en el resurgimiento de las tradiciones idealistas chinas en la pintura japonesa. [7] Masanobu comenzó su carrera en el estilo de Shūbun, y se registran obras entre 1463 y 1493. Fue nombrado artista de la corte del gobierno de Muromachi , y sus obras evidentemente incluían pinturas de paisajes con aguada de tinta en un estilo chino, así como pinturas de figuras y pájaros y flores. Ciertamente, se conservan pocas obras de su mano; incluyen una gran pantalla con una grúa en un paisaje nevado en el Shinju-an , un subtemplo de Daitoku-ji . [8] Zhou Maoshu apreciando lotos al estilo chino de Masanobu en el Museo Nacional de Kyushu (ilustrado a la izquierda) es un Tesoro Nacional de Japón .
Masanobu entrenó a sus hijos Kanō Motonobu (1476-1559) y al joven Yukinobu (o Utanosuke). A Motonobu generalmente se le atribuye el mérito de establecer la técnica y el estilo distintivos de la escuela, o más bien diferentes estilos, que aportaron una línea más firme y contornos más fuertes a las pinturas utilizando las convenciones chinas. Se puso menos interés en los efectos sutiles de la recesión atmosférica que en los modelos chinos, y los elementos de la composición tienden a colocarse al frente del espacio pictórico, logrando a menudo efectos decorativos de una manera distintivamente japonesa. Motonobu se casó con la hija de Tosa Mitsunobu , el director de la escuela Tosa , que continuó el estilo clásico japonés yamato-e de temas principalmente narrativos y religiosos, y las pinturas de Kanō posteriormente también incluyeron temas japoneses más tradicionales típicos de esa escuela. [9]
La escuela jugó un papel decisivo en el desarrollo de nuevas formas de pintura para decorar los nuevos estilos de castillos de las nuevas familias de daimyōs (señores feudales) que surgieron en las luchas del período de guerra civil Azuchi-Momoyama que terminó con el establecimiento del shogunato Tokugawa. en 1603. Los nuevos señores habían llegado al poder gracias a sus habilidades militares y, en su mayoría, carecían de inmersión en las sofisticadas tradiciones de la cultura japonesa cultivadas durante mucho tiempo en los monasterios budistas y la corte imperial. Los estilos atrevidos y vigorosos que utilizaban colores brillantes sobre un fondo dorado (fondo en pan de oro o pintura) atrajeron el gusto de estos clientes y se aplicaron a grandes biombos plegables ( byōbu ) y juegos de puertas corredizas ( fusuma ). En las habitaciones más grandes, la mayoría de las paredes estaban pintadas, aunque interrumpidas por vigas de madera, y algunos diseños continuaban independientemente de ellas. Muchos ejemplos en castillos se han perdido por incendios, ya sean accidentales o provocados en la guerra, pero otros fueron pintados para monasterios o entregados desde castillos, que si sobrevivieron a los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial tendrían más posibilidades de sobrevivir.
Los temas comunes eran paisajes, a menudo como fondo para animales y dragones, o pájaros, árboles o flores, o composiciones con algunas figuras grandes, pero también se pintaban escenas panorámicas abarrotadas desde un punto de vista elevado. [10] Los animales y plantas mostrados a menudo tenían un significado moral o quizás político que no siempre es obvio hoy en día; [11] el pergamino lavado con tinta al estilo chino de Kanō Eitoku de Chao Fu y su Buey , ilustrado en la galería siguiente, ilustra una leyenda china y contiene una "moral confuciana [que] señala los peligros inherentes a la posición política", una Mensaje de gran actualidad para Japón en el período posterior a las devastadoras guerras civiles causadas por una ambición política manifiesta. [12]
Algunos de los ejemplos más famosos de decoración de castillos se pueden encontrar en el Castillo Nijō de Kioto . Se dice que en 1588 el señor de la guerra Toyotomi Hideyoshi montó una pasarela entre 100 biombos pintados como paso previo a una fiesta floral . [13] El hecho de que, a diferencia de los pergaminos, las puertas correderas por convención no estuvieran firmadas y los biombos sólo en raras ocasiones, complica considerablemente la tarea de atribuir obras a pintores que sabían pintar en varios estilos. [14] Al mismo tiempo, la escuela continuó pintando paisajes monocromáticos con tinta sobre seda para pergaminos colgantes según la tradición china, así como otros tipos de temas como retratos. Los tipos de pergaminos eran tanto verticales para colgar, con un respaldo generalmente de seda tejida gruesa, el formato tradicional chino que se convirtió en el más común en Japón en este período ( kakemono en japonés), como en formato de pergamino largo horizontal ( emakimono ) como utilizado para libros. Muchas mamparas y puertas también se pintaron en monocromo, especialmente para los monasterios, [15] y las volutas también se pintaron a todo color. Los pintores con tinta Kanō compusieron cuadros muy planos, pero equilibraron representaciones realistas impecablemente detalladas de animales y otros temas en primer plano con nubes abstractas, a menudo completamente en blanco, y otros elementos de fondo. El uso del espacio negativo para indicar distancia e implicar niebla, nubes, cielo o mar proviene de modos tradicionales chinos y los artistas Kanō lo utilizan maravillosamente. Se obtienen pinceladas atrevidas y, por tanto, imágenes atrevidas en lo que suele ser un medio muy sutil y suave. Estas pinturas monocromáticas en tinta pintadas por expertos contrastan con las formas casi llamativas pero no menos hermosas de oro sobre papel que estos artistas crearon para paredes y biombos.
Este biombo de ocho paneles atribuido a Eitoku, de alrededor de 1590, muestra el vigor del nuevo estilo del castillo de Momoyama, cuyo desarrollo probablemente sea el principal responsable de su desarrollo. Es un Tesoro Nacional de Japón en el Museo Nacional de Tokio , y Paine lo describe como "típico de la composición apresurada, del diseño de la naturaleza pura y de la fuerza de la pincelada individual... Las áreas doradas en forma de nubes que representan la niebla son colocados arbitrariamente en el fondo, y enfatizan la magnitud decorativa de lo que de otro modo sería el poderoso dibujo de formas de árboles gigantes". [dieciséis]
La pantalla es inusualmente grande y hay discontinuidades notables en la composición en los descansos entre (contando desde la izquierda) los paneles 2 y 3, 4 y 5, 6 y 7. Estos reflejan el formato original como un conjunto de cuatro puertas correderas, que De esto se deduce esto y de los huecos cubiertos para los tiradores de las puertas. [17] Las discontinuidades serían mucho menos obvias cuando la pantalla estuviera colocada en zig-zag, como habría sido el caso normalmente. La pantalla utiliza la convención de "nube flotante" del arte japonés Yamato-e mucho más antiguo , donde las áreas que el artista elige no representar están ocultas debajo de un color sólido (aquí dorado) que representa la niebla. Los diseños de este tipo, dominados por un único árbol macizo, se convirtieron en una composición común en la escuela, y ésta puede compararse con la pantalla similar de un ciruelo realizada por Sanretsu unas décadas después (ilustrada a continuación), que muestra una imagen más Versión sobria del primer estilo atrevido de Momoyama. [18]
Kanō Eitoku (1543-1590), nieto de Motonobu y probablemente su alumno, fue el pintor más importante de esta generación y se cree que fue el primero en utilizar un fondo de pan de oro en pinturas de gran tamaño. Parece haber sido la figura principal en el desarrollo del nuevo estilo del castillo, pero si bien su importancia es bastante clara, hay pocas, o ninguna, atribuciones ciertas a él, especialmente a su mano sola; en las obras más importantes que se le atribuyen probablemente trabajó junto con uno o más artistas de la escuela. [19] A pesar de tener dos hijos pintores, por sugerencia (si no por orden) de Toyotomi Hideyoshi , Eitoku adoptó a Kanō Sanraku (1561-1635), quien se casó con su hija y lo sucedió como director de la escuela. [20] Las mejores obras de Sanraku (dos ilustradas aquí) combinan la calidad contundente del trabajo de Momoyama con la descripción tranquila de la naturaleza y el uso más refinado del color típico del período Edo . [21] Cuando Sanraku no tuvo hijos, casó a Kanō Sansetsu (1589-1651) con su hija y lo adoptó. Sansetsu y su escuela permanecieron en Kioto cuando la mayoría de los artistas Kanō se mudaron a Edo (a menudo después de una convocatoria del shōgun ), y continuó adhiriéndose al estilo de colores brillantes del período Momoyama. Su hijo Einō pintó con el mismo estilo, pero es más conocido por una historia biográfica de la pintura japonesa, que le dio a la escuela Kanō un lugar de honor. [22]
La gama de formas, estilos y temas que se establecieron a principios del siglo XVII continuó desarrollándose y refinándose sin grandes innovaciones durante los dos siglos siguientes, y aunque la escuela Kanō fue la más exitosa en Japón, las distinciones entre su trabajo y otras escuelas tendieron a disminuir, ya que todas las escuelas trabajaban en una variedad de estilos y formatos, lo que hacía que la atribución de obras no firmadas a menudo fuera confusa. [23] La escuela Kanō se dividió en diferentes ramas en Kioto y la nueva capital de Edo, que tuvo tres durante gran parte de este período: Kajibashi, Nakabashi y Kobikicho, llamadas así por sus ubicaciones en Edo. [24]
El último de los "tres pinceles famosos" de la escuela, con Motonobu y Eitoku, fue Kanō Tan'yū (originalmente llamado Morinobu, 1602-1674), quien fue reconocido como un talento sobresaliente cuando era niño, asistiendo a una audiencia con el shōgun. a la edad de 10 años y recibió un buen nombramiento oficial en 1617. Era nieto de Eitoku a través de su segundo hijo, Kanō Takanobu (1572-1618), también un pintor importante; El hermano de Tan'yū, Yasunobu, fue adoptado en la línea principal de la familia. [25] Tan'yū dirigió la rama Kajibashi de la escuela en Edo y pintó en muchos castillos y el palacio imperial, en un estilo menos atrevido pero extremadamente elegante, que sin embargo tendía a volverse rígido y académico en manos de imitadores menos talentosos. . [26] Los mejores artistas Kanō continuaron trabajando principalmente para la nobleza, con versiones cada vez más embrutecidas del estilo y el tema ya establecidos, pero otros artistas formados en Kanō trabajaron para la nueva clase mercantil urbana y, a su debido tiempo, se trasladaron a la nueva forma de impresión ukiyo-e . Hiroshige se encuentra entre los artistas de ukiyo-e cuyo trabajo muestra influencia de la escuela Kanō. [27] A pesar de la pérdida del patrocinio oficial con el período Meiji, los artistas continuaron trabajando en el estilo Kanō hasta principios del siglo XX. Kanō Shōsen'in , que murió en 1880, era descendiente de la línea principal de la familia. Un seguidor tardío de la escuela fue Kanō Kazunobu (1816-1853), quien adoptó el nombre como señal de su respeto y pintó una serie de grandes pergaminos de los 500 Arhats que recientemente ha recibido un resurgimiento de la atención después de haber estado escondido desde Segunda Guerra Mundial. [28]
Varias pinturas de las escuelas que todavía se encuentran en Japón están incluidas en la Lista oficial de Tesoros Nacionales de Japón (pinturas) . Del período Azuchi-Momoyama del siglo XV proviene el pergamino colgante de estilo chino Zhou Maoshu Apreciando lotos de Kanō Masanobu (ilustrado arriba), [29] y una pantalla de seis secciones de Kanō Hideyori de Maple Viewers , un ejemplo temprano de Kanō de Yamato- El tema. [30] Del período Momoyama hay un conjunto de decoraciones de habitaciones en paredes, puertas y biombos realizadas por Kanō Eitoku y su padre Shōei, en el Jukō-in (alojamiento del abad) del monasterio Daitoku-ji en Kioto; esto incluye las puertas con pájaros y flores de las cuatro estaciones ilustradas aquí. También de Eitoku está la pantalla con un ciprés en el Museo Nacional de Tokio , [31] discutida e ilustrada arriba, y un par de pantallas de seis paneles que muestran vistas panorámicas abarrotadas de escenas dentro y alrededor de la capital en un museo en Yonezawa, Yamagata . [32] De Kanō Naganobu hay un par de biombos (menos dos secciones perdidas en un terremoto en 1923 ) que muestran figuras relativamente grandes haciendo alegría bajo las flores de aronia , también en el Museo Nacional de Tokio. Otros artistas con obras en la lista, por ejemplo Hasegawa Tōhaku (siglo XVI) y Maruyama Ōkyo (siglo XIX), fueron formados por la escuela o influenciados por ella. Muchas otras obras de la escuela han recibido la designación inferior de Bienes Culturales Importantes de Japón .
La siguiente lista es un grupo incompleto de figuras importantes de su época, en su mayoría de la propia familia Kanō; Hubo muchos otros artistas llamados Kanō que mantuvieron vínculos con los distintos talleres familiares, y aún más que se formaron en alguno de ellos antes de continuar su carrera de forma independiente:
La familia de pintores Kanō fue fundada por Kanō Masanobu (1434-1530). A través de su padre, Kanō Kagenobu, se dice que Masanobu es descendiente de Kanō Muneshige , un samurái del período Kamakura del clan Kanō. [33] [34] [35] A través de este linaje, la familia Kanō descendería del clan Fujiwara a través del clan Kudō. [36]
La siguiente lista es de miembros biológicos de la familia Kanō y sus ramas.
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