El vibrato de dedos es el vibrato producido en un instrumento de cuerda mediante movimientos cíclicos de la mano. A pesar del nombre, normalmente se mueve toda la mano y, a veces, todo el brazo superior. También puede referirse al vibrato de algunos instrumentos de viento de madera , que se logra bajando uno o más dedos sobre uno de los agujeros descubiertos de manera similar a un trino . Esto aplana la nota periódicamente y crea el vibrato.
Existen tres tipos de vibrato para violín: vibrato de dedos, de brazos y de muñecas. En el vibrato de dedos, el intérprete mueve más o menos solo los dedos y las articulaciones de los dedos. En el vibrato de muñecas, el intérprete mueve la muñeca hacia adelante y hacia atrás mientras mantiene el brazo en posición de reposo. En el vibrato de brazos, el intérprete abre y cierra el brazo. [1]
Además de utilizar diferentes movimientos corporales para crear vibrato, existen diferentes métodos en lo que respecta a los movimientos de vibrato hacia adelante o hacia atrás. El vibrato se puede lograr alterando el tono de la nota que se está tocando. Sin embargo, variar el tono es el aspecto más crucial del vibrato.
Esto se puede lograr alterando la nota a un tono más alto o más bajo. El movimiento del dedo, la muñeca o el brazo hacia adelante o hacia atrás determina principalmente el tono. En la práctica común, el vibrato del violín oscila en un tono o por debajo de él, aunque el efecto dramático puede permitir la oscilación por encima y por debajo de un tono. A lo largo del siglo XX, el vibrato de dedos se utilizó normalmente para tocar todos los miembros de la familia del violín a menos que se indique lo contrario. Hacia finales del siglo, tocar sin vibrato se convirtió en una técnica más aceptada en ciertos contextos. [ cita requerida ]
En su forma pura, el vibrato se consigue generalmente girando la muñeca rápidamente para doblar ligeramente la nota, pasando de un tono inicial a otro. La velocidad del vibrato suele tener un gran efecto en la forma en que se percibe la nota, ya que los vibratos más rápidos suelen añadir tensión y estrés, mientras que los vibratos más lentos producen un sonido más lírico. El vibrato más lento se puede utilizar para imitar un instrumento de arco que "hace crecer" una nota después de su inicio. Aunque este efecto se refiere al volumen en los instrumentos de arco, tener una variación de tono que siga la misma estructura de la variación de volumen en muchas situaciones puede tener el mismo efecto para los oyentes.
En la música contemporánea, los guitarristas clásicos también suelen utilizar el vibrato con los dedos en notas más largas para crear la impresión de un sustain más prolongado. Los bajistas de jazz también utilizan esta técnica para añadir profundidad al tono.
El vibrato axial se produce moviendo una cuerda parada (presionada) con la mano izquierda en una dirección paralela a su eje, lo que aumenta o reduce la tensión en la cuerda y, por lo tanto, altera el tono. Este tipo de vibrato lo utilizan normalmente los guitarristas clásicos (ver Técnica de guitarra clásica ), pero se puede realizar en cualquier tipo de guitarra y se utiliza con frecuencia en guitarras de cuerdas de acero y eléctricas. Cuando un guitarrista clásico ve el término vibrato escrito en una partitura, este es generalmente el primer efecto que le viene a la mente. [2]
El cambio de tono radial (también conocido como " flexión de cuerdas " o "bending") se produce moviendo la cuerda detenida (presionada) con la mano que presiona los trastes en una dirección perpendicular a su eje y paralela a los trastes. Este tipo de cambio de tono se asocia con el blues , el rock , el country y la música pop . [3] El efecto generalmente cambia el tono en un rango más amplio que el cambio de tono axial. Puede producir vibrato como una variación cíclica en el tono, un solo movimiento ascendente y descendente, o como un cambio de un tono a otro que luego se mantiene. Si las cuerdas y la acción de la guitarra son lo suficientemente ligeras, un intérprete puede doblar notas en un semitono o más, por lo que la flexión de cuerdas puede ser una forma de hacer una transición de portamento entre notas, y no solo como una decoración en una nota. Las flexiones de cuerdas son una de las pocas formas de lograr microtonalidad , especialmente notas azules , en la guitarra.
Para producir un bend, el guitarrista pone un dedo sobre la cuerda y luego, mientras presiona la cuerda hacia el diapasón, toca un tono y empuja o tira de la cuerda hacia un lado. Esto tiene el efecto de estirar la cuerda y, por lo tanto, hace que su tono sea más alto. Generalmente, un bend en las cuerdas más bajas (sexta a cuarta) las mueve hacia abajo verticalmente, como se ve desde el punto de vista del guitarrista, y un bend en las cuerdas más altas (tercera a primera) las mueve hacia arriba. La técnica también se puede utilizar con armónicos de pinza .
Un bend hacia atrás, invertido o de liberación implica presionar la cuerda contra el diapasón, tirando o empujándola hacia arriba para estirarla primero, y luego golpear la cuerda y relajarla a la posición normal. Esto hace que la nota se vuelva plana, la dirección inversa del bend recto.
A veces, un guitarrista dobla una nota en una cuerda determinada hacia arriba, mientras toca la nota a la que se dobla la cuerda en otra cuerda, creando un "bend al unísono". [4]
Los bends de uno o dos semitonos son los más comunes, pero los guitarristas expertos pueden usar bends de tres semitonos hasta cinco o más, [3] como se puede escuchar en el solo tocado por David Gilmour en la canción " Another Brick In the Wall Pt.2" del álbum The Wall de Pink Floyd . Además de la fuerza de los dedos del guitarrista, el rango de un pitch bend está limitado en cierta medida por el tipo de guitarra, el calibre y el material de las cuerdas, la longitud de la escala y el área del mástil donde se tocan los bends. Por ejemplo, las cuerdas de acero se doblan más en tono que las de nailon, las cuerdas delgadas más que las gruesas, los bends en el medio del mástil pueden ir más lejos que los bends cerca de la cejuela, etc. Los guitarristas también pueden usar una afinación más baja para dar algo de holgura a las cuerdas y lograr más bends.
En el blues , la nota objetivo puede ser ligeramente más alta o más baja que un semitono o un tono entero . Puede ser un cuarto de tono o incluso una altura no presente en una escala temperada , siendo en su lugar una tercera o séptima natural (o cercana a ella). Estas también pueden ser las llamadas notas azules . Las notas azules son notas que están fuera de la tonalidad de la canción , y a menudo incluso entre notas de la escala cromática . Una nota azul común es un cuarto de tono entre la tercera menor y la tercera mayor de una escala pentatónica mayor . El músico puede variar la altura exacta.
Al presionar la cuerda entre la cejuela y el clavijero (llave de afinación), el tono cambia. Algunos ejemplos incluyen el solo sin acompañamiento de Jimmy Page en "Heartbreaker" de Led Zeppelin . [5]
La ventaja particular de esta técnica es que las notas no detenidas se pueden modificar en tono (doblar).
Cuando se dobla una cuerda, el sonido que crea es mucho más suave de lo que sería de otra manera, incluso utilizando otras técnicas de ligadura como hammer-ons , pull-offs o finger slides. El bending de cuerdas en la guitarra se utilizó por primera vez en el blues para imitar el sonido suave de una guitarra slide [ cita requerida ] . Desde entonces, se ha convertido en una parte integral de tocar la guitarra principal. Algunos maestros del bending de cuerdas en la guitarra incluyen a David Gilmour, Tony Iommi , Brian May , T-Bone Walker , BB King y Eric Clapton . Para facilitar su extenso bending de cuerdas, Clapton solía sustituir una cuerda de banjo sin enrollar por la tercera cuerda de su guitarra. [ cita requerida ] En ese momento, no había ningún juego de cuerdas de calibre ligero con una tercera cuerda sin enrollar disponible.
El vibrato de los dedos también es una parte estándar de la técnica del clavicordio , conocida como Bebung .
Hasta la primera mitad del siglo XX, el clavicordio era el único instrumento de teclado en el que era posible realizar vibrato con los dedos. En 1928, Maurice Martenot , inspirado por su experiencia como violonchelista, inventó el Ondes Martenot , que contaba con un teclado que el intérprete podía balancear lateralmente hacia adelante y hacia atrás.
También se pueden utilizar otras técnicas de vibrato con los dedos en teclados electrónicos sensibles a la presión con los sonidos y parches apropiados. Por ejemplo, algunos órganos de iglesia digitales de Rodgers tienen una voz opcional para el teclado superior que proporciona una trompeta solista con volumen sensible a la velocidad y tono sensible a la presión, por lo que un intérprete experto puede tocar un solo de trompeta realista. Algunos controladores MIDI y teclados sintetizadores de las décadas de 2010 y 2020 tienen sensores de presión o aftertouch que detectan si el intérprete continúa presionando una tecla después del golpe inicial; en algunos parches (sonidos) de módulos de sintetizador , la presión continua sobre una tecla desencadena un efecto de vibrato electrónico , en imitación de la técnica expresiva vocal, de cuerdas frotadas o de viento de agregar vibrato a una nota sostenida.
En el acordeón , se pueden producir efectos de tipo vibrato utilizando movimientos del fuelle, cambios en la presión del fuelle o balanceando los dedos sobre una tecla.
El vibrato de dedos se utiliza en varios instrumentos de viento de madera, tanto en la música clásica como en la tradicional. En la música barroca , se denominaba flattement en francés y se utilizaba, por lo general en notas largas, en la flauta y la flauta dulce barrocas , y se menciona en los escritos de Jacques-Martin Hotteterre y Michel Corrette . En la música irlandesa , se utiliza en la gaita irlandesa y la flauta dulce . En términos contemporáneos, esta técnica se conoce más comúnmente como "trino tímbrico".
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