El retablo de San Zenón es un retablo políptico del pintor renacentista italiano Andrea Mantegna creado alrededor de 1456-1459. [1] Permanece in situ en la Basílica de San Zenón , la iglesia principal de la ciudad de Verona , en el norte de Italia . [2] [3] El estilo de Mantegna mezcla temas clásicos grecorromanos junto con temas cristianos en este retablo. [4] El panel central, junto con las tres pinturas que componen la predela , fueron tomadas en 1797 por los franceses. [3] [5] Si bien la escena principal y central fue devuelta por los franceses a Verona en 1815, las tres pinturas de la predela en Verona hoy son copias, ya que las originales permanecen en Francia en el Louvre ( Crucifixión ) y en el Museo de Bellas Artes de Tours ( Resurrección y Agonía en el Huerto ). [6] Las pinturas están hechas con témpera sobre tabla; [5] [6] [7] No petróleo, como se identifica erróneamente en una fuente. [3]
El retablo de San Zeno fue encargado alrededor de 1456 a 1459 por Gregorio Correr, un noble veneciano, erudito humanista y administrador y abad de la Iglesia de San Zeno . [7] El retablo de San Zeno fue encargado y realizado para representar un reino celestial. [5] [7] Esto fue pensado para que los espectadores aspiraran a una posición en la "corte del cielo" en comunión con las figuras religiosas retratadas en el retablo. [1] [3] [5] Además, se cree que San Zenón , el santo patrón de Verona , introdujo el cristianismo en Verona, por lo tanto, este retablo recibe su nombre en su honor. [3] Después de su trabajo en el retablo de San Zeno, Mantegna finalmente llegó a Mantua en el año 1460 para servir como artista de la corte de la Casa de Gonzaga , la principal familia principesca de la ciudad. [5] Mantegna había sido contratado por Ludovico III Gonzaga, marqués de Mantua , tres años antes, en 1457, pero los desacuerdos sobre el salario y el estatus de Mantegna retrasaron su llegada y fue durante este período de aplazamiento que trabajó en el Retablo de San Zeno. [5] [7]
El retablo de San Zeno se considera a menudo una interpretación pictórica de los relieves de bronce esculpidos del artista Donatello (conocidos como el Retablo del Santo ) hechos para el altar mayor dedicado a Sant'Antonio (c. 1446-1453) en la Basílica de San Antonio de Padua . [6] [5] [7] Aunque a veces se describe como "perdido", este trabajo de Donatello sobrevive, pero fue restaurado incorrectamente en el siglo XIX, perdiendo así parte del diseño inicial del artista y los estudiosos han argumentado que el trabajo de Mategna puede ilustrar mejor lo que Donatello originalmente pretendía. [6]
Mantegna incorporó colores notablemente brillantes y ricos de rojos, azules, amarillos y verdes que probablemente fueron una reacción a los críticos anteriores que habían comentado negativamente sobre los colores opacos en los famosos frescos pintados de 1454 a 1457 (destruidos en 1944) en la Capilla Ovetari . [7] A pesar de ver a otros artistas cambiar sus esquemas de color, se mantuvo fiel a sus propias ideas y técnicas, lo que diferenció a Mantegna de otros artistas del Renacimiento. [8] Los eruditos Steven Zucker y Beth Harris señalan que el "pasado" antiguo y clásico está pintado principalmente en tonos de grises, pintados al estilo de la grisalla (una excepción son las coloridas guirnaldas de frutas que están atadas con cintas rojas), mientras que los elementos cristianos, que se muestran en el "presente", se denotan por el uso de colores brillantes y saturados. [3]
El retablo consta de un marco, un cuadro central separado en tres cuerpos principales y en la parte inferior, una predela con tres cuadros que representan escenas bíblicas. [7]
La sección central de la pintura muestra a la Virgen y el Niño sentados en un trono de mármol, rodeados de ocho santos. [6] Estos ocho santos están colocados en los paneles laterales que flanquean las figuras centrales de la Virgen y el Niño; esto se hizo de acuerdo con las preferencias del patrón: a la izquierda están San Pedro (con un manto amarillo sosteniendo un juego de llaves); San Pablo (con un manto morado claro); San Juan Evangelista (con un manto verde que se muestra mirando un libro que sostiene); y San Zenón (mostrado como obispo y con una mitra ); a la derecha están San Benito (con un manto azul oscuro y sosteniendo un libro); San Lorenzo (con una dalmática verde oscuro ); San Gregorio (mostrado como obispo con mitra, manto rojo, guantes blancos, sosteniendo un libro y báculo); y San Juan Bautista (vestido de rojo, leyendo un libro y mostrado en contrapposto ). [3] Los sujetos se muestran reunidos en un templo clásico, adornado con temas paganos y mitológicos. [5] Esta pintura ilustra una sacra conversazione (conversación sagrada), también traducida como "Santa Comunidad". [1] Este tema se originó en una pintura italiana durante el Trecento y se refiere a una asamblea de santos de diferentes períodos de la historia, mientras rodean a la Virgen y el Niño. [1]
La representación de las figuras por parte de Mantegna, específicamente la de San Juan Bautista, ilustra su uso del contrapposto , como se ve en la figura de San Juan Bautista, resaltando así la armonía de la iconografía clásica y cristiana . [3] Toda la composición, que recuerda a una logia al aire libre , está llena de detalles que hacen referencia a la antigüedad clásica: las columnas corintias talladas adosadas del marco dorado (ver abajo: marco) ayudan a crear la alusión a un templo pagano clásico con un primer plano decorado con guirnaldas clásicas de follaje y frutas atadas con cintas rojas. [6] [5] En el fondo del templo hay un friso decorativo continuo que incluye putti juguetones sosteniendo una cornucopia rebosante de frutas. [3] [5] Sobre este friso hay un motivo clásico de huevos y dardos que sirve como borde. En las pilastras cuadradas que rodean la logia, hay tondi (redondos circulares) que ilustran escenas mitológicas. [6] [5] Asimismo, el trono de mármol tallado recuerda a un antiguo sarcófago romano . [6] Alrededor de la Virgen y el Niño entronizados hay un grupo de ángeles "donatellescos" (al estilo de Donatello) que tocan instrumentos musicales, específicamente el laúd , o cantan de cancioneros que sostienen. [6] [7]
En la parte inferior del retablo, se exhiben tres pinturas en la predela del retablo. Estas pinturas representan escenas bíblicas que ocurrieron en Jerusalén , como la Crucifixión de Jesús y la Agonía en el Huerto . [5] [6] Si bien el retablo permanece in situ , las tres pinturas de la predela fueron robadas por Napoleón y no han sido devueltas; las que se ven en el retablo hoy son todas copias, mientras que los originales permanecen en dos museos franceses diferentes. [6] La imagen de la Crucifixión se encuentra en el Museo del Louvre en París, mientras que las escenas de la Resurrección y la Agonía en el Huerto se encuentran en Tours en el Museo de Bellas Artes . [4] A pesar de ser componentes más pequeños de este retablo, estas pinturas muestran la atención de Mantegna al detalle y la precisión como artista en su búsqueda por representar una representación memorable e histórica de la Pasión de Cristo en el arte italiano. [6] [7]
El marco está tallado en madera dorada. Cuatro columnas corintias sirven como columnas acopladas que dividen las tres escenas del panel central, así como las tres escenas de la predela. [6] El marco ha sido descrito como un pórtico o fachada de la escena central pintada real, que se desarrolla en un templo pagano (ver arriba: Paneles central y laterales). [6] [7] El marco tiene un frontón redondeado y un entablamento que recuerda los elementos arquitectónicos de un templo griego antiguo . [6] A pesar de separar las escenas, la pintura detrás de estas columnas corintias talladas es continua. [3] De hecho, si se mira de cerca, las columnas corintias talladas reales del marco están colocadas directamente frente a las pilastras cuadradas pintadas que tienen el orden jónico de los capiteles de las columnas ; esta superposición mezcla la talla del marco con el ilusionismo pintado del templo pagano de la escena central. [3] [6] Estilísticamente, el uso que hace Mantegna de una narrativa continua que se desarrolla detrás de las columnas talladas y las pilastras cuadradas pintadas crea un plano pictórico unificado. [3] Este enfoque era marcadamente diferente del enfoque popular durante el Trecento , que demarcaba escenas individuales mediante estos divisores arquitectónicos y, por lo tanto, no había una narrativa continua en todo el espacio pictórico. [3] Un ejemplo de esta narrativa no continua con el uso de columnas de oro que dividen espacialmente las escenas se puede encontrar en el Políptico de Badia de Giotto de alrededor de 1300. [3]
Si bien el marco es original, se ha perdido la decoración que originalmente adornaba el centro del frontón. [6]
Colgando sobre la Virgen y entre las guirnaldas adornadas cuelga una lámpara de aceite encendida con una llama, coronada por un gran huevo de avestruz, que simboliza el nacimiento de la Virgen . [6] Los huevos de avestruz se colgaban típicamente sobre altares dedicados a la Virgen María y se pueden encontrar en pinturas renacentistas italianas posteriores, incluyendo la Virgen de Brera de Pierro della Francesca (1472) y el Retablo de San Zaccaria de Giovanni Bellini (1505). [6] Debajo de la lámpara de aceite hay un hilo de rosarios rojos. [6]
Mantegna utilizó la escritura pseudoárabe para representar la santidad de los santos pintados en el retablo. [9] La escritura pseudoárabe es un tipo de escritura que no tiene un significado lingüístico o real, sino que es un tipo de escritura inspirada en el alfabeto árabe. [9] Esta escritura se puede ver en las prendas, y los halos que rodean a la Virgen y al Niño, funcionan para enfatizar aún más su grandeza y santidad. [9] La incorporación de la escritura pseudoárabe en estas áreas específicas es una idea que se toma prestada de los textiles bordados islámicos, conocidos como tiraz . [9] Además, la representación ilusionista de una alfombra oriental en esta pintura renacentista, que se encuentra envuelta al pie del trono en el que se sienta la Virgen, funciona como una cubierta costosa y honorífica, pero también le permitió a Mantegna mostrar su habilidad en una pintura de un objeto tan finamente elaborado que se produjo únicamente en tierras islámicas. [9] Además, la alfombra oriental demarcó espacialmente el espacio de la Virgen como santo y sagrado. [9] Un ejemplo similar del Renacimiento italiano se puede encontrar en San Antonino dando limosna de Lorenzzo Lotto (completado en 1542), que muestra dos alfombras orientales (conocidas como Alfombra Lotto ). [9]
Otra técnica que Mantegna empleó en el retablo de San Zeno fue la perspectiva lineal puntual para realzar la imagen continua detrás de los pilares y hacer que la imagen pareciera más realista al mundo exterior. [3] El ilusionismo de la imagen se logró aún más a través de las cuatro columnas de madera talladas reales del marco, que se encuentran en el espacio del espectador, se unifican con las guirnaldas pintadas que se encuentran en el primer plano inmediato del espacio pictórico. [1] [3] Además, el uso de la perspectiva de Mantegna permite que los santos y varios de los elementos arquitectónicos y decoraciones retrocedan en el espacio, lo que fomenta la ilusión de profundidad. [1] [3] La convincente profundidad espacial de Mantegna que se encuentra en el retablo de San Zeno inició una tradición estilística y técnica que continuaría durante el Cinquecento en otros retablos ilusionistas de Giovanni Bellini , incluidos: Retablo de San Giobbe (1487); Tríptico de Frari (1488); Retablo de San Zaccaria (1505). [6]
El retablo de San Zenón fue creado originalmente para la Basílica de San Zenón en la ciudad de Verona, en el norte de Italia, y actualmente todavía se encuentra allí. [3] Como se describió anteriormente (ver: predela), Napoleón desarmó el panel, llevándose el panel central, así como las tres pinturas de la predela a París en 1797. [3] Solo el panel central fue devuelto después de que Napoleón perdiera el poder en 1815, pero las tres predelas originales nunca fueron devueltas, y por lo tanto las que se ven en el retablo hoy son copias. [3] [7]
