El término arte de la Costa Noroeste se aplica comúnmente a un estilo de arte creado principalmente por artistas de Tlingit , Haida , Heiltsuk , Nuxalk , Tsimshian , Kwakwaka'wakw , Nuu-chah-nulth y otras Primeras Naciones y tribus nativas americanas de la Costa Noroeste de América del Norte, desde tiempos anteriores al contacto europeo hasta el presente.
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El arte bidimensional de la Costa Noroeste se distingue por el uso de líneas de forma y el uso de formas características denominadas ovoides , formas de U y formas de S. Antes del contacto europeo, los medios más comunes eran la madera (a menudo cedro rojo occidental ), la piedra y el cobre; desde el contacto europeo, también se han utilizado papel, lienzo, vidrio y metales preciosos. Si se utiliza pintura, los colores más comunes son el rojo y el negro, pero el amarillo también se utiliza a menudo, especialmente entre los artistas kwakwaka'wakw . [1] El tejido chilkat aplica diseños de líneas de forma a los textiles. Los tlingit, haida y tsimshian han producido tradicionalmente vestimentas tejidas chilkat, a partir de lana y corteza de cedro amarillo, que son importantes para eventos cívicos y ceremoniales, incluidos los potlatches.
Los patrones representados incluyen formas naturales como osos, cuervos, águilas, orcas y humanos; criaturas legendarias como los pájaros del trueno y los sisiutls ; y formas abstractas formadas por las formas características de la Costa Noroeste. Los tótems son los artefactos más conocidos producidos con este estilo. Los artistas de la Costa Noroeste también son notables por producir cajas, máscaras y canoas características de "esquinas dobladas" o "madera curvada". Los diseños de la Costa Noroeste también se utilizaron para decorar artículos domésticos tradicionales de las Primeras Naciones, como cucharas, cucharones, cestas, sombreros y remos; desde el contacto europeo, el estilo artístico de la Costa Noroeste se ha utilizado cada vez más en formas orientadas a la galería, como pinturas, grabados y esculturas.
Aunque el diseño decorativo altamente convencionalizado se encuentra a lo largo de toda la costa, al sur y al norte de este centro el motivo figurativo se hace progresivamente más fuerte. Krickeberg (1925: 144) caracteriza esto como un naturalismo fresco en el sur entre los kwakiutl, nootka y salish y una cierta relación con el grabado y la pintura esquimal entre los tlingit del norte. El cambio de énfasis es gradual: el arte Bella Bella, por ejemplo, tiene una estrecha afinidad con su contraparte Tsimshian de la costa. Sin embargo, el arte bidimensional de todos estos grupos está mucho más relacionado que su escultura, especialmente entre las tribus del norte de Tlingit, Haida, Tsimshian y Bella Bella. [2]
Las artes textiles de la costa noroeste incluyen tejidos Chilkat , tejidos de cola de cuervo, mantas con botones y elaboradas vestimentas ceremoniales que utilizan una variedad de materiales. El arte tridimensional se creó a partir de muchos materiales, en particular madera.
Antes del contacto con los europeos, las Primeras Naciones de la costa noroeste desarrollaron instituciones sociales y ceremoniales complejas, entre ellas el sistema potlatch , sistemas hereditarios de rango y descendencia, sociedades ceremoniales y aldeas permanentes. La organización social implicaba grupos de parientes, considerados de forma matrilineal, patrilineal o bilineal. Estos grupos tienen diversos derechos y propiedades tangibles e intangibles. Entre ellos se encuentran las historias de origen. Muchos ejemplos del arte de la costa noroeste son referencias visuales a estas historias.
Tras el contacto europeo, a finales del siglo XVIII, los pueblos que producían arte en la Costa Noroeste sufrieron enormes pérdidas de población debido a enfermedades como la viruela, y pérdidas culturales debido a la colonización y la asimilación a la cultura europea-norteamericana . La producción de su arte también se redujo drásticamente.
Hacia finales del siglo XIX, los artistas de la Costa Noroeste comenzaron a producir obras para la venta comercial, como pequeñas tallas de argilita . A finales del siglo XIX también se produjo una exportación a gran escala de tótems, máscaras y otros objetos de arte tradicional de la región a museos y coleccionistas privados de todo el mundo. Algunas de estas exportaciones estuvieron acompañadas de una compensación económica para las personas que tenían derecho a vender las obras de arte, y otras no.
A principios del siglo XX, muy pocos artistas de las Primeras Naciones en la región de la Costa Noroeste producían arte. Un vínculo tenue con las tradiciones más antiguas permaneció en artistas como Charles Gladstone, Henry Speck, Ellen Neel, Stanley George y Mungo Martin . A mediados del siglo XX se produjo un resurgimiento del interés y la producción del arte de la Costa Noroeste, debido a la influencia de artistas y académicos como Bill Reid (nieto de Charles Gladstone) y Bill Holm . Un resurgimiento de las formas ceremoniales tradicionales también impulsó el aumento de la producción de artes tradicionales. Esta época también vio una creciente demanda de devolución de objetos de arte que fueron tomados ilegal o inmoralmente de las comunidades de las Primeras Naciones. Esta demanda continúa hasta el día de hoy. Hoy en día, hay numerosas escuelas de arte que enseñan arte formal de la Costa Noroeste de varios estilos, y existe un mercado creciente para el arte nuevo en este estilo. [3]
La reactivación de la vida ceremonial, tras el levantamiento de la prohibición del potlatch, también ha impulsado la producción de ropa, pinturas y tallas tradicionales para su uso en ceremonias.
Aunque los pueblos vecinos, como los salish de la costa, también producían tradicionalmente arte que comparte algunas características del arte de la costa noroeste, estos estilos de arte no suelen incluirse en el término, ya que los patrones y los artefactos producidos son bastante diferentes. Por ejemplo, los salish creaban tradicionalmente figuras de pie de bienvenida que no habían creado otros pueblos de la costa noroeste, no creaban tótems tradicionalmente y no utilizaban tradicionalmente las líneas y formas de otros pueblos de la costa noroeste. [5] Un corolario de este hecho es que, contrariamente a la creencia popular, aparte de algunos de los pueblos de la península Olímpica , ninguna nación nativa americana de los estados de Washington y Oregón produjo tótems y otros objetos artísticos característicos de la costa noroeste con líneas de forma antes del contacto europeo. [6]
Tradicionalmente, dentro de una comunidad determinada, algunos patrones y motivos sólo podían ser utilizados por ciertas familias y linajes, o con el acuerdo de esas familias y linajes. Hoy, en Columbia Británica , es un punto de controversia si sólo los artistas de las Primeras Naciones de la nación apropiada tienen el derecho moral de producir arte de tipos determinados y utilizando motivos determinados, o si sólo la intención de la persona y el respeto dado a los respectivos pueblos son importantes. Asimismo, en Ontario, han surgido controversias similares sobre si los artistas no nativos tienen el derecho moral de hacer uso de motivos y estilos de arte visual nativos. [7] Algunos artistas no nativos, como John Livingston, han sido adoptados por las Primeras Naciones y, por lo tanto, han adquirido formalmente el derecho a producir ese tipo de arte. [1] En algunas naciones, como los Haida, las adopciones son vistas por algunos sólo como gestos, y la producción de obras en su estilo característico por parte de forasteros puede, en algunos contextos, verse como apropiación económica y cultural. [ cita requerida ]
Entre los artistas notables de la Costa Noroeste del siglo XIX se incluyen Albert Edward Edenshaw [8] (Haida), el capitán Carpenter [9] (Heiltsuk), Willie Seaweed (Kwakwak'wakw) y Charles Edenshaw , quien es ampliamente reconocido como un maestro cuyo arte se encuentra en todas las grandes colecciones del mundo.
También Guujaaw , otro destacado tallador y constructor que también es líder político haida. Otros artistas notables de la Costa Noroeste de los siglos XX y XXI incluyen a Charlie James, Henry Speck, Doug Cranmer , Stanley George, James Schoppert , Bill Reid , Mungo Martin , Ellen Neel , Robert Davidson , Beau Dick , Willie Seaweed , Roy Henry Vickers , Don Yeomans , Jay Simeon , Amos Wallace, Lyle Wilson, Sam (Sammy) Robinson, Ron Hamilton, Art Thompson, Joe David, Reginald Peterson, [10] Freda Diesing , Lawrence Paul Yuxweluptun , Tony Hunt y Nathan Jackson (artista)
Entre los académicos y editores notables de la costa noroeste se incluyen Hilary Stewart , [11] Bill Holm , Bill Reid , Bill McLennan, Martha Black y George F. MacDonald . El libro de Doreen Jensen y Polly Sargent, Robes of Power (1986), trata sobre las túnicas ceremoniales, llamadas mantas de botones , y su historia y formas. Cheryl Samuel y su libro The Raven's Tail (1987) describen el estilo de tejido del norte conocido como Raven's Tail, utilizado para hacer túnicas ceremoniales y otras insignias.
Emily Carr , aunque no adoptó formalmente las técnicas, utilizó comúnmente el arte nativo como motivo de muchas de sus primeras pinturas.
