El champlevé es una técnica de esmaltado en las artes decorativas , o un objeto hecho mediante ese proceso, en el que se tallan, graban, troquelan o vierten canales o celdas en la superficie de un objeto de metal y se rellenan con esmalte vítreo . Luego, la pieza se cuece hasta que el esmalte se funde y, cuando se enfría, se pule la superficie del objeto. Las partes no talladas de la superficie original permanecen visibles como marco para los diseños de esmalte; por lo general, se doran en las obras medievales. [1] El nombre proviene del francés "campo elevado", "campo" significa fondo, aunque la técnica en la práctica baja el área a esmaltar en lugar de elevar el resto de la superficie.
La técnica se viene utilizando desde la antigüedad, aunque ya no se encuentra entre las técnicas de esmaltado más utilizadas. El champlevé es adecuado para cubrir superficies relativamente grandes y para imágenes figurativas, aunque su uso más destacado se dio en el arte celta para diseños geométricos. En el arte románico se aprovechó al máximo su potencial para decorar ataúdes, placas y vasos, tanto en esmalte de Limoges como de otros centros.
El champlevé se distingue de la técnica del esmalte cloisonné , en la que los surcos se crean soldando tiras metálicas planas a la superficie del objeto. La diferencia entre las técnicas es análoga a las técnicas de carpintería de intarsia y marquetería . Se diferencia de la técnica basse-taille , que la sucedió en las obras góticas de mayor calidad, en que los fondos de los huecos para el esmalte son rugosos, por lo que solo se utilizan colores de esmalte opacos. En la técnica basse-taille , los huecos están modelados y se utilizan esmaltes translúcidos para lograr efectos más sutiles, como en la Copa Real de Oro parisina del siglo XIV . [2]
El esmalte se utilizó por primera vez en pequeñas piezas de joyería y, a menudo, se ha desintegrado en piezas antiguas que han sido enterradas. El uso constante y frecuente de la técnica champlevé se ve por primera vez en el estilo La Tène del arte celta temprano en Europa, del siglo III o II a. C., donde el color predominante era un rojo, posiblemente pensado como una imitación del coral rojo (como se usó en el escudo de Witham ), y la base era generalmente de bronce . Los "celtas insulares" de las Islas Británicas hicieron un uso especialmente común de la técnica, que se ve en los reflejos de la decoración en relieve del escudo de Battersea y otras piezas. [3] Sin embargo, técnicamente no se trataba de un verdadero esmalte en el sentido habitual de la palabra, ya que el vidrio solo se calentaba hasta que se convertía en una pasta blanda antes de colocarlo en su lugar. Esto a veces se conoce informalmente como esmaltado de "lacre" y puede describirse como "incrustación de vidrio" o términos similares. La verdadera técnica del esmaltado, donde se coloca pasta de vidrio y se cuece hasta que se licua, se aprendió de los romanos. [4] La descripción literaria más antigua del esmalte proviene del sofista griego Filóstrato III , quien escribió en sus Icones (Libro I, 28), describiendo los arneses policromados para caballos: "Se dice que los bárbaros en el Océano vierten estos colores sobre bronce calentado y que se adhieren, se vuelven tan duros como la piedra y preservan los diseños que se hacen en ellos". [5]
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Los estilos curvilíneos celtas fueron muy eficaces en el esmalte y se utilizaron durante todo el período romano, cuando desaparecieron en gran medida en otros medios. El Staffordshire Moorlands Pan es una trulla del siglo II con grandes medallones de esmalte en cuatro colores de esmalte, encargada por o para Draco, un soldado, posiblemente griego, como recuerdo de su servicio en el Muro de Adriano . Es uno de un grupo de vasos esmaltados similares encontrados en Gran Bretaña y el norte de la Galia. Los artículos más pequeños de contextos similares incluyen broches y otras joyas, y monturas para arneses de caballos como los descritos por Filóstrato. Alrededor del final del Imperio romano surgieron nuevas formas: los terminales de los broches penanulares cada vez más elegantes de las Islas Británicas se decoran con champlevé, al igual que otros cierres y accesorios, y las monturas de cuencos colgantes . Estos últimos han desconcertado durante mucho tiempo a los historiadores del arte, ya que no solo no está claro su propósito, sino que se encuentran principalmente en contextos anglosajones y vikingos, incluidos tres en Sutton Hoo , pero su decoración utiliza motivos predominantemente celtas. Uno de los cuencos de Sutton Hoo había sido reparado, pero en un estilo germánico diferente. [6] En total, la producción de los diferentes tipos de cuencos colgantes cubre el período 400-1100. [7] Si bien el experto principal, Rupert Bruce-Mitford , ve los cuencos como productos de talleres "celtas", quizás a menudo en Irlanda, en el mismo período se reduce el uso de grandes áreas de champlevé en los broches celtas más ornamentados , aunque todavía se encuentran reflejos de esmalte similares a gemas, algunos en millefiori . En el arte anglosajón , como en el de la mayor parte de Europa y el mundo bizantino, este fue el período en el que la técnica cloisonné dominó el esmaltado.
El champlevé se asocia especialmente con el arte románico , y muchas de las mejores supervivencias del estilo presentan esta técnica. Hubo un gran aumento en el uso de la técnica en varias áreas a fines del siglo XI, justo cuando el estilo románico maduraba. El origen inmediato del estilo sigue siendo oscuro; se han sugerido varios orígenes exóticos, pero la gran expansión en el uso de vidrieras en el mismo período probablemente esté relacionada. Normalmente se usaban bases de cobre o bronce, que eran suaves y fáciles de trabajar, además de relativamente baratas, pero como se decoloraban con el calor, era necesario usar esmaltes opacos. El azul era ahora el color dominante, como en las vidrieras; los mejores azules en pintura (ya sea en la pared, el panel o el manuscrito) eran muy caros, mientras que en el vidrio los azules ricos se obtienen fácilmente.
Los esmaltes de Mosan y Limoges son los más famosos, y las figuras talladas en la placa de cobre muestran un magnífico sentido de la línea. El tríptico de Stavelot en Nueva York es un ejemplo de la mejor obra de Mosan, y el ataúd de Becket en Londres es una excelente pieza temprana de Limoges. Se conocen los nombres de varios esmaltadores -orfebres de Mosan. También se esmaltaban figuras en relieve y completamente modeladas, y algunas bases de metal se formaban martillándolas en moldes. La producción de Limoges aumentó de manera constante en cantidad, y en el período gótico había disminuido en calidad, pero proporcionó un producto bastante barato, especialmente ataúdes de chasse , producidos a escala semiindustrial y exportados a toda Europa. Los esmaltes españoles, que no se distinguen fácilmente de la obra de Limoges, también se produjeron a gran escala. La obra de Mosan a veces se hacía sobre oro o plata dorada , pero en Limoges y España es habitual el cobre dorado , y gran parte de la obra de Mosan también lo utiliza, como en el ejemplo ilustrado. Este ejemplo también muestra la mezcla de diferentes colores y tonos dentro de la misma celda, aquí utilizados en todo el diseño de una manera compleja, mientras que en los ejemplos de Limoges que aparecen a continuación se hace un uso mucho menor y mucho más simple de esta difícil técnica. [8]
Una técnica similar se conocía como "shippou-zogan" en Japón , donde se consideraba una forma de damasquinado .
