El arte chicano surgió como parte del Movimiento Chicano en la década de 1960. Usó el arte para expresar resistencia política y social [1] a través de diferentes medios artísticos. Los artistas chicanos exploran e interrogan los valores tradicionales mexicano-americanos y encarnan temas feministas a través de diferentes medios como murales, pintura y fotografía. El impulso creado a partir del Movimiento Chicano impulsó un Renacimiento Chicano entre las chicanas y los chicanos. Los artistas expresaron sus preocupaciones sobre la opresión y el empoderamiento en todas las áreas de raza, género, clase y sexualidad. [2] Los artistas feministas chicanos y anglofeministas adoptaron un enfoque diferente en la forma en que colaboraron y realizaron su trabajo durante la década de 1970. Los artistas feministas chicanos utilizaron colaboraciones artísticas y colectivos que incluían hombres, mientras que los artistas anglofeministas generalmente utilizaron participantes solo mujeres. [3] El arte se ha utilizado como un proceso de recuperación cultural para los artistas chicanos y chicanas, lo que les permite estar orgullosos de sus raíces al combinar estilos artísticos para ilustrar sus vidas multiculturales.
El edificio de la mujer abrió sus puertas en Los Ángeles, California, en 1973. Además de albergar empresas propiedad de mujeres, el centro albergaba varias galerías de arte y espacios de estudio. Las mujeres de color , incluidas las chicanas, experimentaron históricamente racismo y discriminación dentro del edificio por parte de las feministas blancas . No se permitió que muchas artistas chicanas participaran en las exposiciones o espectáculos del edificio de la mujer. Las artistas chicanas Olivia Sánchez y Rosalyn Mesquite estaban entre las pocas incluidas. Además, el grupo Las Chicanas exhibió Venas de la Mujer en 1976. [3]
En 1976, las cofundadoras Judy Baca (la única chicana), Christina Schlesinger y Donna Deitch establecieron el Social and Public Art Resource Center (SPARC). Judy Baca había notado una falta de conciencia hacia las mujeres de color en su tiempo en Venice, California y se dio cuenta de las dificultades de ser una mujer de color que es a la vez feminista y latina, lo que impulsó la creación de SPARC. [4] Consistía en espacios de estudio y taller para artistas. SPARC funcionó como una galería de arte y también mantuvo registros de murales. SPARC fue creado para apoyar a los jóvenes en áreas donde las pandillas son frecuentes, por lo que los jóvenes de la comunidad participaron en la realización de La Gran Muralla de Los Ángeles . La Gran Muralla de Los Ángeles fue el primer proyecto realizado por SPARC que mostraba temas de borrado de grupos étnicos en California y homofobia. SPARC proporciona un contexto más profundo en la omisión de comunidades subrepresentadas y provoca la exclusión que ocurre en la historia de los EE. UU. SPARC todavía está activo y fomenta un espacio para la colaboración de la comunidad chicana en campañas culturales y artísticas.
Gilbert Luján , Carlos Almaráz , junto con Frank Romero y Robert de La Rocha, o " Beto de la Rocha ", fueron los miembros originales que idearon Los Four como el nombre de su grupo como una forma de demostrar la dualidad de ser chicano y su cultura chicana. [5] En la década de 1970, Los Four se convirtió en parte del movimiento chicano mostrando sus murales con temas políticos vinculados a ellos. La muralista Judithe Hernández se unió al colectivo de arte exclusivamente masculino en 1974 como su quinto miembro. Esto fue crucial en ese momento, ya que estaban tratando de ser inclusivos y alejarse de los roles de género con los que crecieron [6] El grupo decidió no cambiar el nombre de Los Four a pesar de tener cinco miembros porque ya habían ganado popularidad a través del nombre Los Four. El colectivo estuvo activo en la década de 1970 hasta principios de la de 1980. [3]
Los murales fueron el medio preferido de arte callejero utilizado por los artistas chicanos durante el Movimiento Chicano . [3] Los murales se volvieron muy populares durante El Movimiento en la década de 1970, ya que estaban destinados a unir a la gente. Judy Baca fue la primera chicana en crear un mural, Mi Abuelita , [8] dirigió el proyecto a gran escala para SPARC, La Gran Muralla de Los Ángeles . Se necesitaron cinco veranos para completar el mural de 700 metros de largo. El mural fue completado por Baca, Judithe Hernández, Olga Muñiz, Isabel Castro, Yreina Cervántez y Patssi Valdez , además de más de 400 artistas y jóvenes de la comunidad. Durante la creación de La Gran Muralla de Los Ángeles, Baca comenzó a poner a las mujeres en roles de liderazgo y a tratar de que se involucraran en la realización del mural. [9] Ubicado en el Canal de Control de Inundaciones de Tujunga en el área de Valley Glen del Valle de San Fernando , el mural representa la historia borrada de California de personas de color y minorías marginadas. [3]
En 1989, Yreina Cervántez junto con sus asistentes Claudia Escobedes, Erick Montenegro, Vladimir Morales y Sonia Ramos comenzaron el mural La Ofrenda, ubicado en el centro de Los Ángeles . El mural, un homenaje a los trabajadores agrícolas latinos y latinos, presenta a Dolores Huerta en el centro con dos mujeres que recorrieron la historia de Los Ángeles y se reunieron con historiadores mientras ella originalmente planeaba el mural. El mural se detuvo después de que Carrasco rechazara las alteraciones exigidas al Ayuntamiento debido a sus representaciones de la empresaria y filántropa ex esclavizada Biddy Mason , el internamiento de ciudadanos estadounidenses de origen japonés durante la Segunda Guerra Mundial y los disturbios de los Zoot Suit de 1943. [10]
Las artistas chicanas han utilizado las cualidades deconstructivas del arte escénico para desafiar el pensamiento sobre el carácter, la identidad, la encarnación y la cultura. A partir de la década de 1970, las artistas chicanas comenzaron a experimentar con actuaciones callejeras que resaltaban su papel único como marginadas culturales de las normas de la clase media blanca. Patssi Valdez fue miembro del grupo de performance Asco desde principios de la década de 1970 hasta mediados de la de 1980. El arte de Asco hablaba de los problemas que surgen de la experiencia única de las chicanas que residen en la intersección de la opresión racial, de género y sexual. [3] Las artistas de performance chicanas contemporáneas incluyen a Xandra Ibarra , Nao Bustamente y Mónica Palacios .
Los Monólogos de Panza son una pieza de arte escénico construida en torno a las narrativas de las mujeres chicanas. Los Monólogos de Panza fueron compuestos por Virginia Grise e Irma Mayorga y presentados como una actuación en solitario por la propia Grise. Esta pieza de arte escénico pone de manera sorprendente la panza ('barriga') en el centro de atención como una imagen que revela fragmentos de su percepción, puntos de vista, vidas, amores, malos usos y batallas individuales. [11] La pieza tenía como objetivo destacar algo que la mayoría de las veces se les hace sentir a las mujeres que debería estar oculto, haciéndolo parecer vergonzoso, y como un recordatorio de que las imágenes corporales pueden influir en gran medida en la vida de una mujer. [12]
Xandra Ibarra es una artista de performance chicana que acuñó el término spictacles como una forma de describir sus interpretaciones de la iconografía mexicana que revelan las formas en que funcionan como tropos racistas dentro de las culturas de performance. [13] [14]
Laura Aguilar , conocida por su "fotografía compasiva", que a menudo implicaba usar a sí misma como sujeto de su trabajo, pero también a individuos que carecían de representación en la corriente principal: chicanas, la comunidad LBGTQ y mujeres de diferentes tipos de cuerpo. Durante la década de 1990, Aguilar fotografió a los clientes de un bar de lesbianas del este de Los Ángeles . Aguilar utilizó su cuerpo en el desierto como sujeto de sus fotografías en las que lo manipuló para que pareciera esculpido a partir del paisaje. En 1990, Aguilar creó Three Eagles Flying , una fotografía de tres paneles que la presenta semidesnuda en el panel central con la bandera de México y los Estados Unidos en lados opuestos mientras su cuerpo está atado con la cuerda y su rostro cubierto. El tríptico representa el encarcelamiento que sienten las dos culturas a las que pertenece. [15] Laura Aguilar creó una colección de trabajos que acepta la figura humana como su solicitud focal. Lo mejor de su arte proviene de su trabajo inicial, conocido como la Serie de Lesbianas Latinas , que comenzó en 1987. La serie incluye imágenes muy contrastantes de mujeres que se identificaban como latinas y lesbianas. Las fotografías de esta serie también solían llevar la firma de la mujer.
Delilah Montoya , una artista fotográfica chicana, tiene una variedad de trabajos que exploran su interpretación de ser mujer y comprender el mundo en el que se la había colocado al incorporar la idea del mestizaje, la combinación de culturas. Montoya se politizó después de su residencia en el sur de Omaha después de la exposición de una gran cantidad de culturas. Montoya hizo piezas deliberadamente para resaltar la presencia de los ausentes, a menudo inspiradas en los primeros años del Movimiento Chicano. [16] Otras influencias del Movimiento por los Derechos Civiles le permitieron implorar la idea de la reinvención del yo en términos de cultura e historia que te encapsula.
Aunque el movimiento chicano ha pasado, las chicanas continúan usando el arte como una forma de elevar sus perspectivas y celebrar las voces chicanas. Jóvenes artistas chicanas como Diana Yesenia Alvarado , que trabaja con esculturas, crean arte que representa su cultura y obtienen poco reconocimiento. [17] Han surgido nuevas formas de arte a medida que la tecnología ha comenzado a desempeñar un papel más vital en la vida diaria, ya que artistas como Guadalupe Rosales usan plataformas como Instagram como parte de su trabajo. [18] Rosales usa su papel como artista y archivista para recopilar ingeniosamente fotos y revistas de chicanas de la década de 1990. Retrató su propia comprensión de crecer como chicana en el este de Los Ángeles, un área predominantemente latina. En su cuenta Veteranas y Rucas, sus fotos muestran a hombres con pantalones holgados y mujeres con el pelo cardado abriéndose camino a través de una época de sentimientos antiinmigrantes y violencia de pandillas. Lo que comenzó como una forma para que la familia de Rosales se conectara a través de su cultura compartida mediante la publicación de imágenes de la historia y la nostalgia de los chican@s pronto se convirtió en un archivo dedicado no solo a la cultura juvenil chican@ de la década de 1990, sino también a la década de 1940. [19] Además, Rosales ha creado instalaciones de arte para mostrar el archivo fuera de su formato digital original y ha exhibido espectáculos individuales Echoes of a Collective Memory y Legends Never Die, A Collective Memory . [20] Rosales recibió una beca de la Fundación Gordon Parks en 2019. [21] Fue la primera artista residente de Instagram del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en 2017. [22] Otros, como la poeta Felicia "Fe" Montes, han ganado popularidad por su trabajo en el arte chicano y otras formas. Montes usa la palabra hablada y las tradiciones del slam, entre otros medios, para conectarse con sus seguidores latinos sobre la identidad. [23] Lee su poesía en lugares poco convencionales y cuestiona los roles históricamente subordinados y menos favorecidos que los hombres han tenido las mujeres. Mientras escribe, tiene presente la cultura chicana de Los Ángeles, a través de colectivos de mujeres como Mujeres de Maíz.
A lo largo de los años, los artistas chicanos han utilizado a la Virgen de Guadalupe para explorar temas de represión y fuerza femenina. [24] Se ha convertido en un símbolo a través del cual los artistas han intentado erradicar los estigmas que enfrentan el lugar de las mujeres en la sociedad y la propiedad de sus cuerpos. Alma López , Margarita "Mita" Cuarón , Yolanda López y Ester Hernández son cuatro artistas feministas chicanas que utilizaron reinterpretaciones de la Virgen de Guadalupe para empoderar a las chicanas. La Virgen como símbolo de los desafíos que enfrentan las chicanas como resultado de la opresión única que experimentan religiosamente, culturalmente y a través de su género. [25]
Alma López se centra en erradicar los estigmas que rodean a las mujeres. Pintó Nuestra Señora en 1999, que retrata a una Virgen de Guadalupe moderna desnuda, sostenida por un "ángel" desnudo con las alas de un monarca. [26] La Virgen no lleva nada más que flores, pero se yergue poderosamente con las manos en las caderas y su rostro expresando confianza y seriedad. Ella ha reimaginado el icono tradicional para explorar la desvergüenza que ella cree que debe surgir de una mujer de hoy que no se ajusta a las expectativas de la sociedad. Especialmente porque La Virgen suele estar vestida de la cabeza a los pies, esta obra de arte desafía los temas que el original promueve, incluida la modestia y la sumisión. Ella expresa la necesidad de propiedad del cuerpo indígena. [27] Alma López también pintó Lupe y Sirena enamoradas en 1999, que representa a la Virgen de Guadalupe tradicional, apodada Lupe, abrazando amorosamente a una sirena. [28] Este es el comentario de Alma López sobre la enseñanza de la Iglesia Católica sobre la sexualidad y el género. Retrata a un individuo sagrado que abraza románticamente a otra mujer, desafiando directamente las creencias comúnmente seguidas que excluyen a las personas LGBTQ. Alma López empuja los límites que confinan a la mujer común, representando a La Virgen de Guadalupe bajo una luz moderna y controvertida mientras pinta. "Nuestra Señora de la Controversia: 'Aparición Irreverente' de Alma López " (2011) demuestra algunas de las respuestas furiosas que ha recibido por su trabajo. Aparición Irreverente es una técnica mixta y es una representación sacrílega de La Virgen .
Las piezas más famosas de Nuestra Señora de Guadalupe de Margarita “Mita” Cuarón son Virgen de la Sandía (1996) y Virgen de Guadalupe Baby (1992). Virgen de Guadalupe Baby (1992) representa a La Virgen de Guadalupe como un bebé rodeado por el útero, que está formado por nubes blancas y esponjosas y está rodeado por los típicos rayos de sol amarillos y las vestimentas verde oscuro de La Virgen. [29] Dentro de las manos entrelazadas del niño hay un corazón rojo claro. Retratando ambas ideas de nacimiento y recrecimiento, Cuarón se centra en un tema de nuevas posibilidades y formaciones. [29] La pintura de Cuarón, Virgen de Guadalupe Baby (1992) fue recreada nuevamente en 2004 a través de un tipo diferente de medio artístico, como una serigrafía. “En Nacimiento (2004) Cuarón representa a su primer y único hijo envuelto en la protección del manto verde de La Virgen. Ella identifica el nacimiento de su hijo y la entrada en la maternidad como uno de los momentos más importantes de su vida, extendiendo su gratitud no solo a su hijo sino a los que dan a luz una nueva vida en todas partes”. [30] De manera similar, esta impresión tiene características de color y diseño similares a su pieza original, Virgen de Guadalupe Baby (1992). En la serigrafía de Cuarón, Virgen de la Sandía (1996), La Virgen de Guadalupe es representada como una mujer desnuda de pie sobre una luna en forma de media luna en el centro de la pieza de arte. [31] La figura religiosa desnuda está rodeada por una sandía con brillo rojo, naranja, amarillo y blanco. [31] El análisis de la académica Teresa Eckmann de la serigrafía de Cuarón, Virgen de la Sandía (1996), hace referencia a la “metáfora sexual de la sandía como imagen de los genitales de las mujeres”. [32] Además, esta serigrafía fue recreada en 1997, utilizando un medio alternativo de pintura de acuarela. Esta nueva versión de la pieza, Virgen de la Sandía (1997), representa a La Virgen de Guadalupe completamente vestida con un manto rosa cubierto por su reconocible manto verde con rayos de sol dorados. [33] Ella está parada sobre una rodaja de sandía roja en forma de medialuna, en lugar de una luna creciente como en la pieza original de 1996. [34]
Al igual que Alma López, Yolanda López también se centra en temas de sexualidad y estigmas de las mujeres cuando retrata a la Virgen de Guadalupe. En su pieza, "Love Goddess" de 1978, López fusiona la imagen de la Virgen con una imagen de "El nacimiento de Venus" de Sandro Bottecelli de mediados de la década de 1480. [35] Ella hace el comentario de que la naturaleza cristiana rechaza la apariencia natural de los cuerpos de las mujeres al aceptar el hecho de que a una edad aún más temprana, la mitología griega lo aceptaría sin la vergüenza y el miedo que se ha desarrollado. [27] López desafía la imagen virginal al erradicar el estigma y el pecado que a menudo se asocian; ella infunde una imagen religiosa sagrada con sexualidad para celebrarla en lugar de avergonzarse.
Ester Hernández hace referencia a la sagrada Virgen de Guadalupe en su pintura La Ofrenda (1988). [36] La pintura reconoce el amor lésbico y desafía el papel tradicional de la familia . Desafía la reverencia y la santidad de La Virgen al ser representada como un tatuaje en la espalda de una lesbiana. También pintó La Virgen de Guadalupe Defendiendo los Derechos de Los Xicanos (1975). [37]
La Sociedad de Investigación Pocho de Historia Borrada e Invisible (PRS) [38] fue fundada por Sandra de la Loza, la única miembro conocida de la organización, en 2001. La Sociedad de Investigación Pocho de Historia Borrada e Invisible tenía como objetivo descubrir aspectos ocultos o distorsionados de la historia chicana y celebrar las figuras olvidadas del movimiento chicano. Utilizando la palabra pocho como un medio para recuperar el término utilizado por los mexicanos para degradar a los chicanos y las chicanas. [39] Los artistas chicanos han utilizado su arte para reafirmar de manera educativa los eventos históricos en sus comunidades que han sido reescritos en el tiempo. [40]