Caravaggio creó uno de sus retablos más admirados, El Entierro de Cristo , en 1603-1604 para la segunda capilla a la derecha de Santa María in Vallicella (la Chiesa Nuova ), una iglesia construida para el Oratorio de San Felipe Neri . [1] Una copia de la pintura se encuentra ahora en la capilla, y el original está en la Pinacoteca Vaticana . La pintura ha sido copiada por artistas tan diversos como Rubens , [2] Fragonard , Géricault y Cézanne . [1]
El 11 de julio de 1575, el Papa Gregorio XIII (1572-1585) emitió una bula confirmando la formación de una nueva sociedad llamada Oratorio y concediéndole la iglesia de Santa María en Vallicella. Dos meses después de la bula se inició la reconstrucción de la iglesia. En la reconstrucción planificada de la Chiesa Nuova (iglesia nueva), como pasó a ser conocida, estaba prevista la dedicación de todos los altares a los misterios de la Virgen. Comenzando en el crucero izquierdo y continuando alrededor de las cinco capillas a ambos lados de la nave hasta el crucero derecho, los altares están dedicados a la Presentación del Templo , la Anunciación , la Visitación , la Natividad , la Adoración de los Pastores , la Circuncisión . , la Crucifixión , la Piedad , la Resurrección , la Ascensión, la Venida del Espíritu Santo , la Asunción y la Coronación . [3]
El Entierro probablemente fue planeado e iniciado en 1602/3. [1] La capilla en la que se colgaría el Entierro , estaba dedicada a la Piedad y fue fundada por Pietro Vittrice, amigo del Papa Gregorio XIII y seguidor cercano de Filippo Neri . [4] La Capella della Pietà ocupaba una posición "privilegiada" en la Chiesa Nuova: desde ella se podía celebrar misa y se concedían indulgencias especiales. [3]
La capilla, situada en la nave derecha de la Chiesa Nuova, fue concedida a Vittrice en junio de 1577, y la fundación de la capilla fue ratificada en septiembre de 1580. Algún tiempo después de su muerte en marzo de 1600, un legado de 1.000 escudos quedó disponible para el mantenimiento de la capilla, y fue construida en 1602, fecha que se considera la más antigua para el encargo de la pintura de Caravaggio. [5] De hecho, el 1 de septiembre de 1604, se describe como "nuevo" en un documento que registra que había sido pagado por Girolamo Vittrice, sobrino y heredero de Pietro. [dieciséis ]
Girolamo Vittrice tenía una conexión directa con Caravaggio: en agosto de 1586 se casó con Orinzia di Lucio Orsi, hermana del amigo de Caravaggio, Prospero Orsi y sobrina del humanista Aurelio Orsi. Aurelio, a su vez, fue mentor del joven Maffeo Barberini , quien se convirtió en Papa Urbano VIII en 1623. Es a través de estas conexiones que el hijo de Girolamo, Alessandro , se convirtió en obispo de Alatri en 1632, y pudo otorgarle el regalo. del Adivino de Caravaggio (ahora en el Louvre ) sobre el Papa Inocencio X Pamphilij después de ser nombrado gobernador de Roma en 1647. [5]
La pintura fue universalmente admirada y escrita por críticos como Giulio Mancini , [a] Giovanni Baglione (1642), [8] [b] Gian Pietro Bellori (1672) [9] [c] y Francesco Scanelli (1657). [11] [d]
La pintura fue llevada a París en 1797 para el Museo Napoleón , regresada a Roma e instalada en el Vaticano en 1816. [5] [7] [e]
Esta pintura de la contrarreforma –con una cascada diagonal de dolientes y portadores de cadáveres descendiendo hacia el Cristo inerte y muerto y la piedra desnuda– no es un momento de transfiguración, sino de duelo. A medida que la mirada del espectador desciende de la oscuridad, también hay un descenso desde la histeria de María de Clopas a través de una emoción contenida hasta la muerte como silenciamiento emocional final. A diferencia del sangriento Jesús posterior a la crucifixión en las morbosas exhibiciones españolas , los Cristos italianos generalmente mueren sin sangre y se desploman en una exhibición geométricamente desafiante. Como subrayando la incapacidad del Cristo muerto para sentir dolor, una mano entra en la herida de su costado. Su cuerpo es el de un trabajador musculoso, venoso y de extremidades gruesas, en lugar de la representación habitual, delgada y huesuda.
Dos hombres cargan el cuerpo. Juan evangelista , identificado sólo por su apariencia juvenil y manto rojo, sostiene al Cristo muerto sobre su rodilla derecha y con su brazo derecho, abriendo sin querer la herida. Nicodemo (con rostro de Miguel Ángel ) agarra las rodillas entre los brazos, con los pies plantados en el borde de la losa. Caravaggio equilibra la posición estable y digna del cuerpo y los esfuerzos inestables de los portadores. [12]
Si bien los rostros son importantes en la pintura en general, en Caravaggio siempre es importante observar hacia dónde apuntan los brazos. Hacia el cielo en La conversión de san Pablo en el camino a Damasco , hacia Leví en La vocación de san Mateo . Aquí, el brazo caído del Dios muerto y su inmaculado sudario tocan la piedra; la afligida María de Cleofás gesticula hacia el cielo . En cierto modo, ese fue el mensaje de Cristo: Dios vino a la tierra y la humanidad se reconcilió con los cielos. Como es habitual, incluso en sus obras de mayor devoción, Caravaggio nunca deja de fundamentarse. En el centro está María Magdalena , secándose las lágrimas con un pañuelo blanco, con el rostro ensombrecido. La tradición sostenía que la Virgen María debía representarse como eternamente joven, pero aquí Caravaggio pinta a la Virgen como una anciana. La figura de la Virgen María también está parcialmente oscurecida detrás de Juan; la vemos con túnica de monja y con los brazos extendidos a los costados, imitando la línea de la piedra sobre la que se encuentran. Su mano derecha se cierne sobre su cabeza como si estuviera extendiendo la mano para tocarlo. Vistas juntas, las tres mujeres constituyen expresiones de sufrimiento diferentes y complementarias. [13]
La figura de la izquierda imita el traje de la Magdalena Penitente de Caravaggio ( Galería Doria Pamphilj , Roma); la figura de la derecha nos recuerda su María en la Conversión de la Magdalena ( Instituto de Arte de Detroit ). [12] Andrew Graham-Dixon afirma que estas figuras fueron modeladas por Fillide Melandroni , modelo frecuente en sus obras y que entonces tenía unos 22 años. [6]
La composición de Caravaggio también parece estar relacionada con la Piedad de San Pedro de Miguel Ángel (especialmente en la figura de la Virgen), [1] y su Piedad florentina (Museo dell'Opera del Duomo, Florencia), de la que toma la figura de Nicodemo. . En este último caso, Caravaggio transporta el autorretrato de Miguel Ángel a su propio cuadro. [14]
Aunque el Entierro de Cristo de Caravaggio está relacionado con la Piedad de Miguel Ángel, no es una Piedad porque incluso si existe la presencia de la Virgen María en la pintura, no hay el número correcto ni los tipos de personas presentes. [15]
Caravaggio también establece una comparación con Rafael utilizando como fuente para el grupo principal la Deposición Borghese de Rafael . Esta comparación contrasta el idealismo del Alto Renacimiento con el naturalismo del propio Caravaggio.
El Entierro de Cristo de Caravaggio no es un entierro porque el cuerpo de Cristo no se baja a una tumba sino que se coloca sobre una losa de piedra. [15]
La pintura de Caravaggio es una contraparte visual de la Misa, con el sacerdote levantando la hostia recién consagrada con el Entierro como telón de fondo. La ubicación privilegiada del altar habría significado que esto fuera un hecho cotidiano; el acto yuxtapone perfectamente el cuerpo en la imagen con el anfitrión mientras el sacerdote entona "Este es mi cuerpo". La Deposición de Jacopo Pontormo (ca. 1525-1528) en Florencia desempeña una función similar, exhibida de manera similar sobre un altar. Tales imágenes son presentaciones del Corpus Domini más que representaciones de la deposición o sepultura de Cristo. [1]
A partir del siglo XVII, el cuadro de Caravaggio se considera un escenario de entierro activo. Esta interpretación se basó en una fórmula heroica derivada de fuentes antiguas, la de Adonis o Meleagro : la cabeza echada hacia atrás y un brazo colgando inerte a un lado. De hecho, la Deposición Borghese de Rafael es un ejemplo de esta fórmula. La colocación del cuerpo de Cristo sobre una piedra plana también tuvo precedentes en la pintura, en particular la Lamentación de Rogier van der Weyden en la Galería de los Uffizi de Florencia. [3]
Si se mira más de cerca, la pintura de Caravaggio no se ajusta a esta fórmula, ya que estos tipos antiguos son escenas de transporte, mientras que la suya, como en el caso de Van der Weyden, decididamente no lo es. En cambio, la composición asume la forma piramidal tradicional de un tipo tradicional de Piedad . Dada la interpretación de la imagen como un tipo de Piedad , la piedra plana (anteriormente interpretada como una tapa o puerta de una tumba) puede reinterpretarse como una referencia a la Piedra de la Unción, hoy consagrada en la Iglesia del Santo Sepulcro en Jerusalén . Esta piedra se utilizó para colocar el cuerpo de Cristo cuando era ungido y envuelto en ropas de lino, según se relata en el Evangelio de Juan . [3]
Los espectadores modernos rara vez notan la inserción de la planta por parte de Caravaggio en la parte inferior izquierda del Entierro . Comúnmente llamado gordolobo, se pensaba que Verbascum thapsus tenía propiedades medicinales y se decía que ahuyentaba a los espíritus malignos. Se asoció con la iconografía de San Juan Bautista . [16] Caravaggio también lo utiliza en su San Juan Bautista y Descanso en la huida a Egipto . [17]
La pintura que aparece en la portada del álbum de 2023, And Then You Pray For Me , del rapero estadounidense Westside Gunn . La portada fue diseñada por el diseñador de moda Virgil Abloh y presenta una versión recortada de la pintura con cadenas retocadas con Photoshop en el cuello de Juan Evangelista. [18] [19]
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Medios relacionados con el entierro de Cristo por Caravaggio en Wikimedia Commons