La publicación musical es el negocio de crear, producir y distribuir partituras, partes y libros musicales impresos en varios tipos de notación musical , garantizando al mismo tiempo que el compositor , el compositor y otros creadores reciban crédito y regalías u otros pagos (cuando corresponda). Este artículo describe la historia temprana de la industria.
La edición musical no comenzó a gran escala hasta mediados del siglo XV, cuando se desarrollaron por primera vez técnicas mecánicas para imprimir música. [1] El ejemplo más antiguo, el Salterio de Maguncia , data de 1457 y es el segundo libro que se imprime en Gutenberg Press después de la Biblia de Gutenberg . [2] Antes de 1501, los libros de música eran propiedad de instituciones ricas o religiosas, y la música tenía que aprenderse de oído o copiarse a mano. [3] Este fue un proceso muy laborioso y que requirió mucho tiempo, por lo que al principio solo lo llevaron a cabo monjes y sacerdotes que buscaban preservar la música sagrada para la iglesia. Las pocas colecciones de música secular que se conservan fueron encargadas y propiedad de nobles ricos. Los ejemplos incluyen el Códice Squarcialupi de la música italiana del Trecento y el Códice Chantilly de la música francesa Ars subtilior . La copia manual persistió mucho después de que la invención de la imprenta y la música se difundiera ampliamente en forma manuscrita hasta bien entrado el siglo XVIII, tanto en copia personal como en publicación por escribas.
El padre de la impresión musical moderna fue Ottaviano Petrucci , un impresor y editor que logró asegurarse un monopolio de veinte años sobre la música impresa en Venecia durante el siglo XVI. [4] Su primera colección se tituló Harmonice Musices Odhecaton y contenía 96 composiciones polifónicas , en su mayoría de Josquin des Prez y Heinrich Isaac . Floreció centrándose en obras flamencas , en lugar de italianas, ya que fueron muy populares en toda Europa durante el Renacimiento. Su imprenta utilizaba el método de triple impresión, en el que se prensaba una hoja de papel tres veces. La primera impresión fueron las líneas del pentagrama, la segunda las palabras y la tercera las notas. Este método produjo resultados muy limpios, aunque requería mucho tiempo y era costoso.
Alrededor de 1520, en Inglaterra, John Rastell desarrolló un método de impresión única para imprimir música. [5] Con su método, las líneas del pentagrama, las palabras y las notas formaban parte de una sola pieza tipográfica, lo que hacía mucho más fácil de producir. Sin embargo, este método produjo resultados más complicados, ya que las líneas del pentagrama a menudo estaban alineadas de manera inexacta y parecían onduladas en la página. El método de impresión única finalmente triunfó sobre el de Petrucci y se convirtió en el modo de impresión dominante hasta que el grabado en placa de cobre se impuso en el siglo XVII. Este método fue adoptado y utilizado ampliamente por un francés, Pierre Attaingnant .
El concepto de derechos de autor musicales tuvo sus inicios en el reinado del rey Enrique VIII de Inglaterra, quien exigía que se le enviaran copias de todo el material impreso y ofrecía protección a los impresores en forma de licencias, principalmente para producir una nueva fuente de ingresos. En 1575 Isabel I concedió a Thomas Tallis y a su alumno William Byrd un monopolio de patentes durante 21 años sobre la impresión y publicación de música polifónica. [6] La primera ley moderna de derechos de autor fue el Estatuto de Ana (1709), que protegía todas las obras publicadas durante un período de catorce años, ampliado posteriormente a veintiocho años. El primer intento de imprimir un aviso de derechos de autor musical aparece en el "Shir Hashirim" de Salomone Rossi (Venecia, 1623), que incluye una maldición rabínica sobre quienes infringen el texto, escrito por León de Módena .
El primer acuerdo internacional relacionado con los derechos de autor fue el Convenio de Berna de 1886. El principio básico del Convenio es la disposición de que cada uno de los países contratantes proporcionará protección automática a las obras en todos los demás países de la unión y a las obras inéditas cuyos autores sean ciudadanos de o residentes en esos países. [7] Los derechos de ejecución están incluidos en estas disposiciones. En marzo de 2012, 165 países se habían convertido en partes de la convención.
La primera ley federal de derechos de autor de EE. UU. otorgó protección a "mapas, gráficos y libros". Contrariamente a algunos relatos académicos, la protección de los "libros" de la Ley de 1790 abarcaba las composiciones musicales. [8] El primer registro en Estados Unidos de una composición musical lo realizó el 6 de enero de 1794 Raynor Taylor para la canción original " The Kentucky Volunteer ". [9] Sin embargo, las composiciones musicales no estuvieron explícitamente protegidas hasta la Ley de Derecho de Autor de 1831 , y luego la protección quedó limitada a los derechos de reproducción. El plazo de vigencia de los derechos de autor era de veintiocho años más un período de renovación de catorce años.
Si bien Inglaterra fue líder en el desarrollo del derecho de autor, los franceses lideraron el camino en materia de derechos de ejecución. En 1777, Pierre de Beaumarchais fundó la "Bureau de Legislation Dramatique" que se convirtió en la actual Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques (SACD) en 1829. Muchos años más tarde, en 1847, esto inspiró al compositor y libretista Ernest Bourget a reclamar el pago por cada interpretación de sus obras en Les Ambassadeurs , un Café-concierto de referencia de la época. Un pleito ganado por Bourget y otros en 1851 condujo a la formación de la Société des Auteurs, Compositeurs et Editeurs de Musique (SACEM), la primera sociedad de derechos de interpretación del mundo.
Otros países siguieron su ejemplo: la italiana Società Italiana degli Autori ed Editori (SIAE) fue fundada en 1882 y la española "Sociedad de Autores" , antecesora de la actual Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), en 1899. La antecesora de la Gesellschaft für Musikalische Aufführungs und Mechanische Vervielfältigungsrechte (GEMA) fue formada en Alemania por el compositor Richard Strauss en 1903. Se convirtió en GEMA en 1915 cuando se fusionó con otra pequeña sociedad. Así, a finales del siglo XIX se habían sentado las bases de la industria editorial musical moderna.
Mientras Inglaterra era líder en el desarrollo de sistemas de derechos de autor y Francia estaba a la cabeza en el desarrollo de derechos de interpretación, Alemania fue el país pionero en la edición de música moderna. Las primeras editoriales musicales alemanas datan del siglo XVIII. Bernhard Christoph Breitkopf de Leipzig , impresor y editor general, decidió especializarse en la impresión de música a partir de 1754. Tuvo éxito al desarrollar mejoras en la configuración de los tipos musicales. Gottfried Christoph Härtel se incorporó a la empresa en 1795, que pronto se convirtió en la sociedad de Breitkopf & Härtel . Fueron los editores originales de un quién es quién de los grandes compositores alemanes, incluidos Beethoven , Haydn , Mozart , Schubert , Schumann y Wagner .
Schott Music of Mainz fue fundada en 1770 por Bernhard Schott y todavía existe en la actualidad. Se especializaron en óperas francesas e italianas y, más recientemente, han publicado obras de Hindemith , Stravinsky , Orff , Schoenberg y Henze . N. Simrock de Bonn , y más tarde de Berlín, fue fundada en 1790 por Nikolaus Simrock . Sus publicaciones originales incluyeron obras de Beethoven, Haydn, Meyerbeer , Weber , Mendelssohn , Schumann y Brahms .
En 1764, Josiah Flagg compiló la primera colección de música popular y religiosa, impresa en papel elaborado en las colonias. El período posrevolucionario se caracterizó por la llegada de los primeros editores de música profesionales de Europa en la década de 1770. Abrieron tiendas en Filadelfia , Nueva York, Boston y Baltimore , trayendo consigo tecnología europea. Benjamin Carr y James Hewitt fueron dos importantes editores de música estadounidenses. La primera canción publicada bajo derechos de autor estadounidenses fue The Kentucky Volunteer , de la propia casa de Carr.
Sólo en el primer cuarto del siglo XIX, editores estadounidenses imprimieron 10.000 piezas de música popular. La industria, sin embargo, no hizo nada para promover la música ni desarrollar escritores. Las canciones se hicieron populares de boca en boca. La mayoría de los grupos de juglares y cantantes profesionales escribieron su propia música o hicieron que escribieran canciones por encargo. Stephen Foster fue el primer compositor que intentó ganarse la vida como compositor profesional independiente pero, en la década de 1850, la protección de los derechos de autor era tan laxa y las regalías tan pequeñas (o inexistentes) que se encontró viviendo en la pobreza. Esto cambió sólo gradualmente a medida que los jóvenes involucrados en otras empresas comerciales comenzaron a percibir las posibilidades de enriquecimiento en la publicación de canciones.
Antes de la década de 1880, la publicación de música popular era una función secundaria de las tiendas de música o de los editores de música "serios" ( clásicos ). Después de 1880, los editores de Nueva York desarrollaron una técnica de promoción llamada plugging . Para 1900, la mayoría de los editores de música habían agrupado sus negocios a lo largo de 28th St. (entre 6th Ave. y Broadway ) para estar más cerca del próspero centro de entretenimiento de Nueva York. Esta zona llegó a ser conocida como Tin Pan Alley . La primera década del siglo XX vio la producción de más música popular de la que jamás se había escrito hasta ese momento: alrededor de 25.000 canciones al año. En 1893, la partitura de la canción "After the Ball" vendió un millón de copias y, durante los diez años siguientes, vendió un total de diez millones.
A pesar de la promulgación de nueva legislación estadounidense sobre derechos de autor, incluida la Ley Chace de 1891 , que permitía la protección internacional de los derechos de autor, las disposiciones de la Ley de Derechos de Autor de 1909 fueron generalmente ignoradas. Para corregir esta situación, el compositor de opereta Victor Herbert estableció la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores (ASCAP) en 1914. Rápidamente atrajo a compositores destacados como Irving Berlin y John Philip Sousa , y pudo garantizar que todos recibieran un pago adecuado. y acreditados por su trabajo.
Hay muchos aspectos de la publicación de música. El principal de ellos es la concesión de licencias de música para su uso en publicidad, televisión, películas y otros fines. La publicación musical comenzó siendo simplemente la publicación de la partitura real, y ni siquiera la partitura. Se hicieron partituras que sólo tenían la letra de una canción popular. En el siglo XIX, las partituras para canciones comenzaron a incluir un acompañamiento de piano simple y notación para la melodía de la canción. En la década de 2010, la publicación musical es la explotación de composiciones (canciones, piezas instrumentales y otra música) para diversos usos interpretativos, incluidos usos más nuevos, como la concesión de licencias para videojuegos, para uso de artistas que graban en busca de su próximo sencillo exitoso y para su uso. en una variedad de propósitos de concesión de licencias.
Dentro de la edición musical existen muchos tipos diferentes de licencias. Por ejemplo:
Una licencia general es una tarifa anual que se paga a una de las principales organizaciones de derechos de ejecución (PRO) ( SESAC , ASCAP o BMI ). La licencia general pagada al PRO cubre todas las obras que se encuentran en el catálogo del PRO. Las licencias generales son utilizadas principalmente por cadenas de televisión y estaciones de radio para que tengan derecho a reproducir cualquier canción o pieza de un catálogo en lugar de pagar tarifas de licencia por cada canción individualmente. [10]
Se emite una licencia mecánica cuando un artista desea vender su grabación de una composición escrita. Sirve como aviso a los propietarios de la composición de que se realizarán ventas y de que se les adeudarán y pagarán regalías dictadas por una tasa legal.
Una licencia de derechos de interpretación (PRO) es la licencia que le otorga al licenciatario el derecho de interpretar públicamente la canción/obra. [10]
Por último, una licencia de sincronización otorga el derecho a utilizar la composición en la sincronización de una grabación sobre una imagen en movimiento en una película, anuncio, programa de televisión o cualquier otra obra audiovisual. Para el mismo uso de sincronización, también se debe obtener una licencia de uso maestra, que otorga derechos de uso de la grabación sonora, que es un activo de propiedad separada de la composición.
Un editor de música negocia los usos y tarifas de los compositores y compositores de su lista. En la década de 2010, las editoriales son una fuente principal de ingresos además de las giras en vivo, porque las licencias de sincronización han persistido como una fuente de ingresos sustancial, mientras que la industria de la música experimentó cambios que hicieron que su fuente de ingresos anteriormente dominante, las ventas de discos, disminuyeran constantemente.
La invención y el desarrollo de la grabación de sonido dieron como resultado una redefinición del concepto de publicación, de la misma manera que las tiendas de música en línea en la década de 2000 revolucionarían más tarde la forma en que se compran las grabaciones. Inicialmente, la música popular tardó en aprovechar la nueva tecnología. En 1910, cuando las ventas del nuevo formato de disco superaban a las del antiguo cilindro, más del 75% de los discos vendidos eran de música clásica. Un factor en esto pudo haber sido el gasto, que habría concentrado las ventas entre los compradores más exclusivos. Hasta 1925, las ventas de partituras siguieron superando a las de los discos y fueron la principal fuente de ingresos para editores y compositores. En ese momento, las ventas de partituras comenzaron a disminuir mientras que los discos todavía proporcionaban ingresos insuficientes para compensar. Esto provocó problemas económicos breves pero graves para algunos editores.
Samuel Fox (1884-1971) , fundador de Sam Fox Publishing Company en 1906, fue el primero en publicar bandas sonoras originales de películas. [11] En 1927, después del lanzamiento de The Jazz Singer (el primer cine sonoro ), la necesidad de música llevó a los estudios de cine a comprar editoriales musicales, obteniendo al mismo tiempo catálogos de música y compositores experimentados. Por ejemplo, en 1929, Warner Brothers pagó 10 millones de dólares por Harms , Witmark y Remick ; MGM compró Leo Feist Inc. y algunas empresas más pequeñas; Paramount inició su propia división editorial, Famous Music .
