Un retrato de donante o retrato votivo es un retrato en una pintura u otra obra de mayor tamaño que muestra a la persona que encargó y pagó la imagen, o a un miembro de su familia (o (mucho más raramente) de ella). El retrato de donante suele referirse al retrato o retratos de donantes solos, como una sección de una obra más grande, mientras que el retrato votivo a menudo puede referirse a una obra de arte completa concebida como un exvoto , incluida, por ejemplo, una Virgen, especialmente si el donante es muy prominente. Los historiadores del arte no utilizan estos términos de manera muy consistente, como señala Angela Marisol Roberts [1] , y también pueden usarse para temas religiosos más pequeños que probablemente se hicieron para que el comisionado los conservara en lugar de donarlos a una iglesia.
Los retratos de donantes son muy comunes en las obras de arte religiosas, especialmente en las pinturas, de la Edad Media y el Renacimiento ; el donante suele aparecer arrodillado a un lado, en el primer plano de la imagen. A menudo, incluso a finales del Renacimiento, los retratos de donantes, especialmente cuando se trata de una familia entera, se realizan a una escala mucho menor que las figuras principales, desafiando la perspectiva lineal . A mediados del siglo XV, los donantes comenzaron a aparecer integrados en la escena principal, como espectadores e incluso participantes.
El propósito de los retratos de donantes era conmemorar al donante y su familia, y especialmente solicitar oraciones por ellos después de su muerte. [2] Los obsequios a la iglesia de edificios, retablos o grandes áreas de vidrieras a menudo iban acompañados de un legado o condición de que se dijeran misas por el donante a perpetuidad, y se pensaba que los retratos de las personas en cuestión alentaban las oraciones en su nombre durante estas y otras ocasiones. Exhibir retratos en un lugar público también era una expresión de estatus social; los retratos de donantes se superponían con los monumentos funerarios en las iglesias, la otra forma principal de lograr estos fines, aunque los retratos de donantes tenían la ventaja de que el donante podía verlos exhibidos en vida.
Además, los retratos de donantes en la pintura de los primeros Países Bajos sugieren que su propósito adicional era servir como modelos a seguir para el espectador orante durante su propia meditación y oración emocional, no para ser imitados como personas ideales como los santos pintados, sino para servir como un espejo para que el receptor reflexione sobre sí mismo y su estado pecaminoso, lo que idealmente lo lleva a un conocimiento de sí mismo y de Dios. [4] Hacerlo durante la oración está de acuerdo con los conceptos de oración de finales de la Edad Media, plenamente desarrollados por la Devoción Moderna . Este proceso puede intensificarse si el espectador orante es el propio donante. [5]
Cuando se financiaba un edificio entero, se podía incluir una escultura del mecenas en la fachada o en otro lugar del edificio. La Madonna de Rolin de Jan van Eyck es una pequeña pintura en la que el donante, Nicolas Rolin, comparte el espacio de la pintura por igual con la Virgen y el Niño, pero Rolin había donado grandes sumas a su iglesia parroquial, donde estaba colgada, lo que está representado por la iglesia sobre sus manos en oración en el paisaje urbano detrás de él. [6]
En ocasiones, como en el retablo de Gante , los donantes se mostraban en la vista cerrada de un retablo con alas móviles, o en ambos paneles laterales, como en el retablo de Portinari y el de Memlings de arriba, o solo en un lado, como en el retablo de Mérode . Si están en lados diferentes, los varones normalmente están a la izquierda para el espectador, la colocación honorífica de la mano derecha dentro del espacio de la imagen. En los grupos familiares, las figuras suelen estar divididas por género. También se encuentran grupos de miembros de cofradías , a veces con sus esposas. [7] Se pueden agregar miembros adicionales de la familia, de nacimientos o matrimonios, más tarde, y las muertes se pueden registrar mediante la adición de pequeñas cruces sostenidas en las manos entrelazadas. [8]
Al menos en el norte de Italia, además de los grandes retablos y frescos de los principales maestros que atraen la mayor parte de la atención histórica del arte, había un grupo más numeroso de pequeños frescos con un solo santo y donante en las paredes laterales, que eran propensos a ser repintados tan pronto como el número de velas encendidas frente a ellos disminuía, o un donante rico necesitaba el espacio para un gran ciclo de frescos, como se describe en un cuento del siglo XV de Italia: [9]
Y andando con el maestro albañil, examinando qué figuras dejar y cuáles destruir, el cura divisó un San Antonio y dijo: «Salvad ésta.» Después encontró una figura de San Sano y dijo: «Esta hay que deshacernos de ella, pues desde que yo soy Sacerdote aquí nunca he visto a nadie encender una vela delante de ella, ni me ha parecido nunca útil; por tanto, albañil, deshazte de ella.»
Los retratos de donantes tienen una historia continua desde la Antigüedad tardía , y el retrato del manuscrito del siglo VI, el Dioscurides de Viena, bien puede reflejar una tradición clásica de larga data, al igual que se cree que lo hacen los retratos de autor encontrados en el mismo manuscrito. Una pintura en las Catacumbas de Commodilla de 528 muestra una Virgen y un Niño entronizados flanqueados por dos santos, con Turtura, una donante femenina, frente al santo de la izquierda, que tiene su mano sobre su hombro; composiciones muy similares se estaban produciendo un milenio después. [10] Otra tradición que tenía un precedente precristiano eran las imágenes reales o imperiales que mostraban al gobernante con una figura religiosa, generalmente Cristo o la Virgen María en los ejemplos cristianos, con las figuras divinas y reales mostradas comunicándose entre sí de alguna manera. Aunque no ha sobrevivido ninguno, hay evidencia literaria de retratos de donantes en pequeñas capillas del período cristiano primitivo , [11] probablemente continuando las tradiciones de los templos paganos.
Los paneles de mosaico del siglo VI de la Basílica de San Vitale en Rávena del emperador Justiniano I y la emperatriz Teodora con cortesanos no son del tipo que muestra al gobernante recibiendo la aprobación divina, sino que cada uno muestra a uno de los miembros de la pareja imperial de pie con confianza con un grupo de asistentes, mirando al espectador. Su escala y composición son únicas entre las supervivencias a gran escala. También en Rávena, hay un pequeño mosaico de Justiniano, posiblemente originalmente de Teodorico el Grande en la Basílica de Sant'Apollinare Nuovo . En la Alta Edad Media , un grupo de retratos en mosaico en Roma de Papas que habían encargado la construcción o reconstrucción de las iglesias que los contenían muestran figuras de pie sosteniendo modelos del edificio, generalmente entre un grupo de santos. Gradualmente, estas tradiciones se abrieron camino hacia abajo en la escala social, especialmente en los manuscritos iluminados , donde a menudo son retratos del propietario, ya que los manuscritos se conservaban para su uso por la persona que los encargaba. Por ejemplo, una capilla en Mals, en el Tirol del Sur, tiene dos figuras de donantes en frescos de antes de 881, una laica y la otra de un clérigo tonsurado sosteniendo una maqueta de un edificio. [12] En los siglos posteriores, los obispos, abades y otros clérigos fueron los donantes más comúnmente representados, aparte de la realeza, y siguieron estando representados de forma destacada en períodos posteriores. [13]
Los retratos de donantes de nobles y ricos hombres de negocios se hicieron comunes en los encargos del siglo XV, al mismo tiempo que el retrato sobre tabla comenzaba a ser encargado por esta clase, aunque tal vez haya más retratos de donantes en obras más grandes de iglesias que sobrevivieron de antes de 1450 que retratos sobre tabla. Un formato flamenco muy común de mediados de siglo era un pequeño díptico con una Virgen con el Niño, generalmente en el ala izquierda, y un "donante" en la derecha; en este caso, el donante era el propietario, ya que normalmente se pretendía que estos se guardaran en la casa del sujeto. En estos, el retrato puede adoptar una pose de oración, [14] o puede posar más como el sujeto en un retrato puramente secular. [15] El Díptico Wilton de Ricardo II de Inglaterra fue un precursor de estos. En algunos de estos dípticos, el retrato del propietario original ha sido sobrepintado con el de uno posterior. [16]
Una convención particular en los manuscritos iluminados era el "retrato de presentación", en el que el manuscrito comenzaba con una figura, a menudo arrodillada, que presentaba el manuscrito a su dueño, o a veces al dueño que encargaba el libro. La persona que presentaba podía ser un cortesano que hacía un regalo a su príncipe, pero a menudo era el autor o el escriba, en cuyo caso el destinatario había pagado realmente por el manuscrito. [17]
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Durante la Edad Media, las figuras de los donantes se representaban a menudo en una escala mucho más pequeña que las figuras sagradas; un cambio que Dirk Kocks data del siglo XIV, aunque se pueden encontrar ejemplos anteriores en manuscritos. [18] Una convención posterior fue que las figuras tuvieran aproximadamente tres cuartas partes del tamaño de las principales. A partir del siglo XV, los pintores neerlandeses primitivos como Jan van Eyck integraron, con distintos grados de sutileza, retratos de donantes en el espacio de la escena principal de los retablos, a la misma escala que las figuras principales.
Un estilo comparable se puede encontrar en la pintura florentina de la misma fecha, como en la Santísima Trinidad de Masaccio (1425-28) en Santa Maria Novella , donde, sin embargo, los donantes se muestran arrodillados en un alféizar fuera y debajo del escenario arquitectónico principal. [19] Esta innovación, sin embargo, no apareció en la pintura veneciana hasta el cambio de siglo siguiente. [20] Normalmente, las figuras principales ignoran la presencia de los intrusos en las escenas narrativas, aunque los santos que están de pie pueden poner una mano de apoyo en el hombro en un panel lateral. Pero en temas devocionales como una Virgen con el Niño , que era más probable que estuvieran destinados a la casa del donante, las figuras principales pueden mirar o bendecir al donante, como en el Memling que se muestra.
Antes del siglo XV, no era frecuente que se intentara o se consiguiera una semejanza física; en cualquier caso, es posible que los individuos representados no estuvieran disponibles para el artista, o incluso que no estuvieran vivos. [21] A mediados del siglo XV, esto ya no era así, y a menudo se puede ver a donantes de los que sobreviven otras semejanzas retratados con cuidado, aunque, como en el Memling mencionado anteriormente, las hijas en particular suelen aparecer como bellezas estandarizadas en el estilo de la época. [22]
En las escenas narrativas comenzaron a incorporarse a las figuras de la escena representada, tal vez una innovación de Rogier van der Weyden , donde a menudo se los puede distinguir por su costosa vestimenta contemporánea. En Florencia, donde ya existía una tradición de incluir retratos de notables de la ciudad en escenas de multitudes (mencionada por Leon Battista Alberti ), la Procesión de los Reyes Magos de Benozzo Gozzoli (1459-61), que ciertamente estaba en la capilla privada del Palacio Medici , está dominada por la glamorosa procesión que contiene más retratos de los Medici y sus aliados de los que ahora se pueden identificar. En 1490, cuando se completó el gran ciclo de frescos de la Capilla Tornabuoni de Domenico Ghirlandaio , los miembros de la familia y los aliados políticos de los Tornabuoni pueblan varias escenas en cantidades considerables, además de los convencionales retratos arrodillados de Giovanni Tornabuoni y su esposa. [24] En un pasaje frecuentemente citado, John Pope-Hennessy caricaturizó a los donantes italianos del siglo XVI: [25]
La moda del retrato colectivo creció y creció... el estatus y el retrato se entrelazaron inextricablemente, y no había casi nada que los clientes no hicieran para entrometerse en las pinturas: apedreaban a las mujeres sorprendidas en adulterio, limpiaban los restos de los martirios, servían en la mesa de Emaús o en la casa del fariseo. Los ancianos de la historia de Susana eran algunas de las pocas figuras que los venecianos respetables no estaban dispuestos a imitar... la única contingencia que no previeron fue lo que realmente ocurrió, que sus rostros sobrevivirían pero sus nombres se extraviarían.
En Italia, los donantes o propietarios rara vez fueron representados como las principales figuras religiosas, pero en las cortes del norte de Europa hay varios ejemplos de esto a finales del siglo XV y principios del XVI, principalmente en pequeños paneles no destinados a la exhibición pública. [8] [26] El más notorio de estos es la representación como la Virgen lactans (o simplemente post- lactans ) de Agnès Sorel (fallecida en 1450), la amante de Carlos VII de Francia , en un panel de Jean Fouquet . [27]
Los retratos de donantes en obras para iglesias y la heráldica demasiado prominente fueron desaprobados por los intérpretes clericales de los vagos decretos sobre el arte del Concilio de Trento , como San Carlos Borromeo , [28] pero sobrevivieron hasta bien entrado el período barroco y desarrollaron un equivalente secular en la pintura histórica , aunque aquí eran a menudo las figuras principales a las que se les daban los rasgos del comitente. Un ejemplo muy tardío del antiguo formato neerlandés del tríptico con los donantes en los paneles laterales es el Tríptico Rockox de Rubens de 1613-15, que antaño estaba en una iglesia sobre la lápida de los donantes y ahora se encuentra en el Museo Real de Bellas Artes de Amberes . El panel central muestra la Incredulidad de Tomás ("Tomás el incrédulo") y la obra en su conjunto es ambigua en cuanto a si los donantes están representados ocupando el mismo espacio que la escena sagrada, con diferentes indicaciones en ambas direcciones. [29]
Otro desarrollo secular fue el retrato histórico , en el que grupos de retratados posaban como figuras históricas o mitológicas. Uno de los grupos más famosos y llamativos de retratos de donantes barrocos son los de los miembros masculinos de la familia Cornaro , que se sientan en palcos como si estuvieran en el teatro a ambos lados del retablo esculpido del Éxtasis de Santa Teresa (1652) de Gian Lorenzo Bernini . Estos se derivaron de los frescos de Pellegrino Tibaldi un siglo antes, que utilizan el mismo concepto. [30]
Aunque los retratos de donantes han sido relativamente poco estudiados como género diferenciado, en los últimos años ha habido más interés y un debate sobre su relación, en Italia, con el surgimiento del individualismo con el Renacimiento temprano, y también sobre los cambios en su iconografía después de la Peste Negra de mediados del siglo XIV. [31]
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![Un próspero fabricante de vidrio y su familia, 1596. Los cinco niños que sostienen cruces habían muerto; los dos que vestían prendas blancas con ribetes negros aparentemente antes de que se hiciera la pintura; en los otros las cruces probablemente se añadieron más tarde.[32]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/06/Glasmacherfamilie_Familie_Friedrich_mit_Kreuz_1596.jpg/1280px-Glasmacherfamilie_Familie_Friedrich_mit_Kreuz_1596.jpg)