Un dibujante (o dibujante ) es un artista que trabaja en la creación de cómics , novelas gráficas y formas de arte visual similares, centrándose en las ilustraciones iniciales a lápiz, generalmente en colaboración con otros artistas, que proporcionan tintas, colores y letras. en el libro, bajo la supervisión de un editor.
En la industria del cómic estadounidense , el dibujante es el primer paso para representar la historia en forma visual, [1] y puede requerir varios pasos de retroalimentación con el escritor. Estos artistas se preocupan por el diseño (posiciones y perspectivas en las escenas) para mostrar los pasos de la trama.
Un dibujante trabaja con lápiz . Sin embargo, más allá de esta descripción básica, diferentes artistas optan por utilizar una amplia variedad de herramientas diferentes. Si bien muchos artistas utilizan lápices de madera tradicionales, otros prefieren portaminas o minas de dibujo. Los dibujantes pueden usar la dureza de mina que deseen, aunque muchos artistas usan una mina más dura (como una 2H ) para hacer líneas claras para los bocetos iniciales, y luego recurren a una mina ligeramente más suave (como una HB ) para las fases finales del dibujo. Otros artistas hacen sus diseños iniciales utilizando un lápiz de color azul claro porque ese color tiende a desaparecer durante la fotocopia .
La mayoría de las páginas de los cómics estadounidenses están dibujadas a gran tamaño en grandes hojas de papel, normalmente cartón Bristol . [2] El tamaño habitual de las páginas de cómics en la principal industria del cómic estadounidense es de 11 por 17 pulgadas. El entintador generalmente trabaja directamente sobre las marcas de lápiz del dibujante, aunque ocasionalmente las páginas se entintan en papel translúcido , como la vitela de dibujo , preservando los lápices originales. Posteriormente, la obra de arte se reduce fotográficamente de tamaño durante el proceso de impresión. Con la llegada de programas de ilustración digital como Photoshop , cada vez se producen más obras de arte digitalmente, ya sea en parte o en su totalidad (ver más abajo).
Desde 1949 hasta su jubilación, Jack Kirby trabajó en un estudio en el sótano de tres metros de ancho al que su familia llamaba "The Dungeon". Al comenzar con una pieza limpia de tablero de Bristol, primero dibujaba las líneas del panel con una escuadra en T. [3]
Arthur Adams comienza a dibujar diseños en miniatura del guión que le dan, ya sea en casa o en un lugar público. Las miniaturas varían en tamaño desde 2 pulgadas x 3 pulgadas hasta la mitad del tamaño del cómic impreso. Luego, él o un asistente ampliarán las miniaturas y las trazarán en el tablero de ilustración con un lápiz azul que no sea fotográfico , a veces usando un lápiz Prismacolor azul claro, porque no es demasiado ceroso y se borra fácilmente. Cuando trabaja en el tablero de ilustración final, lo hace en un tablero de dibujo grande cuando está en su estudio del sótano y en una computadora portátil cuando está sentado en el sofá de su sala. Después de calcar las miniaturas, aclarará los detalles con otro lápiz azul claro y finalizará los detalles con un lápiz número 2 . Dibujó los primeros tres capítulos de " Jonni Future " al doble del tamaño del cómic impreso, y también dibujó el quinto capítulo, "El jardín de Sklin", en un tamaño mayor que el estándar, para brindar más detalles de lo habitual en esos cuentos. Para una imagen de póster grande con multitud de personajes, repasará los contornos de las figuras con un marcador para enfatizarlos. Utilizará referencias fotográficas cuando sea apropiado, como cuando dibuja cosas a las que no está acostumbrado. [4] [5] Debido a que una parte importante de sus ingresos se deriva de la venta de su obra de arte original, se muestra reacio a aprender a producir su trabajo digitalmente. [6]
Se sabe que Jim Lee usa mina F para sus trabajos con lápiz. [7] [8]
J. Scott Campbell hace su lápiz con un portalápices y una mina Sanford Turquoise H , que utiliza por su suavidad y oscuridad, y por su capacidad de proporcionar una sensación de "incompleto", con una cantidad mínima de manchas de mina en polvo. Utiliza esta mina porque logra un equilibrio entre lo demasiado duro y, por lo tanto, no lo suficientemente oscuro en la página, y lo demasiado blando, y por lo tanto propenso a mancharse y desmoronarse. Campbell evita a su competidor más cercano porque lo encuentra demasiado ceroso. Campbell también ha utilizado plomo HB y plomo F. Mantiene el filo del plomo con un afilador Berol Turquesa, cambiándolos cada cuatro a seis meses, lo que considera que es la duración de su capacidad de afilado. [9] Campbell usa una combinación de borradores Magic Rub, barras de borrador y, desde que comenzó a entintar su trabajo digitalmente, un borrador eléctrico Sakura . A menudo afila el borrador hasta un borde arrinconado para realizar trabajos finos y detallados. [10]
Travis Charest utiliza principalmente plomo 2H para evitar manchas y, a veces, plomo HB . Anteriormente ilustraba en tableros de ilustraciones regulares proporcionados por los editores, aunque no le gustaban las líneas azules que no eran fotografías impresas en ellos. En el año 2000, cambió al tablero Crescent para todo su trabajo, porque no se deforma cuando está mojado, produce ilustraciones más nítidas y es más adecuado para enmarcar porque carece de las líneas azules que no son fotográficas. [11] Charest generalmente prefiere no emplear prácticas de boceto preliminares, como diseños, miniaturas o cajas de luz , en parte debido a la impaciencia y en parte porque disfruta de la naturaleza fortuita en la que se desarrolla la obra de arte cuando se produce con mayor espontaneidad. [12] También prefiere utilizar referencias sólo cuando representa objetos que requieren un grado de precisión de la vida real, como armas, vehículos o personajes de propiedades autorizadas que deben parecerse a actores con los que están estrechamente identificados, como cuando ilustró el portada de Star Trek: La próxima generación: Abraza al lobo en 2000. [13]
El proceso de dibujo a lápiz que emplea el artista Adam Hughes para su trabajo de portada es el mismo que usa cuando hace bocetos para los fanáticos en las convenciones, con la principal diferencia de que cubre el trabajo en su cuaderno de bocetos, antes de transferir el dibujo a una mesa de arte virgen con una caja de luz. , [14] mientras que él hace dibujos convencionales en Strathmore Bristol de 11 x 14, ya que prefiere dibujar a lápiz sobre la superficie más rugosa de vitela en lugar de papel liso, prefiriendo papel más liso solo para entintar con pincel. [15] Hace bocetos preliminares con un portaminas , [16] porque siente que los lápices normales se desgastan demasiado rápido. Como explicó durante una demostración de bocetos en una convención de cómics, durante este proceso utiliza una mina Sanford Turquoise 4B , una mina blanda, aunque cuando trabaja en su casa en Atlanta, donde el clima húmedo tiende a humedecer el papel, a veces usa una Plomo B o plomo 2B , que actúa como un 4B en ese entorno. [15] Sin embargo, su sitio web explica que utiliza plomo 6B, con algunas variaciones. Para piezas realizadas íntegramente a lápiz, emplea una variedad de minas de distintos grados de dureza. [17] Después de oscurecer las líneas de construcción que desea conservar, borra las más claras con una goma de borrar amasada antes de representar mayores detalles. [16] Para borrados más detallados, utiliza un borrador blanco en forma de lápiz , y para borrar áreas grandes, usa un borrador blanco de mano más grande, el plástico Staedtler Mars, al que llama "borrador termonuclear", porque "se encarga de todo". [15]
El artista y ex editor en jefe de Marvel Comics, Joe Quesada, comienza con bocetos mucho más pequeños que el tamaño real con el que representará el dibujo final. Emplea una tableta de dibujo Cintiq cuando desea realizar un diseño digital "más ajustado" de una ilustración. Al dibujar figuras, a veces utiliza referencias fotográficas e incorpora las fotografías directamente en sus bocetos durante el proceso de finalización del diseño. Una vez que toma una decisión final sobre el diseño, lo imprime a tamaño completo y usa una caja de luz para dibujarlo, a veces alterando elementos del diseño como la iluminación u otros detalles. [18] [19]
Bryan Hitch comienza con múltiples bocetos empleando diferentes ángulos de cámara sobre papel con un lápiz azul, que tradicionalmente no fotocopia ni escanea, y luego selecciona los elementos deseados del boceto con un lápiz de grafito. Después de elegir las formas iniciales, enfatizará aún más sus selecciones con bolígrafos de colores y seguirá intentando diferentes variaciones. Luego, dependiendo de qué tan tarde sea el día, volverá a dibujar la ilustración en una hoja de papel de diseño o usará su caja de luz para ajustar y limpiar el dibujo, enfatizando que la caja de luz no debe ser un mero ejercicio de calco, sino una oportunidad para refinar o cambiar elementos en el dibujo para hacerlo lo suficientemente "limpio" como para entintarlo. [20]
Cuando Hitch transfiere el dibujo al tablero de arte final, hace los diseños iniciales con un lápiz 2H, que en su opinión proporciona la precisión y el detalle necesarios, y utiliza un lápiz azul borrable para marcar los marcos de los paneles y los puntos de fuga , que introduce después del boceto. escenario. Prefiere no dedicar demasiado tiempo ni pulir esta etapa, prefiriendo trabajar de forma rápida, ligera e instintiva. En esta etapa utiliza un portaminas con mina 2H de 0,9 mm para contornos finos y trabajos de detalle, y un lápiz tradicional para trabajos más orgánicos, que incluyen líneas más suaves, sombrear áreas grandes y crear movimientos más fluidos. La "mejor herramienta de todas", según él, es un lápiz tradicional cortado con un cuchillo artesanal , que, según él, puede producir una variedad de marcas y usarse para detalles, sombreado y bocetos generales. Hitch cree que los mejores resultados combinan el lápiz tradicional, mecánico y afilado con cuchillo. [20]
Hitch es particular sobre el espacio de trabajo de su estudio, que no contiene televisor ni sofá, y afirma que tales cosas pertenecen al salón para relajarse. A pesar de utilizar una mesa de dibujo profesional, subraya que cualquier tabla económica y lo suficientemente grande como para contener el papel es suficiente, ya que normalmente utiliza un trozo de tablero de partículas toscamente cortado que se apoya en el borde de su escritorio. Utiliza una computadora de escritorio Apple iMac , un escáner de superficie plana y Photoshop para modificar su obra de arte digitalmente. [20]
A diferencia del entorno de trabajo de Hitch, el artista Simone Bianchi dice que él no puede trabajar a menos que esté escuchando música, lo que hace a través de parlantes estéreo colocados encima de su mesa de dibujo, y de una extensa colección de música en su estudio. Bianchi utiliza extensas referencias fotográficas y una caja de luz para darle a su obra de arte un aspecto realista. Utiliza una tabla de dibujo de madera que solía dibujar en posición plana, pero que la inclinó debido al dolor de espalda que comenzó a tener en 2006. [21]
Otro artista que escucha música mientras trabaja es Marc Silvestri , quien dice que escucha música chill down-tempo mientras trabaja, en contraste con el rock alternativo que escucha en otros momentos. [22]
En la página Biografía y bibliografía de su sitio web, Erik Larsen explica que utiliza un lápiz Staedtler Mars Lumograph 100 2H y un borrador Staedtler Mars Plastic Eraser. [23] Sin embargo, en la página de Preguntas frecuentes del sitio, afirma que usa un lápiz Dixon Ticonderoga #2 estándar con mina HB y explica: "Es muy blando, pero no me ralentiza como lo haría un lápiz más duro". ". [24]
Mientras lee cada página de un guión, la artista Amanda Conner hace pequeños bocetos en miniatura con muñecos de palitos correspondientes a la historia indicada en cada página, para ayudarla a diseñar el diseño de la página. Luego hace bocetos más detallados y elaborados, aunque todavía bastante pequeños en comparación con la obra de arte terminada, [25] aproximadamente 4 x 6 pulgadas (100 mm x 150 mm), [26] y luego los amplia en una fotocopiadora a la posición adecuada. tamaño original del cómic, que es de 10 pulgadas x 15 pulgadas. Luego usa "lápices muy apretados" para colocarlo en una caja luminosa sobre una cartulina Bristol , si tiene la intención de que su esposo y colaborador, Jimmy Palmiotti, lo entinte, pero hará los lápices "más claros y sueltos" si tiene la intención de entintarlo ella misma. , ya que ya sabe cómo quiere que se represente la obra de arte. [25] Conner ha creado su propio formato de papel y línea azul en su papel de dibujo porque, explica, le gusta tener esas configuraciones preimpresas en la página y siente que "a veces lo áspero tiene demasiados dientes y lo liso es demasiado hábil." La culata que utiliza es la serie Strathmore 500 de 10 x 15 pulgadas (250 mm x 380 mm), pero también pide una culata personalizada de 8 x 12 pulgadas (200 mm x 300 mm) porque a veces encuentra esas dimensiones más cómodas y más fácil de trabajar más rápidamente. También considera que la serie Strathmore 300 es "bastante buena", le gusta su textura agradable y su mayor asequibilidad, pero dice que ocasionalmente debe contentarse con obtener un "lote sangriento". Conner usa portaminas con mina de 0,03 porque le resulta más fácil de usar que los lápices normales que requieren que se detenga y los afile con frecuencia. [26]
Una vez que el artista Gene Ha obtiene un guión, hace "pequeños" bocetos en miniatura de cada página y luego hace bocetos de diseño en copias reducidas de cartulina de cómic, dos por página. Es en esta etapa cuando determina el equilibrio claro/oscuro de la página. Aunque dice que alrededor del 90% de sus obras de arte están realizadas sin referencia fotográfica, a veces fotografía a sus amigos posando como los personajes centrales o usa un espejo de cuerpo entero para dibujarse a sí mismo. Representa personajes menores de su imaginación. Independientemente de la cantidad de luz solar que reciba en un día determinado, prefiere utilizar una lámpara fotográfica incandescente de 500 W, aunque cree que una lámpara halógena de 500 W también es adecuada. Prefiere utilizar un portaminas con mina H para dibujar y mina 2B para sombrear, que afila con un puntero giratorio, creyendo que dichas minas se pueden afilar mejor que un lápiz tradicional. Amplia un escaneo de cada diseño de página a 8,5 × 11 pulgadas (220 mm × 280 mm) y dibuja lápices "apretados" encima de estos, que luego se escanean e imprimen en 11 × 17 pulgadas (280 mm × 430 mm) papel para inyección de tinta con una línea azul tenue . Prefiere el papel Xerox porque cree que la superficie del papel marcador tiende a emborronarse o a engrasarse. Al importar arte para modificarlo en su computadora, usa Photoshop . [27]
El artista Jason Shiga pintó su novela gráfica de 2011 Empire State: A Love Story (Or Not) con un lápiz amarillo número 2 sobre papel de copia, antes de transferirlo con tinta cepillada a través de una caja de luz. [28]
El artista Jonathan Luna utiliza un tablero Strathmore Bristol de 14 x 17, que corta en piezas de 11 x 17 para dibujar. Dibuja usando un lápiz 2H y, después de entintar sus lápices con un bolígrafo Micron , edita sus líneas en una tableta gráfica. [29]
El artista Marcio Takara comienza sus páginas con bocetos en tinta de 7 x 5 pulgadas (180 mm x 130 mm) en miniatura con los que muestra sus ideas generales a su editor. Cuando comienza con los lápices reales, los mantiene "sueltos", porque eventualmente él mismo los entintará y no requiere mayor especificidad. La etapa de dibujo a lápiz es la etapa más rápida para Takara, quien hace todo su trabajo con lápiz con un portaminas HB 0.5 , completando dos o tres páginas escritas a lápiz por día, a veces incluso entintando las tres al final del día. [30]
Frank Cho produce su obra de arte en Strathmore Serie 300 Bristol Pad, que tiene una superficie de vitela . Para dibujar su obra de arte, Cho utiliza un portaminas Pentel con mina HB de 0,7 mm . Para borrar, utiliza tanto un borrador Vanish como un borrador amasado . [31]
El artista Chris Samnee utiliza tablero Strathmore Bristol de dos capas de la serie 300. No utiliza lápices azules que no sean fotográficos ni ningún otro equipo comprado en tiendas especializadas para realizar bocetos preliminares, sino que utiliza portaminas de 0,9 mm que compra en Target . [32] Describe sus lápices como "simplemente horribles" y los entinta él mismo, ya que no puede imaginarse dárselos a otra persona para que los entinte. [33]
El escritor y artista Chuck Austen hizo su trabajo en Elektra completamente en una computadora. Prefiere utilizar principalmente Macintosh, pero también utiliza PC . Cuando usa una Mac, usa Ray Dream Studio y cuando usa una PC, usa 3D Studio Max . Estos le permiten tomar modelos tridimensionales y dividirlos en formas simplificadas de líneas de dos tonos. Compra los modelos de catálogos o usa modelos que creó para Strips usando Hash o Animation:Master . Después de importar los modelos a Studio o Max , organiza los ángulos y otros aspectos de la escena antes de renderizarlos, como la colocación de objetos de fondo o la modificación de gestos, mientras el ordenador corrige elementos como la perspectiva , los escorzos , las proporciones, etc. Los archivos se renderizan a satisfacción de Austen, los ensambla en forma de página usando Photoshop , completando detalles que los programas de modelado no pueden perfeccionar, como expresiones faciales, cabello, relleno de negros, renderizado de ropa y arrugas, etc. Para terminar el arte, Imprima los "lápices" directamente en la cartulina Bristol y finalícelos con un lápiz HB Tombow y entinte con una punta n.º 2, o aplicará los acabados en Photoshop. [34]
Scott McCloud también hace su trabajo casi en su totalidad en una tableta . Aunque dibuja sus diseños a lápiz, el resto de su trabajo lo realiza digitalmente, explicando en su libro de 2006 Making Comics que no había utilizado materiales tradicionales como cartón Bristol, bolígrafos o pinceles en años. Después de esbozar los diseños, que según él son "bastante ajustados", e incluir el guión completo, los escanea en una tableta/monitor de 18 pulgadas para usarlos como guía para escribirles letras en Adobe Illustrator . Después de completar las letras, exporta los archivos a Photoshop, donde renderiza completamente el arte a una resolución de 1200 ppp , creando entre cinco y cincuenta capas de arte terminado antes de aplanarlo en un único mapa de bits en blanco y negro , además de una página en escala de grises . si es necesario. [35]
Otra artista que realiza su trabajo casi enteramente de forma digital es Fiona Staples , quien cambió a ese proceso varios años antes de comenzar su trabajo en Saga , aunque su proceso para esa serie es diferente a los anteriores, por lo que ella la caracteriza como "una intensa, experimento en curso." Comienza con miniaturas, dibujadas toscamente en plantillas de papel impresas. Durante esta etapa, Staples no utiliza referencias, pero lo hace más adelante en la etapa de entintado. Durante la etapa de miniatura, piensa mucho en los diseños y la puesta en escena, lo que la convierte, en sus palabras, en la parte más importante del proceso. Después de escanear las miniaturas, las amplía y las usa como lápices rudimentarios, y las "entinta" en Manga Studio y luego colorea el arte en Photoshop. Una de las ventajas que Staples ve en el trabajo digital es la capacidad de prescindir de lápices apretados en favor de hacer correcciones de manera ad hoc, ya que le resulta aburrido dibujar con lápiz con gran detalle y dibujar ese arte por segunda vez con tinta. [36]
Un dibujante de cómics suele trabajar en estrecha colaboración con el editor del cómic , quien encarga un guión al escritor y se lo envía al dibujante. [37] [38] [39]
Los guiones de cómics pueden adoptar diversas formas. Algunos escritores, como Alan Moore , producen esquemas completos, elaborados y extensos de cada página. Otros envían al artista sólo un esquema de la trama que consiste en nada más que una breve descripción de escenas clave con poco o ningún diálogo. Se sabía que Stan Lee prefería esta última forma y, por lo tanto, llegó a ser conocido como el Método Marvel . [40]
A veces, un escritor u otro artista (como un director de arte ) incluirá diseños básicos, llamados " desgloses ", para ayudar al dibujante en la composición de la escena. Si no se incluyen desgloses, corresponde al dibujante determinar el diseño de cada página, incluido el número de paneles, sus formas y sus posiciones. Incluso cuando estos detalles visuales están indicados por un guión, un dibujante puede sentir al dibujar la escena que hay una manera diferente de componer la escena y puede ignorar el guión, generalmente después de consultar con el editor y/o escritor. [41]
Algunos artistas utilizan un enfoque de lápiz flexible , en el que el dibujante no se preocupa mucho por reducir los caprichos del arte del lápiz, dejando que el entintador interprete la intención del dibujante. En esos casos, al dibujante generalmente se le atribuyen los " desgloses " o " diseños " y al entintador se le atribuye el "embellecimiento" o "finalizador". [42] [43] Según el ex editor de Marvel Gregory Wright , John Buscema era un destacado dibujante cuyos desgloses incluían todos los elementos estructurales esenciales que permitieron a los entintadores completar el arte. Otros dibujantes prefieren crear páginas detalladas, donde se indica cada matiz que esperan ver en el arte entintado. Esto se conoce como lápiz apretado . [43]