La escuela Kanō (狩野派, Kanō-ha ) es una de las escuelas de pintura japonesa más famosas . La escuela de pintura Kanō fue el estilo dominante desde finales del siglo XV hasta el período Meiji que comenzó en 1868, [1] momento en el que la escuela se había dividido en muchas ramas diferentes. La propia familia Kanō produjo una serie de artistas importantes a lo largo de varias generaciones, a los que se puede añadir un gran número de artistas no relacionados que se formaron en los talleres de la escuela. Algunos artistas se casaron con miembros de la familia y cambiaron sus nombres, y otros fueron adoptados. Según el historiador de arte japonés Robert Treat Paine, "otra familia que en línea de sangre directa produjo tantos hombres de genio ... sería difícil de encontrar". [2]
La escuela comenzó reflejando una renovada influencia de la pintura china , pero desarrolló un estilo de colores brillantes y contornos firmes para grandes paneles que decoraban los castillos de la nobleza que reflejaban tradiciones distintivamente japonesas, mientras continuaba produciendo pinturas monocromáticas con pincel en estilos chinos. Fue apoyada por el shogunato , representando efectivamente un estilo oficial de arte, que "en el siglo XVIII casi monopolizó la enseñanza de la pintura". [3] Se basó en la tradición china de la pintura literaria realizada por eruditos-burócratas , pero los pintores Kanō eran artistas firmemente profesionales, muy generosamente pagados si tenían éxito, que recibían una formación formal en el taller familiar, de manera similar a los pintores europeos del Renacimiento o el Barroco. [4] Trabajaron principalmente para la nobleza, los shogunes y los emperadores, cubriendo una amplia gama de estilos, temas y formatos. Inicialmente innovadores y en gran medida responsables de los nuevos tipos de pintura del período Azuchi-Momoyama (1573-1614), a partir del siglo XVII los artistas de la escuela se volvieron cada vez más conservadores y académicos en su enfoque.
La escuela fue fundada por Kanō Masanobu (1434-1530), que vivió mucho tiempo y era hijo de Kagenobu, un samurái y pintor aficionado. [6] Masanobu fue contemporáneo de Sesshū (1420-1506), un líder del resurgimiento de la influencia china, que había visitado China a mitad de su carrera, alrededor de 1467. Sesshū puede haber sido un estudiante de Shūbun , registrado alrededor de 1414 (como aprendiz) y 1465, otra figura clave en el resurgimiento de las tradiciones idealistas chinas en la pintura japonesa. [7] Masanobu comenzó su carrera en el estilo de Shūbun, y hay obras registradas entre 1463 y 1493. Fue nombrado artista de la corte del gobierno de Muromachi , y sus obras evidentemente incluían pinturas de paisajes con tinta china, así como pinturas de figuras y pájaros y flores. Sobreviven pocas obras de su mano; Incluyen una gran pantalla con una grúa en un paisaje nevado en Shinju-an , un subtemplo de Daitoku-ji . [8] El Zhou Maoshu apreciando lotos de estilo chino de Masanobu en el Museo Nacional de Kyushu (ilustrado a la izquierda) es un tesoro nacional de Japón .
Masanobu formó a sus hijos Kanō Motonobu (1476-1559) y al joven Yukinobu (o Utanosuke). A Motonobu se le atribuye generalmente el establecimiento de la técnica y el estilo distintivos de la escuela, o más bien de los diferentes estilos, que aportaron una línea más firme y contornos más fuertes a las pinturas que utilizaban las convenciones chinas. Se prestó menos interés a los efectos sutiles de recesión atmosférica que en los modelos chinos, y los elementos de la composición tienden a colocarse al frente del espacio del cuadro, consiguiendo a menudo efectos decorativos de una manera distintivamente japonesa. Motonobu se casó con la hija de Tosa Mitsunobu , el director de la escuela Tosa , que continuó el estilo japonés clásico yamato-e de temas principalmente narrativos y religiosos, y las pinturas de Kanō posteriormente también incluyeron temas japoneses más tradicionales típicos de esa escuela. [9]
La escuela fue fundamental en el desarrollo de nuevas formas de pintura para decorar los nuevos estilos de castillos de las nuevas familias de daimyōs (señores feudales) que surgieron en las luchas del período Azuchi-Momoyama de guerra civil que terminó con el establecimiento del shogunato Tokugawa en 1603. Los nuevos señores habían ascendido al poder mediante la habilidad militar, y en su mayoría carecían de inmersión en las sofisticadas tradiciones de la cultura japonesa cultivadas durante mucho tiempo en los monasterios budistas y la corte imperial. Los estilos audaces y vigorosos que usaban colores brillantes sobre un fondo dorado (fondo en pan de oro o pintura) atrajeron el gusto de estos mecenas, y se aplicaron a grandes biombos plegables ( byōbu ) y juegos de puertas corredizas ( fusuma ). En las habitaciones más grandiosas, la mayoría de las paredes estaban pintadas, aunque interrumpidas por vigas de madera, con algunos diseños que continuaban independientemente de estas. Muchos ejemplos en castillos se han perdido en incendios, ya sea accidentales o causados en la guerra, pero otros fueron pintados para monasterios, o donados a ellos desde castillos, que si sobrevivieron a los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial habrían tenido más posibilidades de sobrevivir.
Los temas comunes eran paisajes, a menudo como fondo para animales y dragones, o pájaros, árboles o flores, o composiciones con unas pocas figuras grandes, pero también se pintaron escenas panorámicas abarrotadas desde un punto de vista alto. [10] Los animales y plantas mostrados a menudo tenían un significado moral o quizás político que no siempre es obvio hoy en día; [11] el rollo de tinta de estilo chino de Kanō Eitoku de Chao Fu y su buey , ilustrado en la galería de abajo, ilustra una leyenda china y contiene una "moral confuciana [que] señala los peligros inherentes a la posición política", un mensaje muy actual para Japón en el período posterior a las guerras civiles disruptivas causadas por la ambición política desnuda. [12]
Algunos de los ejemplos más famosos de decoración de castillos se pueden encontrar en el Castillo Nijō en Kioto . En 1588 se dice que el señor de la guerra Toyotomi Hideyoshi montó una pasarela entre 100 biombos pintados como entrada a una fiesta de flores . [13] El hecho de que, a diferencia de los pergaminos, las puertas corredizas no estuvieran firmadas por convención, y los biombos solo rara vez, complica considerablemente el asunto de atribuir obras a pintores que podían pintar en varios estilos. [14] Al mismo tiempo, la escuela continuó pintando paisajes monocromos con tinta sobre seda para pergaminos colgantes en la tradición china, así como otros tipos de temas como retratos. Los tipos de pergaminos eran tanto verticales para colgar, con un respaldo generalmente de seda tejida gruesa, el formato chino tradicional que se convirtió en el más común en Japón en este período ( kakemono en japonés), y en el formato de pergamino largo horizontal ( emakimono ) como se usaba para libros. Muchos biombos y puertas también se pintaban en monocromo, especialmente para los monasterios, [15] y los pergaminos también se pintaban a todo color. Los pintores de tinta Kanō componían imágenes muy planas, pero equilibraban representaciones realistas impecablemente detalladas de animales y otros temas en primer plano con nubes abstractas, a menudo completamente en blanco, y otros elementos de fondo. El uso del espacio negativo para indicar distancia y dar a entender niebla, nubes, cielo o mar se extrae de los modos tradicionales chinos y es utilizado hermosamente por los artistas Kanō. Se obtienen pinceladas audaces y, por lo tanto, imágenes audaces en lo que a menudo es un medio muy sutil y suave. Estas pinturas de tinta monocromas pintadas con maestría contrastan con las formas de oro sobre papel casi llamativas pero no menos hermosas que estos artistas crearon para paredes y biombos.
Este biombo de ocho paneles atribuido a Eitoku, de alrededor de 1590, muestra el vigor del nuevo estilo de castillo de Momoyama, del que probablemente fue el principal responsable. Es un tesoro nacional de Japón en el Museo Nacional de Tokio y Paine lo describe como "típico por su composición apresurada, por su diseño de naturaleza pura y por la fuerza de las pinceladas individuales... Las áreas doradas en forma de nubes que representan la niebla se colocan arbitrariamente en el fondo y enfatizan la magnitud decorativa de lo que de otro modo sería el poderoso dibujo de formas de árboles gigantes". [16]
La pantalla es inusualmente grande y hay discontinuidades notables en la composición en los descansos entre (contando desde la izquierda) los paneles 2 y 3, 4 y 5, 6 y 7. Estos reflejan el formato original como un conjunto de cuatro puertas corredizas, lo que se puede deducir de esto y de los huecos cubiertos para los tiradores de las puertas. [17] Las discontinuidades serían mucho menos obvias si la pantalla estuviera colocada en un patrón de zigzag, como habría sido el caso normalmente. La pantalla utiliza la convención de "nube flotante" del arte japonés Yamato-e mucho más antiguo , donde las áreas que el artista elige no representar están ocultas debajo de un color sólido (aquí dorado) que representa la niebla. Los diseños de este tipo, dominados por un solo árbol enorme, se convirtieron en una composición común en la escuela, y este se puede comparar con la pantalla similar de un ciruelo de Sanretsu de unas décadas más tarde (ilustrada a continuación), que muestra una versión más sobria del primer estilo audaz de Momoyama. [18]
Kanō Eitoku (1543-1590), nieto de Motonobu y probablemente su alumno, fue el pintor más importante de esta generación y se cree que fue el primero en utilizar un fondo de pan de oro en pinturas de gran tamaño. Parece haber sido la figura principal en el desarrollo del nuevo estilo de castillo, pero aunque su importancia es bastante clara, hay pocas o ninguna atribución segura a él, especialmente a su mano únicamente; en las obras más grandes que se le atribuyen, probablemente trabajó junto con uno o más artistas de la escuela. [19] A pesar de tener dos hijos pintores, por sugerencia (si no por orden) de Toyotomi Hideyoshi , Eitoku adoptó a Kanō Sanraku (1561-1635), quien se casó con su hija y lo sucedió como director de la escuela. [20] Las obras de Sanraku (dos ilustradas aquí) en su mejor momento combinan la calidad contundente del trabajo de Momoyama con la representación tranquila de la naturaleza y el uso más refinado del color típico del período Edo . [21] Cuando Sanraku no tuvo hijos, casó a Kanō Sansetsu (1589-1651) con su hija y lo adoptó. Sansetsu y su escuela permanecieron en Kioto cuando la mayoría de los artistas de Kanō se mudaron a Edo (a menudo después de una convocatoria del shōgun ), y él continuó adhiriéndose al estilo de colores brillantes del período Momoyama. Su hijo Einō pintó en el mismo estilo, pero es más conocido por una historia biográfica de la pintura japonesa, que le dio a la escuela Kanō un lugar de honor. [22]
La gama de formas, estilos y temas que se establecieron a principios del siglo XVII continuó desarrollándose y perfeccionándose sin grandes innovaciones durante los dos siglos siguientes, y aunque la escuela Kanō fue la más exitosa en Japón, las distinciones entre su trabajo y el de otras escuelas tendieron a disminuir, ya que todas las escuelas trabajaron en una variedad de estilos y formatos, lo que hizo que la atribución de obras no firmadas a menudo no estuviera clara. [23] La escuela Kanō se dividió en diferentes ramas en Kioto y la nueva capital de Edo, que tuvo tres durante gran parte de este período: Kajibashi, Nakabashi y Kobikicho, llamadas así por sus ubicaciones en Edo. [24]
El último de los "tres pinceles famosos" de la escuela, junto con Motonobu y Eitoku, fue Kanō Tan'yū (originalmente llamado Morinobu, 1602-1674), que fue reconocido como un talento excepcional cuando era niño, asistiendo a una audiencia con el shōgun a la edad de 10 años y recibiendo un buen nombramiento oficial en 1617. Era nieto de Eitoku a través de su segundo hijo Kanō Takanobu (1572-1618), también un pintor importante; el hermano de Tan'yū, Yasunobu, fue adoptado en la línea principal de la familia. [25] Tan'yū dirigió la rama Kajibashi de la escuela en Edo y pintó en muchos castillos y el palacio imperial, en un estilo menos audaz pero extremadamente elegante, que sin embargo tendía a volverse rígido y académico en manos de imitadores menos talentosos. [26] Los mejores artistas de Kanō continuaron trabajando principalmente para la nobleza, con versiones cada vez más atrofiadas del estilo y la temática ya establecida, pero otros artistas formados en Kanō trabajaron para la nueva clase mercantil urbana y, con el tiempo, se pasaron a la nueva forma de impresión ukiyo-e . Hiroshige se encuentra entre los artistas de ukiyo-e cuyo trabajo muestra influencia de la escuela Kanō. [27] A pesar de la pérdida del mecenazgo oficial con el periodo Meiji, los artistas continuaron trabajando en el estilo Kanō hasta principios del siglo XX. Kanō Shōsen'in , que murió en 1880, era descendiente de la línea principal de la familia. Un seguidor tardío de la escuela fue Kanō Kazunobu (1816-1853), que adoptó el nombre como signo de su respeto y pintó una serie de grandes pergaminos de los 500 Arhats que recientemente han recibido un resurgimiento de la atención después de haber estado ocultos desde la Segunda Guerra Mundial. [28]
Varias pinturas de las escuelas que aún se encuentran en Japón están incluidas en la Lista oficial de Tesoros Nacionales de Japón (pinturas) . Del periodo Azuchi-Momoyama del siglo XV proviene el pergamino colgante de estilo chino Zhou Maoshu apreciando lotos de Kanō Masanobu (ilustrado arriba), [29] y un biombo de seis secciones de Kanō Hideyori de Visores de arce , un ejemplo temprano de Kanō con temática Yamato-e. [30] Del periodo Momoyama hay un conjunto de decoraciones de habitaciones en paredes, puertas y biombos de Kanō Eitoku y su padre Shōei, en el Jukō-in (alojamiento del abad) en el monasterio Daitoku-ji en Kioto; esto incluye las puertas con pájaros y flores de las cuatro estaciones ilustradas aquí. También de Eitoku es el biombo con un ciprés en el Museo Nacional de Tokio , [31] discutido e ilustrado arriba, y un par de biombos de seis paneles que muestran vistas panorámicas abarrotadas de escenas en y alrededor de la capital en un museo en Yonezawa, Yamagata . [32] De Kanō Naganobu hay un par de biombos (menos dos secciones perdidas en un terremoto en 1923 ) que muestran figuras relativamente grandes Alegría bajo flores de aronia , también en el Museo Nacional de Tokio. Otros artistas con obras en la lista, por ejemplo Hasegawa Tōhaku (siglo XVI) y Maruyama Ōkyo (siglo XIX), fueron formados por la escuela o de otra manera influenciados por ella. Muchas otras obras de la escuela han recibido la designación menor de Propiedades Culturales Importantes de Japón .
La siguiente lista es un grupo incompleto de figuras importantes de su época, en su mayoría de la propia familia Kanō; hubo muchos otros artistas llamados Kanō que mantuvieron vínculos con los diversos talleres familiares, y aún más que se formaron en uno de ellos antes de continuar sus carreras de forma independiente:
La familia de pintores Kanō fue fundada por Kanō Masanobu (1434-1530). A través de su padre, Kanō Kagenobu, se dice que Masanobu es descendiente de Kanō Muneshige , un samurái del período Kamakura del clan Kanō. [33] [34] [35] A través de este linaje, la familia Kanō descendería del clan Fujiwara a través del clan Kudō. [36]
La siguiente lista es de miembros biológicos de la familia Kanō y sus ramas.
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