Un dibujo de figura es un dibujo de la forma humana en cualquiera de sus diversas formas y posturas , utilizando cualquiera de los medios de dibujo . El término también puede referirse al acto de producir dicho dibujo . El grado de representación puede variar desde representaciones muy detalladas y anatómicamente correctas hasta bocetos sueltos y expresivos. Un dibujo del natural es un dibujo de la figura humana, tradicionalmente desnuda , a partir de la observación de un modelo vivo . La creación de dibujos del natural, o estudios del natural , en una clase del natural , ha sido un elemento importante en la formación tradicional de los artistas en el mundo occidental desde el Renacimiento.
Un dibujo de figura puede ser una obra de arte compuesta o un estudio de figura realizado en preparación para una obra más terminada, como una pintura. [1] : Cap. 8 El dibujo de figura es posiblemente el tema más difícil que un artista encuentra comúnmente, y cursos enteros están dedicados a este tema. La figura humana es uno de los temas más perdurables en las artes visuales, y puede ser la base del retrato , la ilustración , la escultura , la ilustración médica y otros campos.
Los artistas adoptan una variedad de enfoques para dibujar la figura humana. Pueden dibujar a partir de modelos vivos o de fotografías, [2] de títeres maniquíes o de la memoria y la imaginación. La mayoría de las instrucciones se centran en el uso de modelos en los cursos de "dibujo del natural". El uso de referencias fotográficas, aunque común desde el desarrollo de la fotografía , a menudo se critica o se desalienta por su tendencia a producir imágenes "planas" que no logran capturar los aspectos dinámicos del sujeto. El dibujo a partir de la imaginación a menudo se elogia por la expresividad que fomenta y se critica por las imprecisiones introducidas por la falta de conocimiento del artista o la memoria limitada al visualizar la figura humana; la experiencia del artista con otros métodos tiene una gran influencia en la efectividad de este enfoque.
Al desarrollar la imagen, algunos artistas se centran en las formas creadas por la interacción de valores claros y oscuros en las superficies del cuerpo. Otros adoptan un enfoque anatómico, comenzando por aproximar el esqueleto interno de la figura, superponiendo los órganos internos y la musculatura , y cubriendo esas formas con la piel y, finalmente (si corresponde) la ropa; el estudio de la anatomía interna humana suele estar involucrado en esta técnica. Otro enfoque es construir libremente el cuerpo a partir de formas geométricas , por ejemplo, una esfera para el cráneo, un cilindro para el torso, etc. Luego, refinar esas formas para que se asemejen más a la forma humana.
Para quienes trabajan sin referencia visual (o como medio para verificar su trabajo), las proporciones comúnmente recomendadas en el dibujo de figuras son: [3]
Estas proporciones son más útiles para un modelo de pie. Las poses que introducen escorzos en varias partes del cuerpo harán que estas difieran.
El Salón francés del siglo XIX recomendaba el uso de crayones Conté , que son barras de cera, aceite y pigmento, combinadas con papel especialmente formulado. No se permitía borrar; en su lugar, se esperaba que el artista describiera la figura con trazos ligeros antes de hacer marcas más oscuras y visibles.
Una técnica moderna muy popular es el uso de una barra de carbón , preparada a partir de ramas especiales, y una forma más áspera de papel. El carbón se adhiere de forma suelta al papel, lo que permite borrarlo con mucha facilidad, pero el dibujo final se puede conservar utilizando un "fijador" en aerosol para evitar que el carbón se desprenda. El carbón comprimido más duro puede producir un efecto más deliberado y preciso, y se pueden producir tonos graduados difuminando con los dedos o con una herramienta de papel cilíndrica llamada difumino .
El lápiz de grafito también se utiliza habitualmente para dibujar figuras. Para ello, se venden lápices de dibujo de distintas formulaciones, que van desde el 9B (muy blando) hasta el 1B (semi blando), y desde el 1H (semi duro) hasta el 9H (muy duro). Al igual que el carboncillo, se puede borrar y manipular con un difumino.
La tinta es otro medio popular. El artista suele empezar con un lápiz de grafito para esbozar o delinear el dibujo, y luego trabaja las líneas finales con un bolígrafo o pincel y tinta permanente. La tinta se puede diluir con agua para producir gradaciones, una técnica llamada lavado de tinta. Las marcas de lápiz se pueden borrar después de aplicar la tinta o dejarlas en su lugar para que la tinta oscura las opaque.
Algunos artistas dibujan directamente con tinta sin necesidad de preparar un boceto a lápiz, prefiriendo la espontaneidad de este método a pesar de que limita la posibilidad de corregir errores. Matisse es un artista conocido por trabajar de esta manera.
Un método favorito de Watteau y otros artistas de los siglos XVII y XVIII de las épocas barroca y rococó era comenzar con una base de color de tono a medio camino entre el blanco y el negro, y agregar sombras en negro y reflejos en blanco, usando pluma y tinta o "crayón".
La figura humana ha sido objeto de dibujos desde tiempos prehistóricos. Si bien las prácticas de estudio de los artistas de la antigüedad son en gran medida una cuestión de conjeturas, la sofisticación anatómica de sus obras sugiere que a menudo dibujaban y modelaban a partir de modelos desnudos. Una anécdota relatada por Plinio describe cómo Zeuxis revisó a las mujeres jóvenes de Agrigentum desnudas antes de seleccionar cinco cuyos rasgos combinaría para pintar una imagen ideal. [4] El uso de modelos desnudos en el taller del artista medieval está implícito en los escritos de Cennino Cennini , y un manuscrito de Villard de Honnecourt confirma que dibujar del natural era una práctica establecida en el siglo XIII. [4] Los Carracci , que abrieron su Accademia degli Incamminati en Bolonia en la década de 1580, establecieron el modelo para las escuelas de arte posteriores al hacer del dibujo del natural la disciplina central. [5] El curso de formación comenzaba con la copia de grabados, luego se pasaba al dibujo a partir de moldes de yeso, tras lo cual los estudiantes eran entrenados en el dibujo a partir de un modelo vivo.
A finales del siglo XVIII, los alumnos del taller de Jacques-Louis David seguían un riguroso programa de enseñanza. El dominio del dibujo se consideraba un requisito previo para poder pintar. Durante unas seis horas diarias, los alumnos dibujaban a partir de un modelo que permanecía en la misma pose durante una semana. [6] "Los dibujos del siglo XVIII, como el atribuido a Jacques-Louis David, se ejecutaban generalmente en papel teñido con tiza roja o negra con reflejos blancos y un fondo oscuro. Las poses de los modelos tendían a ser activas: las figuras de pie parecían estar a punto de moverse e incluso las figuras sentadas gesticulaban dramáticamente. La observación atenta del cuerpo del modelo era secundaria a la representación de su gesto, y muchos dibujos -en consonancia con la teoría académica- parecían presentar una figura representativa en lugar de un cuerpo o rostro específico. En comparación, las academias producidas en el siglo XIX [...] se ejecutaban típicamente con tiza negra o carboncillo sobre papel blanco y son representaciones meticulosas de las particularidades e idiosincrasias del cuerpo del modelo vivo. La evidencia de la mano del artista se minimiza y, aunque las poses reclinadas o sentadas son raras, incluso las poses de pie son comparativamente estáticas..." [7] Antes de finales del siglo XIX, las mujeres generalmente no eran admitidas en clases de dibujo de figuras. [8] [9]
Una figura de academia es un dibujo o pintura cuidadosamente ejecutado del cuerpo humano desnudo, generalmente a la mitad del tamaño natural, realizado como ejercicio en una escuela o academia de arte. [10]
Los relatos históricos revelan que las aspirantes a artistas no contaban con modelos desnudos. Las mujeres tenían prohibido el acceso a ciertas instituciones porque se consideraba inapropiado y posiblemente incluso peligroso para ellas estudiar con modelos desnudos. [9] Aunque a los hombres se les permitía el acceso a desnudos masculinos y femeninos, a las mujeres se les limitaba el aprendizaje de la anatomía a partir de modelos y moldes. No fue hasta 1893 que a las estudiantes se les permitió el acceso a los dibujos del natural en la Royal Academy de Londres, [11] e incluso entonces se exigía que la modelo estuviera parcialmente cubierta. [12]
El acceso limitado a las figuras desnudas impidió la carrera y el desarrollo de las artistas femeninas. Las formas de pintura más prestigiosas requerían un conocimiento profundo de la anatomía que se les negaba sistemáticamente a las mujeres [12] , que por lo tanto eran relegadas a formas de pintura menos consideradas como la pintura de género , la naturaleza muerta , el paisaje y el retrato . En el ensayo de Linda Nochlin , "Why have There Been No Great Women Artists" (Por qué no ha habido grandes mujeres artistas), ella identifica el acceso restringido que tenían las mujeres al dibujo de figuras desnudas como una barrera históricamente significativa para el desarrollo artístico de las mujeres. [12]
La enseñanza del dibujo de la figura humana es un elemento de la mayoría de los programas de bellas artes e ilustración . Las academias de bellas artes en Italia tienen una scuola libera del nudo ("escuela libre del desnudo") que forma parte del programa de grado pero que también está abierta a estudiantes externos. [13] En un aula típica de estudio de dibujo de la figura humana, los estudiantes se sientan alrededor de un modelo en un semicírculo o en un círculo completo. No hay dos estudiantes que tengan exactamente la misma vista, por lo que su dibujo reflejará la perspectiva de la ubicación única del artista en relación con el modelo. El modelo suele posar en un soporte, para permitir que los estudiantes encuentren más fácilmente una vista sin obstáculos. Dependiendo del tipo de pose, se pueden utilizar muebles y/o accesorios. Estos suelen incluirse en el dibujo, en la medida en que sean visibles para el artista. Sin embargo, los fondos suelen ignorarse a menos que el objetivo sea aprender sobre la colocación de figuras en un entorno. Los modelos individuales son los más comunes, pero se pueden utilizar varios modelos en clases más avanzadas. Muchos estudios están equipados para permitir una variedad de disposiciones de iluminación.
Cuando se enseña a nivel universitario, los modelos de dibujo de figuras suelen estar desnudos (aunque no siempre) (aparte de pequeñas joyas, accesorios u otros elementos discretos). Mientras posan, se les suele pedir a los modelos que permanezcan completamente quietos. Debido a la dificultad de hacer esto durante un período prolongado de tiempo, se suelen incluir descansos periódicos para que los modelos descansen o se estiren en las sesiones más largas y para las poses más difíciles.
Al principio de una sesión de dibujo de figuras, se le suele pedir al modelo que haga una serie de poses breves en rápida sucesión. Estas poses se denominan poses gestuales y suelen durar entre uno y tres minutos cada una. El dibujo gestual es un ejercicio de calentamiento para muchos artistas, aunque algunos artistas esbozan el gesto como primer paso en cada dibujo de figuras. Estos trazos amplios no se realizan simplemente con un movimiento de muñeca, sino utilizando todo el brazo para capturar el movimiento del modelo. También ayuda a mantener al artista concentrado en el modelo en lugar de en el papel. Cuando se trata del cuerpo humano, los artistas son dolorosamente críticos; las proporciones de una naturaleza muerta no tienen que estar dibujadas a la perfección para que parezcan auténticas, pero incluso el más mínimo error en las proporciones humanas se detectará fácilmente.
Los artistas modernos y contemporáneos pueden optar por exagerar o distorsionar las proporciones para enfatizar el gesto o el estado de ánimo percibido de la pose de los modelos. Los resultados pueden considerarse una obra de arte terminada, que expresa tanto el tema como la respuesta observacional, emocional y de creación de trazos a la experiencia del artista al dibujar la figura.
La anatomía es sólo el primer nivel de preocupación en las clases de dibujo al natural. También se consideran las relaciones figura-fondo y otros aspectos de la composición. El equilibrio de una composición se vuelve más crucial y, por lo tanto, más comprendido a través del dibujo al natural. La respuesta cinestésica del artista a la pose y cómo se transmite a través de una elección de medios artísticos es una preocupación más avanzada. Dado que el propósito de las clases de dibujo de figuras es aprender a dibujar humanos de todo tipo, generalmente se buscan modelos masculinos y femeninos de todas las edades, formas y etnias, en lugar de seleccionar solo modelos hermosos o aquellos con figuras "ideales" . Algunos instructores buscan específicamente evitar el tipo de modelos preferidos por los fotógrafos de moda, buscando ejemplos más "realistas" y evitando cualquier implicación de cosificación sexual. Los instructores también pueden favorecer modelos de tipos de cuerpo particulares en función de los contornos únicos o las texturas de superficie que brindan. La variedad de modelos contratados puede estar limitada por la necesidad de que mantengan una pose durante períodos prolongados (eliminando niños inquietos y personas mayores frágiles) y las preocupaciones de modestia y legalidad cuando los modelos posan desnudos (restringiendo el uso de menores).
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