La escenografía es un aspecto técnico de la producción teatral , cinematográfica y de vídeo . Incluye la construcción y montaje de la escenografía; la instalación y el enfoque de la iluminación; el diseño y la adquisición de vestuario; el maquillaje; la dirección de escena ; la ingeniería de audio ; y la adquisición de accesorios . La escenografía se distingue del término más amplio de escenografía . Considerada un campo técnico más que artístico, es principalmente la implementación práctica de la visión artística de un diseñador escénico .
En su forma más básica, la escenografía puede ser ejecutada por una sola persona (a menudo el director de escena de una producción más pequeña) que organiza toda la escenografía, el vestuario, la iluminación y el sonido, y organiza el elenco. Los teatros regionales y los teatros comunitarios más grandes generalmente tendrán un director técnico y un grupo de diseñadores, cada uno de los cuales tiene una participación directa en sus respectivos diseños. En producciones significativamente más grandes, por ejemplo, un espectáculo moderno de Broadway , llevar efectivamente un espectáculo a la noche de estreno requiere el trabajo de carpinteros, pintores, electricistas, tramoyistas , costureras, peluqueros y similares expertos. La escenografía moderna es altamente técnica y especializada: comprende muchas subdisciplinas y un vasto tesoro de historia y tradición.
El teatro griego hizo un uso extensivo de la escenografía, y el vocabulario y la práctica griegos siguen influyendo en la escenografía occidental contemporánea. El elemento definitorio del escenario de un teatro griego era la skene , una estructura en la parte posterior del escenario, que a menudo presentaba tres puertas. El escenario habitual de una tragedia griega clásica era un palacio, y las skenes se decoraban para complementar ese escenario. [1]
En el lado del público de la skene se podían colgar lo que hoy se conoce como planos . Los planos evolucionaron de planos pintados de un solo lado a planos de dos lados, que se montaban y centraban en un pasador giratorio. Una cuerda corría alrededor de cada pasador consecutivo, lo que permitía girar los planos para los cambios de escena. El plano de doble lado finalmente evolucionó hasta convertirse en el periaktos .
La escenografía griega era esencial para la narración de sus obras. Un ekkyklema , similar a un carro contemporáneo , se utilizaba para representar la muerte de un personaje haciendo rodar su cadáver, en lugar de mostrar su muerte en el escenario. [2] La mechane , una grúa para levantar a los actores sobre la skene, apoyaba las conclusiones de las obras, cuyas historias a menudo se resolvían de repente con la introducción de un dios. La mechane es la fuente literal de la frase contemporánea deus ex machina . [3] Las representaciones estaban iluminadas por la luz del sol, a menudo aprovechando el momento particular del día para apoyar la historia. [4]
Las obras de teatro de la época medieval se representaban en distintos lugares, como las calles de pueblos y ciudades, y las representaban compañías seculares itinerantes. Algunas también se representaban en monasterios, a cargo de grupos controlados por la Iglesia, y a menudo representaban escenas religiosas. El lugar de la representación podía representar muchas cosas diferentes, como interiores o exteriores (como en los anfiteatros Plen-an-Gwary de Cornualles ). Se representaban en determinados lugares para poder utilizar los accesorios en la obra. A menudo se utilizaban canciones y espectáculos en las obras para fomentar la participación. [5] [ página necesaria ]
Entre 1576 y 1642 se desarrolló en Inglaterra una escenografía más moderna. En Londres había tres tipos diferentes de teatros: públicos, privados y cortesanos. El tamaño y la forma variaban, pero muchos se consideraban teatros redondos. Los teatros públicos, como el Globe Theatre, utilizaban aparejos alojados en una sala en el techo para bajar y subir la escenografía o los actores, y utilizaban el escenario elevado desarrollando la práctica de utilizar trampillas en las producciones teatrales. La mayoría de los teatros tenían un diseño circular, con un área abierta sobre el foso para permitir que la luz del sol entrara e iluminara el escenario. [6]
Los escenarios de proscenio , o escenarios con forma de caja, se construyeron en Francia en la época de la Restauración inglesa y siguen siendo el tipo de escenario más popular en uso hasta la fecha. Originalmente combinaban elementos del skene en su diseño, básicamente construyendo un skene sobre el escenario. La iluminación de la época habría consistido en velas, utilizadas como candilejas, y colgadas de candelabros sobre el escenario.
La escenografía en la época victoriana en Inglaterra se desarrolló rápidamente con la aparición del West End . Impulsado por la llegada de habitantes urbanos al área metropolitana de Londres, el Parlamento se vio obligado a eliminar las leyes de licencias anteriores y permitió que todos los teatros representaran obras tradicionales en 1843. Se introdujeron la iluminación eléctrica y la hidráulica para atraer a grandes audiencias que vieran tormentas, explosiones y transformaciones milagrosas en el escenario. Las tecnologías desarrolladas durante la última parte del siglo XIX allanaron el camino para el desarrollo de efectos especiales para su uso en el cine. [7]
La iluminación siguió evolucionando. En Inglaterra se desarrolló una lámpara de forma que utilizaba un soplete para calentar cal hasta la incandescencia, con fines de navegación; pronto se adaptó a las representaciones teatrales y la luz de cal se convirtió en una forma generalizada de luz artificial para los teatros. Para controlar el foco de la luz, se utilizó una lente de Fresnel .
Después de las velas, llegó la iluminación a gas, mediante tubos con pequeñas aberturas que se encendían antes de cada función y que podían atenuarse controlando el flujo de gas, siempre que la llama nunca se apagara. Con el cambio de siglo XX, muchas compañías de teatro que hacían la transición del gas a la electricidad instalaron el nuevo sistema justo al lado del antiguo, lo que provocó muchas explosiones e incendios debido a la electricidad que encendía las tuberías de gas.
La iluminación teatral moderna se basa en la electricidad. Hoy en día se utilizan muchas lámparas e instrumentos de iluminación y el campo se está convirtiendo rápidamente en uno de los más diversos y complejos de la industria. [8]
La escenografía abarca una amplia gama de disciplinas, todas ellas cruciales para crear producciones teatrales atractivas e inmersivas. La escenografía es la base de cualquier obra teatral, ya que influye en la experiencia del público, desde la hábil aplicación de la iluminación hasta la elaborada creación de escenografía y vestuario. La escenografía promueve la ejecución impecable de la actuación y amplifica el impacto emocional de la narración al coordinar la interacción de los elementos visuales y auditivos. La escenografía es esencial para producir momentos teatrales cautivadores e inolvidables, ya sea mediante la aplicación creativa de maquillaje y pelucas, el uso inventivo de escenografía mecánica o la fusión bien planificada de efectos visuales y sonoros. La escenografía da vida a los sueños dramáticos mediante una fusión de innovación artística y maestría técnica, lo que genera un profundo impacto en el público de todo el mundo.
La escenografía comprende muchas disciplinas, generalmente divididas en varias disciplinas principales:
El diseñador de teatro, responsable de orquestar los aspectos visuales y auditivos de una producción escénica, es conocido tradicionalmente como el diseñador de escenarios. Esta convención ha surgido por razones prácticas, asegurando la eficiencia en el proceso de diseño. [9] Al entrar en un teatro, los espectadores se sienten inmediatamente atraídos por el diseño del escenario, dando forma a su impresión inicial del espectáculo. En este momento, los diseñadores establecen el concepto del espectáculo, definen su estilo, evocan el estado de ánimo y la atmósfera, y establecen el tono al revelar la fecha y el escenario. Los diseñadores de escenarios seleccionan intencionalmente elementos para crear la percepción del público de los mundos representados en una obra, en lugar de simplemente replicar escenarios de manera realista. Durante gran parte de la historia del teatro, no hubo un papel dedicado al diseñador de escenarios. En cambio, los profesionales del teatro dependían de escenarios de archivo o utilizaban el espacio mismo para establecer escenarios.
Aunque los dramaturgos, productores, directores, diseñadores e intérpretes tienen papeles específicos que desempeñar, el director de escena es quien gestiona la intrincada colaboración entre todos estos importantes participantes. Como punto central de la producción, el director de escena se asegura de que todos los aspectos, desde el personal hasta los materiales, trabajen al unísono para hacer realidad el concepto teatral. [10] Sus responsabilidades son amplias e incluyen la gestión de las operaciones tras bambalinas, la organización de las indicaciones técnicas y la organización de los ensayos. Además, el director de escena desempeña un papel fundamental en la mediación de cuestiones y el fomento de la comunicación constructiva entre los actores y el equipo creativo durante el transcurso de la producción. Como resultado, incluso si los actores y directores reciben la mayor parte de la atención, el trabajo duro y el conocimiento del director de escena detrás de escena preservan la integridad y el profesionalismo de la producción teatral en vivo.
