El dancehall es un género de música popular jamaicana que se originó a finales de los años 1970. [4] [5] Inicialmente, el dancehall era una versión más escasa del reggae que el estilo de raíces , que había dominado gran parte de la década de 1970. [6] [7] A mediados de la década de 1980, la instrumentación digital se hizo más frecuente, cambiando el sonido considerablemente, y el dancehall digital (o " ragga ") se caracterizó cada vez más por ritmos más rápidos. Los elementos clave de la música dancehall incluyen su uso extensivo del patois jamaicano en lugar del inglés estándar jamaicano y un enfoque en las pistas instrumentales (o " riddims ").
El dancehall tuvo un éxito inicial en Jamaica en la década de 1980 y, en la década de 1990, se hizo cada vez más popular en las comunidades de la diáspora jamaicana . En la década de 2000, el dancehall experimentó un éxito mundial y, en la década de 2010, comenzó a influir fuertemente en el trabajo de artistas y productores occidentales establecidos , lo que ha ayudado a llevar aún más el género a la corriente principal de la música occidental. [8] [9] [10]
Dancehall lleva el nombre de los salones de baile jamaiquinos en los que los sistemas de sonido locales reproducían grabaciones populares jamaicanas . [11] Se refiere tanto al estilo de música como de baile. [12] Enfrentó críticas por influir negativamente en la cultura jamaicana y retratar los estilos de vida de los gángsters de una manera digna de elogio. [13]
La música dancehall, también llamada ragga o dub, es un estilo de música popular jamaicana que tuvo su génesis en la turbulencia política de finales de los años 1970 y se convirtió en la música dominante de Jamaica en los años 1980 y 1990. Originalmente también se llamaba música Bashment cuando los salones de baile jamaicanos comenzaron a ganar popularidad. [12]
Comenzaron a finales de la década de 1970 entre personas de clase baja y trabajadora del centro de la ciudad de Kingston , que no podían participar en los bailes de la zona alta. [14] Los cambios sociales y políticos a finales de la década de 1970 en Jamaica, incluido el cambio del gobierno socialista de Michael Manley ( Partido Nacional del Pueblo ) a Edward Seaga ( Partido Laborista de Jamaica ), [7] se reflejaron en el alejamiento del gobierno más internacional. orientó el Roots Reggae hacia un estilo más orientado al consumo local y en sintonía con la música que los jamaicanos habían experimentado cuando los sistemas de sonido tocaban en vivo. [15]
Los temas de injusticia social, repatriación y el movimiento rastafari fueron superados por letras sobre baile, violencia y sexualidad. [7] [15] [16] Aunque el espíritu revolucionario estaba presente en Jamaica debido a este levantamiento social, la radio era muy conservadora y no reproducía la música del pueblo. Fue este vacío el que el sistema de sonido pudo llenar con la música que más interesaba al jamaicano promedio. [17] Junto a esta música se sumó la moda, el arte y la danza que la acompañaban. Esto convirtió al Dancehall en un género y una forma de vida. [18]
A diferencia del reggae de raíces, que aspiraba a la respetabilidad y el reconocimiento internacional, el dancehall no dudó en abordar las realidades cotidianas y los intereses básicos del jamaicano promedio –especialmente el de las clases bajas–, y observar la sociedad de una manera provocativa, manera áspera y a menudo vulgar. Dado que esto hizo imposible la difusión a través de la radio, el dancehall inicialmente ganó popularidad sólo a través de presentaciones en vivo en sistemas de sonido y venta de discos especializados. [19]
Las letras violentas del dancehall, que le valieron al género muchas críticas desde sus inicios, provienen de la turbulencia política y la violencia de las pandillas de finales de los años 1970 en Jamaica. [18]
En los primeros días del dancehall, las pistas rítmicas pregrabadas (bajo y batería) o "dub" sobre las cuales el DJ rapeaba o "brindaba" provenían de canciones de reggae anteriores de los años 60 y 70. Ragga específicamente, se refiere al Dancehall moderno donde un DJ rapea particularmente sobre ritmos digitales (eléctricos). [18]
Los sistemas de sonido y el desarrollo de otras tecnologías musicales influyeron mucho en la música dancehall. La música necesitaba "llegar a donde la radio no llegaba" porque los jamaicanos a menudo estaban afuera sin radios. [20] Sin embargo, finalmente encontraron su camino hacia las calles. Sin embargo, debido a que el público de las sesiones de dancehall era gente de clase baja, era extremadamente importante que pudieran escuchar música. Los sistemas de sonido permitieron a la gente escuchar música sin tener que comprar una radio. Por lo tanto, la cultura dancehall creció a medida que mejoró el uso de la tecnología y los sistemas de sonido.
La escena dancehall jamaicana fue creada a partir de la creatividad y el deseo de accesibilidad, y es inseparable de la cultura del sound system. El término 'Dancehall', aunque ahora se usa típicamente en referencia al género musical específico y exclusivamente jamaicano, originalmente se refería a una ubicación física. Este lugar siempre fue un lugar al aire libre desde el cual los DJ y más tarde los "Toasters", un precursor de los MC, podían interpretar sus mezclas y canciones originales para su audiencia a través de sus sistemas de sonido. [21] La apertura del lugar, combinada con la naturaleza innatamente móvil del sistema de sonido, permitió a los artistas acercarse a la gente. Las comunidades del centro de la ciudad pudieron reunirse para divertirse y celebrar. Se trataba de experimentar un movimiento vibrante y que marcaba tendencia. [22]
El libro Shine de Krista Thompson expresa además la experiencia de este movimiento creador de tendencias y cómo, en particular, las mujeres pudieron confrontar las ideologías de género para lograr cambios. El uso de video light específicamente fue una forma de expresarse y buscar visibilidad en el ámbito social para ser reconocidos como ciudadanos en una sociedad jamaicana poscolonial. [23]
Al inicio de la escena dancehall, los sistemas de sonido eran la única forma en que algunas audiencias jamaicanas podían escuchar las últimas canciones de un artista popular. Con el tiempo, se transformó hasta que los proveedores de los sistemas de sonido eran los propios artistas y se convirtieron en quienes la gente venía a ver junto con sus propios sonidos originales. Con el volumen extremo y las bajas frecuencias de los sistemas de sonido, la gente local bien podría sentir las vibraciones de los sonidos antes de poder oírlos, aunque el sonido en sí viaja kilómetros. [24] Este placer sensorial visceral actuó como un faro auditivo, redefiniendo la experiencia musical. [25]
Jamaica fue una de las primeras culturas en ser pionera en el concepto de remezcla. Como resultado, el nivel de producción y la calidad del sistema de sonido fueron fundamentales para la incipiente industria musical de Jamaica. Dado que muchos lugareños no podían permitirse sistemas de sonido en sus hogares, escuchar uno en una fiesta de baile o en un festival fue su entrada a la felicidad audible. Los espectáculos teatrales también fueron una entrada para exponer a los artistas a audiencias más grandes. [18]
El libro del escritor Brougtton y Brewster Anoche un DJ salvó mi vida [26] afirma que los sistemas de sonido fueron un producto del estilo de vida social jamaiquino. El éxito de la música ya no estaba solo en manos de una persona, era un factor del DJ, hablando palabras poéticas a la audiencia, el Selector, armonizando ritmos de una manera estéticamente agradable, y el Ingeniero de Sonido, cableando el sonido. sistemas para manejar tonos graves más profundos y fuertes. La música se convirtió en un factor de muchos elementos y la fisicalidad de ese sonido fue un rompecabezas estratégico que los músicos debían resolver. [17]
En este punto, el género Dancehall todavía estaba ganando popularidad a nivel mundial. InnerCity Promotions, dirigida por Mike Tomlinson y Lois Grant, jugó un papel muy importante en el desarrollo de la popular música "DanceHall" de Jamaica. Su compañía de promoción a través de una serie de conciertos condujo a la música entonces emergente a la que denominaron "DanceHall". El equipo inició una serie llamada "Saturday Night Live" en Harbor View Drive-In. El grupo de soul estadounidense Gladys Knight & the Pips encabezó el concierto inicial y la exhibición también contó con presentaciones de boxeo de Muhammad Ali. InnerCity Promotions fue responsable de establecer y promover numerosos eventos; su primer concierto DanceHall se realizó en 1984. Esto fue significativo porque marcó el inicio del reconocimiento de la música como género "DanceHall". Tomlinson recuerda la oposición que recibió por parte de periodistas y gerentes de radio y televisión en ese momento, algunos de los cuales se negaron a publicar los comerciales o reproducir la música para promocionar la serie DanceHall.
La serie continuó hasta principios de la década de 1990, el equipo de Mike Tomlinson y Lois Grant desempeñaron un papel importante en el fomento y promoción de los jóvenes talentos del centro de la ciudad y la cultura de los sistemas de sonido de esa época. A través de sus conciertos en vivo en DanceHall, muchos artistas encontraron un lugar para usar su voz y dejar huella gracias a las oportunidades que brinda InnerCity Promotions. [27] Esto es de los honores especiales otorgados en los Premios Internacionales de Reggae (premios irawma). [27]
Sistemas de sonido como Killimanjaro, Black Scorpio , Silver Hawk, Gemini Disco, Virgo Hi-Fi, Volcano Hi-Power y Aces International pronto capitalizaron el nuevo sonido e introdujeron una nueva ola de DJs . [7] Las tostadoras más antiguas fueron superadas por nuevas estrellas como Captain Sinbad , Ranking Joe , Clint Eastwood , Lone Ranger , Josey Wales , Charlie Chaplin , General Echo y Yellowman , un cambio reflejado en el álbum A Whole New , producido por Junjo Lawes en 1981. Generación de DJs , aunque muchos volvieron a U-Roy en busca de inspiración. [7] [15] Utilizó hablar sobre o debajo de un " riddim " que ahora se conoce como el canto seductor del DJ, en parte hablando y en parte cantando. [28] Los discos de DJ se volvieron, por primera vez, más importantes que los discos con cantantes. [7] Otra tendencia fueron los álbumes de choques de sonido , en los que DJs o sistemas de sonido rivales competían cara a cara por el reconocimiento de una audiencia en vivo, con casetes de choques de sonido underground que a menudo documentaban la violencia que acompañaba a tales rivalidades. [15]
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Yellowman, uno de los primeros artistas de dancehall de mayor éxito, se convirtió en el primer DJ jamaicano que firmó con un importante sello discográfico estadounidense y durante un tiempo disfrutó de un nivel de popularidad en Jamaica que rivalizaba con el pico de Bob Marley . [7] [15] Yellowman a menudo incorporaba letras sexualmente explícitas en sus canciones, lo que se conoció como "holgura". Hizo esto para abordar sus opiniones radicales sobre la sociedad a través del sexo y la política debido al fallido experimento jamaiquino del socialismo durante el gobierno del Primer Ministro Michael Manley. [28]
A principios de la década de 1980 también surgió la aparición de disc jockeys femeninas en la música dancehall, como Lady G , Lady Saw y Sister Nancy . Otras estrellas femeninas del dancehall incluyen artistas como Diana King y, desde finales de los 90 hasta los 2000 , Ce'cile , Spice , Macka Diamond y más.[15] [29] Beenie Man , Bounty Killer , Mad Cobra , [30] Ninjaman , Buju Banton y Super Cat se convierten en importantes DJ en Jamaica.
Con un poco de ayuda del sonido del DJ, cantantes de "sweet sing" (voz de falsete) como Pinchers , Cocoa Tea , Sanchez , Admiral Tibet , Frankie Paul, Half Pint, Courtney Melody y Barrington Levy se hicieron populares en Jamaica.
Hacia finales de los años 80, los artistas jamaicanos de Dancehall ganaron mucho atractivo gracias a su música sensata. Esto amplió el alcance del género más allá de las fronteras de la Tierra de la Madera y el Agua . El principal atractivo del Dancehall era la música, por lo que ganó mucha popularidad con el tiempo. En Jamaica se utilizaban carteles hechos a mano no sólo para atraer a los posibles asistentes a fiestas y bailes. [18] Este proceso de creación de carteles vibrantes y coloridos pronto se convirtió en un ícono del género. Ayudó a proporcionar una estética visual de cómo los Dancehalls habían ocupado el espacio y crecido en el país.
El éxito de King Jammy de 1985, " (Under Me) Sleng Teng " de Wayne Smith , con un gancho rítmico completamente digital, tomó por asalto el mundo del dancehall reggae. Muchos atribuyen a esta canción el primer ritmo digital del reggae, que presenta un ritmo de un teclado digital. Sin embargo, el ritmo "Sleng Teng" se utilizó en más de 200 grabaciones posteriores. Este canto, en gran medida sintetizado y dirigido por un DJ, con acompañamiento musical, se apartaba de las concepciones tradicionales del entretenimiento musical popular jamaicano.
El poeta dub Mutabaruka dijo: "si el reggae de la década de 1970 era rojo, verde y dorado, en la siguiente década serían cadenas de oro". Estaba muy alejado de las raíces y la cultura suaves del reggae, y hubo mucho debate entre los puristas sobre si debería considerarse una extensión del reggae.
Este cambio de estilo vio nuevamente el surgimiento de una nueva generación de artistas, como Sean Paul , Capleton , Beenie Man y Shabba Ranks , que se convirtieron en famosas estrellas del ragga . Un nuevo grupo de productores también saltó a la fama: Philip "Fatis" Burrell , Dave "Rude Boy" Kelly , George Phang , Hugh "Redman" James, Donovan Germain , Bobby Digital , Wycliffe "Steely" Johnson y Cleveland "Clevie" Brown ( también conocido como Steely & Clevie ) se levantó para desafiar la posición de Sly & Robbie como la sección rítmica líder de Jamaica.
El tempo más rápido y el ritmo electrónico más simple del dancehall de finales de los 80 y principios de los 90 influyeron enormemente en el desarrollo del Reggae en Español .
A principios de la década de 2000, el dancehall había ganado popularidad en Jamaica, así como en Estados Unidos, Canadá, Australasia y partes occidentales de Europa. También hubo una gran evolución en el sonido que permitió a los artistas refinar y ampliar el género. Esto se vio por primera vez con artistas como Sean Paul , cuyo sencillo " Get Busy " (2003) se convirtió en el primer sencillo de dancehall en alcanzar el número uno en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos .
A diferencia del Dancehall anterior, esta nueva evolución se caracterizó por estructuras de música comúnmente escuchadas en la música pop convencional , como coros repetidos, melodías melódicas y ganchos . Algunas letras eran más limpias y presentaban menos contenido sexual y blasfemias.
En este punto era parte de la conciencia pública. Las colaboraciones entre géneros pronto se normalizaron, con canciones como el éxito de 2003 de Beyoncé y Sean Paul, " Baby Boy ", y el sencillo de 2000 de Beenie Man y Mya , " Girls Dem Sugar ". Paralelamente a este crecimiento muchas tripulaciones se formaron por hombres, mujeres o una mezcla de ambos. Estos equipos crearon sus propios bailes que desarrollaron fama en la escena Dancehall.
Algunos de los artistas que popularizaron esta nueva era del Dancehall fueron Bounty Killer , Beenie Man , Elephant Man , Shalkal Carty, Popcaan , Vybz Kartel , Konshens , Mr. Vegas , Mavado , Ward 21 , Lady Saw y Spice , algunos de los cuales vieron internacionalmente. éxito. Este éxito generó un atractivo general hacia el Dancehall que condujo a la era moderna del género. [12]
El dancehall experimentó una nueva ola de popularidad en los mercados occidentales a mediados de la década de 2010, con un inmenso éxito comercial logrado por una serie de sencillos de dancehall-pop, incluidos " Work " de Rihanna (2016) y " One Dance " y " Controlla " de Drake. (2016). [9] [10] [31] [32] El dancehall también llamó la atención de muchos artistas de R&B que continuaron cambiando y evolucionando el género.
Una variedad de artistas occidentales han hablado de sentirse inspirados por la música Dancehall, incluido Major Lazer , cuyos sencillos comercialmente exitosos Lean On (2015), Light It Up (2015) y Run Up (2017) dependen en gran medida de la música dancehall. Varios artistas de hip-hop y R&B también han lanzado material inspirado en la música dancehall, incluido Drake , quien ha citado a Vybz Kartel como una de sus "mayores inspiraciones". [33] [34]
En 2014, Drake se interesó en Popcaan y lo vinculó con el productor de MixPak, Dre Skull , para lanzar su álbum debut 'Where We Come From'. Esto tuvo un gran éxito comercial y recibió un premio MOBO del Reino Unido al Mejor Álbum de Reggae en 2015. En el año 2016, el artista rival de Popcaan, Alkaline, lanzó su álbum debut 'New Level Unlocked' bajo la dirección de DJ Frass Records, que encabezó las listas en Jamaica, además de ser bien recibido en Estados Unidos y Reino Unido.
Popcaan y Alkaline siempre han sido artistas musicales rivales en Jamaica y se debate mucho quién es el nuevo Rey del Dancehall, desde que Vybz Kartel fue encarcelado en 2011. Se ha dicho que el éxito de Popcaan se debe en gran medida al apoyo inicial de Vybz Kartel (KOTD). y el apoyo más reciente de Drake .
En 2016, el Dancehall había resurgido con popularidad mundial; artistas como Alkaline , Popcaan , Spice , Aidonia y Rygin King son conocidos como algunos de los artistas más profundos y activos de este período hasta la fecha. También ha habido colaboraciones globales destacadas con artistas de dancehall como 'Already' de Beyonce y Shatta Wale, Davido y Popcaan en 'Story' y Stefflon Don y French Montana en 'Hurtin' me'.
Desde 2017, los artistas de Dancehall de Jamaica han colaborado frecuentemente con artistas del Reino Unido como Chip , Stefflon Don y J Hus . Esto está en sintonía con el impulso de los actos urbanos en el Reino Unido y el renacimiento de Grime en 2014. [35]
A finales de la década de 2010, una nueva ola de artistas ganó popularidad en Jamaica. Estos artistas provienen de parroquias rurales, especialmente de Montego Bay , fuera del centro comercial de la industria musical jamaicana. Están influenciados por la música trap estadounidense y, a veces, se refieren a estafas de lotería en sus letras. Algunos de los artistas más populares de este estilo son Chronic Law, Rygin King y Squash. [36] [37] [38]
Tres elementos principales de la música dancehall jamaicana son el uso de instrumentos digitales, en particular el teclado electrónico Casio Casiotone MT-40 , la caja de ritmos Oberheim DX , y el uso de riddims , instrumentos instrumentales a los que se añaden letras, lo que da como resultado un proceso inusual de creación. canciones de componentes separados. Más específicamente, muchos riddims se crean utilizando instrumentos digitales como el MT-40, una práctica que se hizo popular por primera vez en 1985 con el lanzamiento de ' Under Mi Sleng Teng ', cuyo éxito hizo evidente la accesibilidad de los riddims compuestos digitalmente (Manuel-Marshall , pág.453). [39]
Un único riddim se puede utilizar en varias canciones, combinado con diferentes conjuntos de letras, y lo contrario también es posible con un único conjunto de letras adjunto a diferentes riddims. Los riddims y los conjuntos de letras no son exclusivos de ningún artista, y pueden estar y se distribuyen con un riddim en particular, ' Real Rock ', grabado por primera vez en 1967 para una canción del mismo nombre, que se utiliza en al menos 269 canciones de 2006 a lo largo de 39 años. [39] Peter Manuel y Wayne Marshall señalaron en 2006 que la mayoría de las canciones estaban adaptadas a uno de los aproximadamente una docena de riddims que estaban de moda, con la excepción del trabajo de artistas individuales, a menudo de alto rango. [39] La grabación sobre riddims forma la base del dancehall, con voces de dancehall modernas sobre ostinatos; los DJ que prestan las voces así, en palabras de Manuel y Marshall, llevan la canción, a diferencia del dancehall antiguo donde las voces se entrelazaban con canciones completas. [39]
Las raíces de estas prácticas pueden describirse con el concepto de familias de semejanza acuñado por George Lipsitz en 1986: similitudes entre experiencias y culturas de otros grupos (Lipsitz, p. 160). [40] Aquí, el término podría describir los vínculos entre diferentes artistas a través de riddims y conjuntos de letras compartidos y a través de experiencias comunes incorporadas a la música.
Donna P. Hope define la cultura dancehall como un "espacio para la creación cultural y la difusión de símbolos e ideologías que reflejan las realidades vividas por sus seguidores, particularmente aquellos del centro de las ciudades de Jamaica". [41] La cultura dancehall crea activamente un espacio para que sus "afectantes" (creadores de la cultura dancehall) y sus "afectados" (consumidores de la cultura dancehall) tomen el control de su propia representación, cuestionen las relaciones convencionales de poder y ejerzan algún nivel de control. autonomía cultural, social e incluso política.
Kingsley Stewart describe diez de los principales imperativos o principios culturales que constituyen la cosmovisión del dancehall. Ellos son:
Un cambio tan drástico en la música popular de la región generó una transformación igualmente radical en las tendencias de la moda, específicamente las de su facción femenina. En lugar de estilos tradicionales, modestos y "arraigados", como dictan los roles de género inspirados en los rastafari; las mujeres comenzaron a usar atuendos llamativos y reveladores, a veces con clasificación X. Se dice que esta transformación coincide con la afluencia de letras slack dentro del dancehall, que objetivaban a las mujeres como aparatos de placer. Estas mujeres se asociarían con otras para formar "grupos de modelos" o grupos de "modelos de dancehall" y competirían informalmente con sus rivales.
Sin embargo, este materialismo y notoriedad recién descubiertos no eran exclusivos de las mujeres ni de su forma de vestir. La apariencia en los salones de baile era extremadamente importante para la aceptación por parte de sus compañeros y abarcaba todo, desde ropa y joyas, hasta los tipos de vehículos conducidos, hasta el tamaño de cada pandilla o "tripulación" respectiva, y era igualmente importante para ambos sexos.
Un tema importante detrás del dancehall es el espacio. Sonjah Stanley Niaah , en su artículo "Mapeo de geografías de rendimiento del Atlántico negro", dice
El dancehall ocupa múltiples dimensiones espaciales (urbana, callejera, policial, marginal, de género, escénica, liminal, conmemorativa, comunitaria), que se revelan a través de la naturaleza y el tipo de eventos y lugares, y su uso y función. Lo más notable es la forma en que el dancehall ocupa un espacio liminal entre lo que se celebra y al mismo tiempo se denigra en Jamaica y cómo pasa de la comunidad privada a la empresa pública y comercial. [43] [44]
En Kingston's Dancehall: una historia de espacio y celebración , escribe:
El dancehall es, en última instancia, una celebración de los seres privados de sus derechos en la Jamaica poscolonial que ocupan y sostienen creativamente ese espacio. Estructurada por lo urbano, un espacio que es limitado, limitante y marginal pero central para la identidad comunitaria, incluso nacional, la identidad del dancehall es tan contradictoria y competitiva como sagrada. Algunas de las memorias significativas que Jamaica tiene de sí misma están inscritas en el espacio del dancehall y, por lo tanto, el dancehall puede verse como un sitio de memoria colectiva que funciona como una conmemoración ritualizada, un banco de memoria de los movimientos corporales, espacios, artistas, antiguos, nuevos y dinámicos. y la estética escénica del Nuevo Mundo y de Jamaica en particular. [45]
Estas mismas nociones del dancehall como espacio cultural tienen eco en Wake the Town and Tell the People de Norman Stolzoff . Señala que el dancehall no es simplemente una esfera de consumismo pasivo, sino más bien una esfera alternativa de producción cultural activa que actúa como un medio a través del cual los jóvenes negros de clase baja articulan y proyectan una identidad distintiva en contextos locales, nacionales y globales. A través del dancehall, los jóvenes del gueto intentan abordar los problemas endémicos de la pobreza, el racismo y la violencia y, en este sentido, el dancehall actúa como un centro de comunicación, una estación repetidora, un sitio donde la cultura negra de clase baja alcanza su expresión más profunda. [46] Así, el dancehall en Jamaica es otro ejemplo más de la forma en que las culturas de la música y la danza de la diáspora africana han desafiado el consumismo pasivo de las formas culturales de masas, como la música grabada, al crear una esfera de producción cultural activa que potencialmente puede transformar la hegemonía predominante de la sociedad. [47]
In Out and Bad: Hacia una hermenéutica de actuación queer en el dancehall jamaicano Nadia Ellis explica la cultura de homofobia combinada y descarado queerness dentro de la cultura dancehall jamaicana. Ella detalla la particular importancia de la frase "out and bad" para Jamaica cuando escribe: "Esta frase tiene una posibilidad hermenéutica queer en el dancehall jamaicano porque registra una dialéctica entre queer y gay que nunca se resuelve, que se transmite de un lado a otro, produciendo una incertidumbre sobre la identidad y el comportamiento sexual que se mantiene útilmente en el contexto cultural popular de Jamaica". [48] En la discusión sobre la posibilidad de que un bailarín homosexual que se identifica a sí mismo actúe con música homofóbica, ella escribe: "Al apropiarse de la cultura y trabajar desde dentro de su centro, produce una actuación corporal que le otorga poder. Es el poder o el dominio". , de parodia y de salirse con la suya." [48]
Ellis no sólo examina la intersección entre lo queer y la masculinidad dentro de la escena dancehall jamaicana, sino que sugiere que la abierta homofobia de cierta música dancehall en realidad crea un espacio para la expresión queer. En general, la homosexualidad y el carácter queer todavía están estigmatizados en las salas de baile. De hecho, algunas de las canciones utilizadas durante las sesiones de dancehall contienen letras abiertamente homofóbicas. Ellis sostiene, sin embargo, que esta retórica explícita y violenta es lo que crea un espacio para la expresión queer en Jamaica. Describe el fenómeno de todos los grupos de danza masculinos que han surgido dentro de la escena dancehall. Estos equipos se visten con ropa ajustada y a juego, a menudo combinada con maquillaje y cabello teñido, características tradicionales de lo queer dentro de la cultura jamaicana. Cuando actúan juntos, es la actuación corporal la que da poder a los bailarines homosexuales. [49]
La popularidad del dancehall ha generado movimientos de baile que ayudan a que las fiestas y las representaciones teatrales sean más enérgicas. El baile es una parte integral de los géneros de la cultura bass. A medida que la gente sentía la música en los abarrotados lugares de baile, hacían una variedad de bailes. Con el tiempo, los artistas de dancehall comenzaron a crear canciones que inventaban nuevos bailes o formalizaban algunos movimientos realizados por los asistentes al dancehall. Muchos movimientos de baile que se ven en los vídeos de hip hop son en realidad variaciones de los bailes de dancehall. Ejemplos de este tipo de bailes son: " Like Glue ", " Bogle ", "Whine & Dip", "Tek Weh Yuhself", " Wine Up ", "Shake It With Shaun" (una mezcla de varios géneros), "Boosie Bounce". , "Drive By", "Shovel It", "To Di World", " Dutty Wine ", "Sweep", "Nuh Behavior", "Nuh Linga", "Skip to My Lou", "Gully Creepa", " Breakdance ". ", "Bad Man Forward Bad Man Pull Up", "Keeping it Jiggy", "Pon Di River", "One Drop", "Whine & Kotch", "Bubbling", "Tic Toc", "Willie Bounce", " Wacky Dip", "Screetchie", "One Vice" y " Daggering ". [50] [51] [52] [53] [54]
Dancehall combina elementos de materialismo e historias de dificultades de Kingston, Jamaica. [55] Esto se ve en el uso del lenguaje sobre armas por parte de artistas como Buju Banton y Capleton , o el uso del bling-bling por parte de artistas de "Gangsta Ras" como Mavado y Munga. [56] El término Gangsta Ras , que combina imágenes de matones con rastafari, es, según los críticos rastafari, un ejemplo de cómo en el dancehall, "el mal uso de la cultura rastafari ha diluido y marginado los principios centrales y el credo de la filosofía y forma de vida rastafari. ". [57]
Kingsley Stewart señala que los artistas a veces sienten un "imperativo de trascender lo normal", ejemplificado por artistas como Elephant Man y Bounty Killer que hacen cosas para destacar, como poner una voz sintética de dibujos animados o ponerse reflejos rosados mientras reafirman constantemente lo hipermasculino. atributos. Donna P. Hope sostiene que esta tendencia está relacionada con el surgimiento del capitalismo de mercado como característica dominante de la vida en Jamaica, junto con el papel de los nuevos medios y un panorama mediático liberalizado, donde las imágenes adquieren una importancia cada vez mayor en las vidas de los jamaiquinos comunes y corrientes. que luchan por alcanzar el estatus de celebridad y superestrella en los escenarios del dancehall y la cultura popular jamaicana. [58]
Otro punto de disensión entre el dancehall y el reggae, y sus raíces no occidentales en Jamaica, es el enfoque en el materialismo. El dancehall también se ha vuelto popular en regiones como Ghana y Panamá. Se espera que los hombres destacados en la escena del dancehall se vistan con ropa informal muy cara, indicativa del estilo urbano europeo y la alta costura que sugieren riqueza y estatus. [59] Desde finales de la década de 1990, los hombres en la cultura dancehall han rivalizado con sus contrapartes femeninas para lucir a la moda y con estilo. [60] Las divas femeninas del dancehall están escasamente vestidas o vestidas con trajes de spandex que acentúan más que cubrir la forma del cuerpo. En el documental It's All About Dancing , el destacado artista de dancehall Beenie Man sostiene que uno puede ser el mejor DJ o el mejor bailarín, pero si uno viste ropa que refleje las realidades económicas de la mayoría de los asistentes a la fiesta, será ignorado y más tarde Beenie Man volvió a actuar como Ras Moses. [61]
Según Carolyn Cooper en Sound Clash , escrito en 2004, la música dancehall y sus seguidores fueron atacados con frecuencia por referencias frecuentes a armas y violencia en las letras, y Cooper respondió argumentando que la aparición de armas de fuego no era tanto un signo de corrientes subyacentes genuinamente violentas en el dancehall. y más bien una adopción teatral del papel de las armas como herramientas de poder. Eso se relaciona con los conceptos del malo, una figura desafiante y rebelde que a menudo usa un arma para mantener un nivel de respeto y miedo. Dichos conceptos, sostiene Cooper, se originan en la resistencia histórica a la esclavitud y la emulación de películas importadas, específicamente películas de acción norteamericanas con protagonistas armados. [62]
Al concepto de disparos como elemento teatral se suma el uso de disparos como una forma de mostrar apoyo a un DJ o cantante, lo que eventualmente dio paso al encendido de encendedores de cigarrillos, la exhibición de monitores de teléfonos celulares brillantes y el encendido de aerosoles. [62] Los disparos como forma de animar se han extendido más allá de la cultura dancehall con la frase "¡cochecito, cochecito!" convirtiéndose en una expresión general de aprobación o apoyo. [62]
Sin embargo, la evaluación de Cooper sobre la presencia de armas en el dancehall jamaicano no es del todo acrítica, con una discusión sobre ' Mr. Nine' interpreta la canción como una denuncia de lo que Cooper describe como una cultura de las armas fuera de control. [62]
Parte de las críticas al dancehall jamaicano parece ser producto de un choque cultural derivado de una falta de conocimiento interno sobre los matices del contenido de la música y la cultura que rodea dicha música. Esta lucha es algo con lo que luchan los etnomusicólogos, incluso dentro de un entorno académico, y Bruno Nettl describe en The Study of Ethnomusicology cómo los puntos de vista "internos" y "externos" revelarían diferentes interpretaciones sobre la misma música. [63] De hecho, Nettl menciona más tarde las crecientes preguntas sobre quiénes se beneficiaron los estudios etnomusicológicos, especialmente de los grupos estudiados. E incluso entonces, en May It Fill Your Soul , Timothy Rice mencionó que incluso los académicos internos necesitaban un nivel de distanciamiento para escudriñar sus propias culturas según fuera necesario. [64]
Después de la popularización de la canción dancehall de Buju Banton "Boom Bye Bye" a principios de la década de 1990, la música dancehall fue criticada por organizaciones e individuos internacionales por sus letras anti-gay. [65] [66] [67] En algunos casos, los conciertos de artistas de dancehall cuya música incluía letras anti-gays han sido cancelados. [68] [69] Varios cantantes fueron investigados por agencias internacionales de aplicación de la ley como Scotland Yard , con el argumento de que las letras incitaban a la audiencia a agredir a los homosexuales. Por ejemplo, el éxito de Buju Banton de 1993, "Boom Bye Bye", defiende las agresiones violentas y los asesinatos de personas homosexuales. Otro ejemplo, la canción de TOK "Chi Chi Man", que aboga por el asesinato de hombres y mujeres homosexuales.
Algunos de los cantantes afectados creían que las sanciones legales o comerciales eran un ataque contra la libertad de expresión y se veían afectados por actitudes anti-negras en la industria musical a nivel internacional. [70] Con el tiempo, muchos artistas se han disculpado por el maltrato que han dado a las comunidades LGBTQ+, particularmente en Jamaica, y acordaron no utilizar letras anti-gay ni continuar actuando o lucrando con su música previamente anti-gay. [71] "Stop Murder Music" es/fue un movimiento contra la homofobia en la música dancehall. Este movimiento apuntó activamente a la homofobia en la música dancehall y fue iniciado parcialmente por un controvertido grupo con sede en el Reino Unido, OutRage. y con el apoyo del Grupo Asesor de Hombres Gay Negros (con sede en el Reino Unido) y J-Flag (con sede en Jamaica). Esto llevó a que algunos artistas de dancehall firmaran la Ley de Compasión del Reggae. [71] El artista de dancehall Mista Majah P ha creado música dancehall más recientemente que celebra y defiende a las personas LGBTQ+. [72] [73]
Algunos artistas acordaron no utilizar letras anti-gay durante sus conciertos en ciertos países a nivel internacional porque sus conciertos seguían siendo protestados y cancelados. [74] [75] Sin embargo, esto no aborda los efectos más graves de las letras anti-gays en la música dancehall que afectan a las personas LGBTQ+ de Jamaica, donde esta música está más presente.
El tratamiento global del dancehall a menudo puede representar la continua asociación anti-negra de la homofobia con la negritud. [76] Por ejemplo, los artistas de dancehall que no han utilizado letras anti-gay e incluso escriben música que defiende los derechos de los homosexuales han sido excluidos internacionalmente de ciertos espacios porque se supone que son homofóbicos. [73] Además, grupos a nivel internacional han actuado como si la crítica de los derechos de los homosexuales a las canciones o artistas de dancehall homofóbicos no fuera importante para las comunidades negras. [76] Esto representa la actitud anti-negra y anti-gay que trabaja para borrar las identidades interseccionales negras LGBTQ+. [76] De hecho, muchas personas negras LGBTQ+, particularmente con conexiones con Jamaica, continúan experimentando las complejidades de la música dancehall, tanto culturalmente importante como a veces profundamente violenta. Esto se demuestra en la película "Out and Bad: London's LGBT Dancehall Scene", que analiza la experiencia de un grupo de personas LGBTQ+ negras, y en su mayoría jamaicanas, en Londres. [77] El dancehall es importante para su cultura, tanto en conexión con la herencia jamaicana como en cómo se construyen las interacciones sociales en torno a la danza y la música. Sin embargo, se discute cuántas canciones de dancehall contienen letras homofóbicas y transfóbicas. [77] Un entrevistado comenta: "Todavía nos divertimos con este tipo de música porque [lo que nos importa es] el ritmo de la música, el ritmo, la forma en que la música nos hace sentir". [77]
Los académicos han teorizado sobre la importancia y el significado del uso de letras anti-gay en la música dancehall. Donna P. Hope sostiene que las letras anti-gay de la cultura dancehall formaron parte de una discusión machista que promovió el interés del hombre heterosexual en Jamaica, que es una sociedad cristiana con una fuerte influencia del movimiento rastafari también. La cultura dancehall en Jamaica a menudo incluía imágenes de hombres vistiendo y bailando de una manera estereotipada asociada con el estilo masculino gay. [78] Sin embargo, las normas de género culturales, religiosas y sociales continuaron haciendo avanzar al hombre ideal como macho y heterosexual; cualquier divergencia con respecto a esto sería identificada como retratos inadecuados e impuros de la verdadera masculinidad. [79] [78]
Algunos autores han sugerido que esta dualidad, la presentación de lo "queer" en el estilo de baile y la vestimenta, y la violenta homofobia en los espacios del dancehall puede explicarse por la ritualista "eliminación de la 'homosexualidad'". [80] La académica Nadia Ellis sugiere que cuando se reproducen canciones con letras homofóbicas, el ambiente de los espacios de dancehall puede volverse serio y los individuos pueden aprovechar la oportunidad para restablecer su lealtad a la heteronormatividad. [80] Estas canciones actúan así para "consagrar" los espacios como rectos y masculinos. En la seguridad que crea esta heteronormatividad ritualizada, el espacio puede abrirse a una mayor libertad de expresión y los participantes pueden entonces involucrarse más abiertamente con estilos y bailes que podrían haber sido vistos como queer. [80] Ellis escribe: "Las canciones se reproducen; nadie es 'gay'; todos pueden hacer la vista gorda". [80]
La reacción violenta al violentamente anti-gay "Boom Bye-Bye" de Banton y la realidad de la violencia de Kingston que vio la muerte de los DJ Pan Head y Dirtsman vieron otro cambio, esta vez de regreso hacia los temas rastafari y culturales, con varios de los grupos más incondicionales. los artistas ragga encontraron la religión y la escena del "ragga consciente" se convirtió en un movimiento cada vez más popular. Surgió una nueva generación de cantantes y DJs que se remontaba a la era del Roots Reggae, en particular Garnett Silk , Tony Rebel , Sanchez , Luciano , Anthony B y Sizzla . Algunos DJ populares, sobre todo Buju Banton y Capleton , comenzaron a citar a los rastafari y a darle a sus letras y música una dirección más consciente y arraigada. Muchos artistas rasta de dancehall moderno se identifican con Bobo Ashanti .
Los salones de baile se utilizan para comunicar mensajes sobre el poder y el control de las mujeres en una protesta contra su experiencia de género arraigada en la cultura jamaicana. Danger, una reina del dancehall y ganadora del Concurso Internacional Dancehall Queen en 2014, expresa su poder a través de los dancehalls cuando explica: "Somos reinas, no tenemos miedo de salir a hacer lo que queremos, exigir lo que queremos , y vivir como queremos, y representar a mujeres de todo el mundo y hacerles saber que está bien ser uno mismo y que está bien no reprimirse" [81] Raquel, también conocida como Dancing Princess, describe su habilidad comunicar a través del dancehall: "Lo que has vivido, lo que sientes, ponlo en el baile. Eso es el baile, expresar con tu cuerpo lo que sientes y quién eres. (...) el dancehall es la forma de la mujer que diga no, soy mujer respétame." [82] Como lo demuestran estas mujeres, el dancehall es un espacio que permite a las mujeres empoderarse y comunicar su liberación de los límites que se les imponen. Más bien, al negociar sus propios límites en el dancehall, al tomar el control de sus cuerpos y al comunicar su poder, exigen respeto cuando se enfrentan a aquellos que no creen que lo merezcan.
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