y las otras partes tocan el mismo ritmo más rápido en un 101%. 102%, 103%, ..., 115%. Tocado con armónicos: las primeras ocho partes tocan los primeros ocho armónicos y las segundas ocho partes tocan los mismos armónicos transpuestos una octava hacia abajo.La música de fase es una forma de música que utiliza la puesta en fase como proceso compositivo principal . Es un enfoque de la composición musical que a menudo se asocia con la música minimalista , ya que comparte características similares, pero algunos comentaristas prefieren tratar la música de fase como una categoría separada. [1] La fase es una técnica de composición en la que la misma parte (una frase repetitiva) se toca en dos instrumentos musicales , en tempos constantes pero no idénticos . Por lo tanto, los dos instrumentos se alejan gradualmente del unísono , creando primero un ligero eco cuando un instrumento toca un poco detrás del otro, luego un efecto de duplicación con cada nota escuchada dos veces, luego un efecto de timbre complejo y, finalmente, regresando a través de la duplicación y el eco. al unísono.
La fase es el equivalente rítmico de recorrer la fase de dos formas de onda como en la fase . Los tempos de los dos instrumentos son casi idénticos, por lo que ambas partes se perciben como si estuvieran en el mismo tempo: los cambios sólo separan las partes gradualmente. En algunos casos, especialmente en presentaciones en vivo donde la separación gradual es extremadamente difícil, la puesta en fase se logra insertando periódicamente una nota adicional (o eliminando una temporalmente) en la frase de uno de los dos intérpretes que toca la misma frase repetida, cambiando así la fase en un un solo latido a la vez, en lugar de hacerlo gradualmente.
El Phasing fue popularizado por el compositor Steve Reich , quien compuso música en cinta donde varias copias del mismo bucle de cinta se reproducen simultáneamente en diferentes máquinas. Con el tiempo, las ligeras diferencias en la velocidad de las diferentes máquinas de cinta provocan un efecto de flanging y luego se produce una separación rítmica. Por ejemplo, "Drumming" requiere que los percusionistas toquen en sincronía, algunos aceleran gradualmente mientras otros permanecen estables.
Otros ejemplos incluyen Come Out y It's Gonna Rain de Reich . Esta técnica luego se extendió a instrumentos acústicos en su Piano Phase , el primer intento de Reich de aplicar la técnica de fase a una interpretación en vivo, y más tarde el cambio de fase se hizo inmediato, en lugar de gradual, como en Clapping Music de Reich .
El compositor Kyle Gann ha señalado el uso posterior de la técnica de cambio de fase: "Aunque no se utilizó ampliamente en obras minimalistas per se, sobrevivió como un arquetipo importante en la música posminimal (por ejemplo, The Time Curve Preludes de William Duckworth , John Luther Adams ' s Dream in White on White , y el propio tiempo de Gann no existe )". [2]
En 1965, influenciado por el uso de bucles y retardos de cinta por parte de Terry Riley , el compositor estadounidense Steve Reich comenzó a experimentar con técnicas de bucles y accidentalmente descubrió el potencial del cambio de fase gradual como recurso compositivo. [3] : 37, 48
Al discutir los tecnicismos de lo que se ha denominado un "proceso de cambio de fase", Reich ha afirmado que está relacionado con el canon o rondas infinitas en la música medieval . La diferencia entre la música de fase y las rondas tradicionales, donde se tocan dos o más melodías idénticas, una comenzando tras la otra, es que las frases melódicas son generalmente patrones cortos que se repiten y la imitación es variable en lugar de fija. [3] : 48
Un ejemplo temprano de música de fase electroacústica es Música para la galería Stadler (1964) de Earle Brown . El trabajo incluía cuatro grabaciones de la misma pieza instrumental reproducidas continuamente utilizando cuatro grabadoras independientes. Con el tiempo, las grabaciones se desfasaron cada vez más entre sí; la duración total informada del trabajo es de 30 días. [4] : 237
Esta técnica basada en fases también fue explotada por Steve Reich en obras en cinta compuestas entre 1965 y 1966. Los bucles de cinta de segmentos de sonido grabado con fases idénticas se reproducían sincrónicamente utilizando varias grabadoras y luego se desfasaban gradualmente aumentando o disminuyendo la reproducción. velocidad de uno de los jugadores. El resultado de que las grabaciones entraran y salieran de fase entre sí fue un proceso transformador en el que se escucharon diferentes timbres , ritmos y armónicos ; algunos de los cuales sonaban marcadamente diferentes del segmento original del material grabado. Si la fuente de sonido tenía una cadencia natural , la fase creaba cambios continuos en el ritmo percibido a medida que el material entraba y salía de fase. Al utilizar pistas y bucles adicionales con material fuente idéntico, aumentan las posibilidades de crear una gama más amplia de relaciones de fase. [4] : 238
A partir de 1967, Reich comenzó a explorar la técnica del cambio de fase gradual en el contexto de la música compuesta para instrumentos. La primera de una serie de obras que profundizarían en este método fue Piano Phase , compuesta en 1967. [3] : 49
La música de fase compuesta presenta dos o más instrumentos que tocan una frase (parte) repetitiva en un tempo constante pero no idéntico. En el caso del cambio de fase gradual, inicialmente los tempos de los diferentes instrumentos serán casi idénticos, de modo que ambas partes se perciben como sonando al unísono y al mismo tempo. Con el tiempo, las frases se van separando gradualmente, creando primero un ligero eco cuando un instrumento toca un poco detrás del otro. A esto le sigue lo que suena como una duplicación con cada nota escuchada dos veces. A continuación, surge un complejo efecto de timbre, después del cual las frases finalmente regresan, a través de la duplicación, el eco y el unísono, a una posición en fase. [3] : 49–52
Varios de los cambios percibidos tanto en el fraseo como en el timbre que resultan de este proceso de puesta en fase son de naturaleza psicoacústica . Según Reich, "el oyente se da cuenta de un patrón en la música que puede abrir su oído a otro, y a otro, todos sonando simultáneamente y en la textura general continua de los sonidos". [3] : 50–51 Según Paul Griffiths , hay un único proceso objetivo en funcionamiento, uno que conduce a una música que es "constantemente susceptible a interpretaciones adventicias... la música la hace el oído". [5]