El arte balinés es un arte de origen hindú-javanés que surgió a partir del trabajo de los artesanos del Reino Majapahit , con su expansión a Bali a finales del siglo XIV. Desde el siglo XVI hasta el XX, el pueblo de Kamasan , Klungkung (este de Bali), fue el centro del arte clásico balinés. Durante la primera parte del siglo XX se desarrollaron nuevas variedades de arte balinés. Desde finales del siglo XX, Ubud y sus pueblos vecinos se ganaron la reputación de ser el centro del arte balinés.
Ubud y Batuan son conocidos por sus pinturas, Mas por sus tallas en madera, Celuk por los orfebres y plateros y Batubulan por sus tallas en piedra. Covarrubias [1] describe el arte balinés como, "... un arte popular barroco muy desarrollado, aunque informal, que combina la vivacidad campesina con el refinamiento del clasicismo de la Java hinduista, pero libre de los prejuicios conservadores y con una nueva vitalidad impulsada por el exuberancia del espíritu demoníaco del primitivo tropical". Eiseman señaló correctamente que el arte balinés está tallado, pintado, tejido y preparado para convertirlo en objetos destinados al uso cotidiano más que como objeto de arte. [2] Las pinturas balinesas se destacan por su arte intrincado, muy vigoroso pero refinado, que se asemeja al arte popular barroco con temas tropicales. [3]
Antes de la década de 1920, las pinturas tradicionales balinesas se encontraban principalmente en lo que hoy se conoce como estilo Kamasan o Wayang . Se trata de presentaciones visuales de narrativas, especialmente de las epopeyas hindúes-javanesas (el Ramayana y el Mahabharata ), así como de varias historias indígenas, como el Malat, que representa las narrativas de Panji y la historia de Brayut. [4]
Estos dibujos bidimensionales se dibujan tradicionalmente sobre tela o papel de corteza (papel Ulantaga o daluwang ), y en ocasiones sobre madera, con tintes naturales . La coloración se limita a los tintes naturales disponibles: rojo de rocas volcánicas, ocre, azul de índigo y negro de hollín. Además, la representación de las figuras y ornamentaciones debe seguir reglas estrictamente prescritas, ya que se producen principalmente para artículos religiosos y tapices de templos. Estas pinturas se producen en colaboración y, por lo tanto, en su mayoría de forma anónima.
Hubo muchos experimentos con nuevos tipos de arte por parte de los balineses desde finales del siglo XIX en adelante. Estos experimentos fueron estimulados por el acceso a nuevos materiales (papel occidental y tintas y pinturas importadas), y en la década de 1930, los nuevos mercados turísticos estimularon a muchos jóvenes balineses a involucrarse en nuevos tipos de arte.
En la década de 1920, con la llegada de muchos artistas occidentales, Bali se convirtió en un enclave artístico (como lo fue Tahití para Paul Gauguin ) para artistas de vanguardia como Walter Spies (alemán), Rudolf Bonnet (holandés), Adrien-Jean Le Mayeur ( belga), Arie Smit (holandés), Theo Meier (suizo) y Donald Friend (australiano) en años más recientes. La mayoría de estos artistas occidentales tuvieron muy poca influencia en los balineses hasta el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, aunque algunos relatos enfatizan demasiado la presencia occidental a expensas del reconocimiento de la creatividad balinesa.
En su primera visita a Bali en 1930, el artista mexicano Miguel Covarrubias observó que las pinturas locales cumplían principalmente funciones religiosas o ceremoniales. Se utilizaban como paños decorativos para colgar en templos y casas importantes, o como calendarios para determinar los horóscopos de los niños. Sin embargo, al cabo de unos años descubrió que esta forma de arte había experimentado una "revolución liberadora". Donde antes habían estado severamente restringidos por temas (principalmente episodios de la mitología hindú) y estilo, los artistas balineses comenzaron a producir escenas de la vida rural. Estos pintores habían desarrollado una individualidad cada vez mayor. [1]
Este período innovador de creatividad alcanzó su punto máximo a finales de la década de 1930. Una corriente de visitantes famosos, entre ellos Charlie Chaplin y los antropólogos Gregory Bateson y Margaret Mead , animaron a los talentosos lugareños a crear obras muy originales. Durante su estancia en Bali a mediados de la década de 1930, Bateson y Mead recopilaron más de 2.000 pinturas, principalmente del pueblo de Batuan, pero también del pueblo costero de Sanur. [5] Entre los artistas occidentales, a Spies y Bonnet a menudo se les atribuye la modernización de las pinturas tradicionales balinesas. A partir de la década de 1950, los artistas balineses incorporaron aspectos de la perspectiva y la anatomía de estos artistas. [6] Más importante aún, actuaron como agentes de cambio fomentando la experimentación y promoviendo alejamientos de la tradición. El resultado fue una explosión de expresión individual que aumentó el ritmo de cambio en el arte balinés. Los estilos de la década de 1930 se consolidaron en la década de 1950 y, en años más recientes, se les ha dado el confuso título de "pintura tradicional balinesa moderna". Los pintores de Ubud, aunque eran una minoría entre los artistas que trabajaron en la década de 1930, se convirtieron en representantes del nuevo estilo gracias a la presencia del gran artista Gusti Nyoman Lempad en ese pueblo y al patrocinio de los gobernantes tradicionales de Ubud. Los puntos clave del estilo Ubud incluyeron una concentración en la representación de la vida y el drama cotidiano de Bali; el cambio del mecenas de estos artistas de los templos religiosos y casas reales a turistas/coleccionistas occidentales; cambiando la composición de la imagen de enfoque múltiple a único. [7] A pesar de la adopción de las tradiciones de la pintura occidental moderna por parte de muchos pintores balineses e indonesios , la "pintura tradicional balinesa moderna" todavía está prosperando y continúa siendo llevada a cabo por descendientes/estudiantes de los artistas de la era modernista de antes de la guerra (1928-1942). Las escuelas de pintura balinesa tradicional moderna incluyen las escuelas de pintura de Ubud, Batuan, Sanur , Young Artist y Keliki. [7]
La modernización del arte balinés de antes de la guerra emanó de tres pueblos: Ubud, donde se asentaron Spies, Sanur en la costa sur, y Batuan, un centro tradicional de músicos, bailarines, talladores y pintores. Los artistas pintaban principalmente sobre papel, aunque también utilizaban lienzos y tablas. A menudo, las obras presentaban grupos repetitivos de follaje estilizado u ondas que transmitían una sensación de textura, incluso perspectiva. Cada pueblo desarrolló un estilo propio. Los artistas de Ubud hicieron más uso de los espacios abiertos y enfatizaron las figuras humanas. Las pinturas de Sanur a menudo presentaban escenas eróticas y animales, y las obras de Batuan eran menos coloridas pero tendían a estar más ocupadas. [8]
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Ubud se convirtió en un centro de arte en la década de 1930, bajo el patrocinio de los señores de Ubud, que llegaron al poder a finales del siglo XIX. Antes de la década de 1930, es posible que se hayan encontrado en Ubud pinturas tradicionales de estilo wayang de otras aldeas, pero tuvieron más influencia en la cercana aldea de Peliatan, que hoy en día está clasificada como parte de Ubud. Importantes artistas de Ubud ya estaban adaptando versiones del estilo wayang a finales de la década de 1920, en particular Ida Bagus Kembeng de Tebesaya, quien pudo haber estudiado con familiares en la cercana aldea de Tampaksiring. I Gusti Nyoman Lempad , que había llegado a Ubud bajo el patrocinio de su señor gobernante, pasó de ser arquitecto y escultor a realizar dibujos destacados alrededor de 1931. Anak Agung Gde Sobrat de Ubud también comenzó a pintar en esa época. Estos y otros artistas recibieron materiales y oportunidades para vender sus obras de la mano de los artistas europeos residentes Walter Spies y Rudolf Bonnet. Desarrollaron estilos experimentales que los comentaristas europeos identificaron como un tipo nuevo y moderno de arte balinés, diferenciado del arte tradicional que se rige por estrictas reglas de iconografía religiosa.
Bajo el patrocinio de la familia real de Ubud, especialmente de Tjokorda Gde Agung Sukawati, y con Rudolf Bonnet como consultor principal, se fundó en 1936 el Pitamaha Art Guild como una forma de profesionalizar la pintura balinesa. Su misión era preservar la calidad del arte balinés en medio de la avalancha de turismo que llega a Bali. Los miembros de la junta directiva de Pitamaha se reunían periódicamente para seleccionar las pinturas presentadas por sus miembros y realizar exposiciones en Indonesia y en el extranjero. Entre 1936 y 1939, Bonnet organizó importantes exposiciones de este arte balinés moderno en los Países Bajos, con una exposición más pequeña en Londres. Pitamaha estuvo activo hasta que la Segunda Guerra Mundial llegó a Bali en 1942. Los artistas de Ubud que eran miembros de Pitamaha procedían de Ubud y sus pueblos circundantes: Pengosekan, Peliatan y Tebasaya. Entre ellos, además de los mencionados anteriormente, estaban: Los tres hijos de Ida Bagus Kembeng: Ida Bagus Wiri, Ida Bagus Made e Ida Bagus Belawa; Tjokorda Oka de la casa real de Peliatan; Sobrat y sus familiares, entre ellos Anak Agung Gde Meregeg, I Dewa Putu Bedil, I Dewa Nyoman Leper, Anak Agung Dana de Padangtegal; y yo Gusti Ketut Kobot, su hermano I Gusti Made Baret, yo Wayan Gedot, Dewa Putu Mokoh de Pengosekan. También participaron artistas de otras áreas, incluidos Pan Seken de Kamasan, I Gusti Made Deblog de Denpasar y algunos de los artistas de Sanur.
Aunque de corta duración, Pitamaha se identifica con el auge del arte moderno de la década de 1930 que lo precedió, y con los avances posteriores en el arte. Los artistas de Ubud han continuado la tradición Pitamaha. Entre estos artistas de Ubud son importantes Ida Bagus Sena (sobrino de Ida Bagus Made Poleng), AA Gde Anom Sukawati (hijo de AA Raka Pudja), I Ketut Budiana, I Nyoman Kayun y I Nyoman Meja. Budiana es la artista con una de las trayectorias de exposiciones individuales más impresionantes. Sus pinturas están recopiladas por el Museo de Arte de Fukuoka, el Bentara Budaya Yakarta, el Museo Puri Lukisan, el Museo Neka y el Museo Arma. Ida Bagus Sena también ha desarrollado un estilo único y tiene un profundo conocimiento de la filosofía balinesa en sus pinturas. Anom Sukawati es el colorista balinés más exitoso. Nyoman Meja desarrolló un estilo que es copiado fielmente por varios de sus alumnos. I Nyoman Kayun recibió el premio Bali Bangkit en 2008.
La Escuela de Pintura de Batuan la practican artistas en el pueblo de Batuan, situado a 10 kilómetros (6,2 millas) al sur de Ubud. Los artesanos de Batuan son talentosos bailarines, escultores y pintores. Los principales artistas de la década de 1930 incluyeron a I Nyoman Ngendon y algunos miembros de importantes familias brahmanas , incluida Ida Bagus Made Togog. Otros artistas importantes de Batuan de la era premodernista incluyen a I Dewa Nyoman Mura (1877-1950) y I Dewa Putu Kebes (1874-1962), conocido por cantar ; Pintores tradicionales de estilo Wayang para los textiles ceremoniales de los templos.
La influencia occidental en Batuan no alcanzó la intensidad que tuvo en Ubud. [5] Según Claire Holt , las pinturas de Batuan eran a menudo representaciones oscuras y abarrotadas de escenas legendarias o temas de la vida cotidiana, pero retrataban sobre todo momentos nocturnos temibles en los que fantasmas grotescos, monstruos animales monstruosos y brujas abordaban a la gente. Esto es particularmente cierto en el caso de las pinturas recopiladas por Margaret Mead y Gregory Bateson durante sus estudios de campo en Bali de 1936 a 1939. [5] Gradaciones de lavados de tinta negra a blanca se extendieron sobre la mayor parte de la superficie, para crear una atmósfera de oscuridad y tristeza. En los años posteriores, los diseños cubrieron todo el espacio, lo que a menudo contribuyó a la naturaleza abarrotada de estas pinturas.
Entre los primeros artistas de Batuan, I Ngendon (1903-1946) fue considerado el pintor más innovador de la escuela de Batuan. [6] Ngendon no sólo era un buen pintor sino también un astuto hombre de negocios y activista político. Animó y movilizó a sus vecinos y amigos a pintar para consumo turístico. Su habilidad para el retrato jugó un papel importante al enseñar a sus compañeros del pueblo de Batuan más que Spies y Bonnet. [6] Los principales artistas batuanos de este período fueron: I Patera (1900-1935), I Tombos (n. 1917), Ida Bagus Togog (1913-1989), Ida Bagus Made Jatasura (1917-1946), Ida Bagus Ketut. Diding (1914-1990), I Made Djata (1920-2001) e Ida Bagus Widja (1912-1992). El espíritu del período Pitamaha sigue siendo fuerte y lo continúan los artistas contemporáneos de Batuan como I Made Budi, I Wayan Bendi (n. 1950), I Ketut Murtika (n. 1952), I Made Sujendra (n. 1964) y muchos otros. Las pinturas I Made Budi y I Wayan Bendi capturan la influencia del turismo en la vida moderna en Bali. Colocan a los turistas con sus cámaras, andando en motocicleta o practicando surf durante las actividades tradicionales del pueblo balinés. La dicotomía entre la vida balinesa moderna y tradicional contrasta marcadamente en armonía. I Ketut Murtika todavía pinta la historia tradicional del Mahabharata y Ramayana con minuciosos detalles y colores tenues. Su pintura de la Rueda de la Vida vista desde el sistema de creencias balinés muestra su dominio de las leyendas locales y su esmerada atención al detalle. [9]
A diferencia de Ubud y Batuan, que se encuentran en el interior de Bali, Sanur es un centro turístico de playa. Sanur era el hogar del conocido artista belga Le Mayeur de Mepres, que vivía con una esposa balinesa (Ni Polok) y tenía una casa en la playa de Sanur, aunque no tenía interacción con artistas locales.
En la década de 1930, los turistas llegaban a Bali en cruceros atracados en Sanur y hacían viajes a Ubud y sitios turísticos vecinos. Su ubicación privilegiada proporcionó al artista de Sanur fácil acceso a los turistas occidentales que frecuentaban la tienda de los hermanos Neuhaus, que vendían recuerdos balineses y tenían un acuario de peces tropicales. Los hermanos Neuhaus se convirtieron en los principales comerciantes de pinturas de Sanur y otras obras de arte locales. La playa alrededor de Sanur, llena de balancines y horizontes abiertos, proporcionó a los artistas locales un entorno visual diferente al de Ubud y Batuan, que se encuentran en el interior. La atmósfera lúdica impregna las pinturas de Sanur y no está dictada por la iconografía religiosa. [7] Es más ligero y aireado que los de Batuan y Ubud, con criaturas marinas, paisajes eróticos y animales salvajes dibujados en patrones rítmicos. Es posible que estas obras, y las de Batuan, influyeran en el artista europeo MC Escher. La mayoría de las primeras obras fueron aguadas con tinta en blanco y negro sobre papel, pero a petición de Neuhaus, las últimas obras fueron adornadas con colores pastel claros, a menudo añadidos por un pequeño número de artistas especializados en colorear dibujos en blanco y negro, en particular I Pica y I. Regug, que dejó sus iniciales balinesas en los márgenes.
La escuela de pintura de Sanur es la más estilizada y decorativa de todo el arte balinés moderno. Los principales artistas de Sanur son I Rundu, Ida Bagus Nyoman Rai , Ida [Bagus] Made Pugug, I Soekaria, I [Gusti] Made Rundu y I Pica. I Rudin, que vivía cerca en Renon, comenzó a pintar a mediados de la década de 1930, y en la década de 1950 se dedicó a dibujar bailarinas balinesas a la manera de los dibujos de Miguel Covarrubias .
El desarrollo de la Escuela de Pintura para Jóvenes Artistas se atribuye al artista holandés Arie Smit , un soldado holandés que sirvió durante la Segunda Guerra Mundial y decidió quedarse en Bali. A principios de la década de 1960, se encontró con niños en el pueblo de Penestanan , cerca de Tjampuhan, dibujando en la arena. Animó a estos niños a pintar proporcionándoles papel y pinturas. [6]
Sus pinturas se caracterizan por dibujos "infantiles" carentes de detalles y colores vivos dibujados con pintura al óleo sobre lienzo. En la década de 1970, atrajo a unos trescientos pintores campesinos para pintar cuadros para turistas. En 1971, Datuk Lim Chong Kit realizó una exposición de obras de artistas jóvenes de su colección en la Alpha Gallery de Singapur, titulada Pintores campesinos de Bali. Una versión de esa exposición se llevó a cabo en 1983 en la Galería Nacional de Malasia .
La pintura de I Wayan Pugur (n. 1945) que se muestra aquí, fue ejecutada cuando tenía 13 años y fue expuesta en el Museo de Arte Moderno de San Francisco en 1964, como parte de una exposición itinerante por los Estados Unidos en 1964-1965. , que también se exhibió en el Instituto Smithsonian. Este primer dibujo, realizado sobre papel, muestra el uso de colores brillantes y una composición equilibrada. El espacio de dibujo está dividido en tres áreas de colores sólidos: azul oscuro, amarillo brillante y magenta, lo que muestra la influencia de la tradición pictórica Wayang. Las hojas del gran árbol con las serpientes muestran la yuxtaposición de colores complementarios. Los rostros de las figuras fueron dibujados sin detalles, pero las serpientes tienen ojos y lenguas largas.
Los principales artistas de la Escuela de Jóvenes Artistas son I Wayan Pugur, I Ketut Soki , [10] I Ngurah KK, I Nyoman Londo, I Ketut Tagen, MD Djaga, I Nyoman Cakra, Ni Ketut Gampil, I Nyoman Mundik, I Wayan Regug y muchos otros.
En la década de 1990, surgieron pinturas en miniatura en Keliki, un pequeño pueblo al norte de Ubud, dirigidas por un granjero local, I Ketut Sana. [8] Los tamaños varían desde tan solo 2 x 3 pulgadas hasta tan grandes como 10 x 15 pulgadas. I Ketut Sana aprendí a pintar de I Gusti Nyoman Sudara Lempad de Ubud y de I Wayan Rajin de Batuan. Combinó el dibujo lineal de Lempad y los detalles de la escuela de Batuan. Cada centímetro del espacio está cubierto con detalles minuciosos de la vida del pueblo balinés y leyendas dibujadas con tinta y coloreadas con acuarela. El resultado es una unión entre la juventud de la escuela de Ubud y los detalles de la Escuela Batuan. Los artistas de Keliki estaban orgullosos de su paciencia al pintar detalles minuciosos de cada objeto que ocupaba el espacio de dibujo.
A la izquierda se ilustra un dibujo de I Lunga (c. 1995) que representa la historia de Rajapala. A Rajapala a menudo se le conoce como el primer voyeur balinés o el “mirón”. Según la historia, Rajapala ve a un grupo de ninfas celestiales bañándose en un estanque. Se acerca sigilosamente y, sin que ellos lo sepan, le roba la falda (kamben) a la más guapa, Sulaish. Como su ropa contiene poderes mágicos que le permiten volar, la ninfa no puede regresar a casa. Rajapala se ofrece a casarse con ella. Ella acepta con la condición de regresar al cielo después del nacimiento de un niño. Con el tiempo, ella y Rajapala tienen un hijo pequeño y sano. Pasan los años y un día Sulaish descubre accidentalmente su ropa escondida en la cocina. Al darse cuenta de que ha sido engañada, se despide de su marido y de su hijo y regresa a su morada celestial.
Los principales artistas de la Escuela de Artistas Keliki son Sang Ketut Mandera (Dolit), [8] I Ketut Sana, I Wayan Surana, I Lunga, I Wayan Nengah, I Made Ocen, Gong Juna, I Made Widi, I Wayan Lanus, I Wayan. Lodra, [8] Ida Bagus Putra, Gusti Ngurah Putra Riong y muchos otros.
I Gusti Ngurah Gede Pemecutan, un balinés de ascendencia real, pinta sus pinturas a partir de huellas dactilares. Si utilizamos la técnica del pincel, podemos quitarlo si es necesario, pero la técnica de la huella digital debe colocar cada punto con precisión. Sus pinturas de huellas dactilares no tienen firma, pero tienen muchas de sus huellas dactilares. La técnica de pintar con huellas dactilares se considera parte de la técnica de pintura del puntillismo (con el pincel). [11]
Al igual que la pintura balinesa, la talla de madera balinesa experimentó una transformación similar durante las décadas de 1930 y 1940. El estallido creativo que surgió durante este período de transición a menudo se atribuye a influencias occidentales. En 2006, una exposición en el Museo Nusantara, Delft, Países Bajos, Leidelmeijer [12] trazó la influencia Art Déco en la talla de madera balinesa. Leidelmeijer conjeturó además que la influencia del Art Déco continuó hasta bien entrada la década de 1970.
Durante los años de transición, el Gremio de Artistas de Pitamaha fue el principal impulsor no sólo de las pinturas balinesas sino también del desarrollo de las modernas tallas de madera balinesas. I Tagelan (1902-1935) realizó una talla alargada de una mujer balinesa a partir de un largo trozo de madera que le fue regalado por Walter Spies, quien originalmente le pidió que realizara dos estatuas. [6] Esta talla se encuentra en la colección del Museo Puri Lukisan de Ubud.
Otros maestros del tallado en madera modernista balinés fueron: Ida Bagus Nyana, Tjokot (1886-1971), [2] e Ida Bagus Tilem. Ida Bagus Nyana era conocida por experimentar con la masa en la escultura. Al tallar personajes humanos, acortó algunas partes del cuerpo y alargó otras, aportando así una cualidad inquietante y surrealista a su trabajo. Al mismo tiempo, no trabajó demasiado la madera y adoptó temas sencillos e ingenuos de la vida cotidiana. De este modo evitó la trampa del “barroco”, a diferencia de muchos talladores de su época.
Tjokot se ganó la reputación de explotar la calidad expresiva inherente a la madera. Se adentraba en el bosque en busca de troncos y ramas de formas extrañas y, cambiándolos lo menos posible, los transformaba en espectros retorcidos y figuras demoníacas. [2]
Ida Bagus Tilem, hijo de Nyana, impulsó las innovaciones de Nyana y Tjokot tanto en el trabajo de la madera como en la elección de los temas. A diferencia de los escultores de la generación anterior, él se atrevió a alterar las proporciones de los personajes representados en su talla. Permitió que las deformaciones naturales de la madera guiaran la forma de su talla, utilizando troncos nudosos muy adecuados para representar cuerpos humanos retorcidos. Vio cada tronco o rama deformada como un medio para expresar los sentimientos humanos. En lugar de representar mitos o escenas de la vida cotidiana, Tilem retoma temas “abstractos” con contenido filosófico o psicológico: utiliza piezas de madera distorsionadas y dotadas de fuertes poderes expresivos. [2] Ida Bagus Tilem, sin embargo, no sólo fue artista sino también profesora. Formó a decenas de jóvenes escultores de los alrededores del pueblo de Mas. Les enseñó cómo seleccionar la madera por su poder expresivo y cómo establecer un diálogo entre la madera y el hombre que se ha convertido en la corriente principal de la talla en madera balinesa actual.
Hay muchos museos en todo el mundo que albergan una importante colección de pinturas balinesas. [13]
